301. Brian Eno – Here Come the Warm Jets (1974)
Después de que Bryan Ferry quizo acaparar todas las miradas del publico y diera por terminada su relación laboral con Brian Eno (quien le hacía una sombra bastante alargada) de Roxy Music, el teclista se reveló como uno de los grandes talentos dentro del glam-rock y el art-pop de mediados de los años 70 antes de convertirse en pionero del ambient y productor de gran éxito con gente tan conocida como Ultravox!, U2, Coldplay y James.
Su debut fue el LP “Here Come the Warm Jets”, un estupendo muestrario de atrapantes melodías, textos divertidos que van del cripticismo imaginario, sin sentido, al comentario humorístico o la melancolía romántica, con exuberantes texturas sónicas de pop experimental y glam. En el mismo contó con la participación de sus ex componentes de Roxy Music (menos Ferry) y de Robert Fripp, el líder de los King Crimson, que deja algún que otro trabajo de antología a lo largo del álbum.
“Needles in the Camel’s Eye” es un intenso corte glam-velvetiano (co-escrito con Phil Manzanera) con un muro noise de hirientes y distorsionadas guitarras, ecos de su buen amigo Bowie-Ziggy, y trazas del futuro noise-pop y de disposiciones art-punk-pop estilo Television o Talking Heads. Estos últimos, por cierto, conocerían sus mejores obras bajo producción de Eno.
“The Paw Paw Negro Blowtorch” es pura teatralidad glam-sexual. El desarrollo, con sonidos electrónicos que auguran la próxima new wave, expone también el sentido experimental, pero melódico, de la influyente escritura de este gran autor inglés.
“Baby’s on Fire” contrasta un texto de corte simpático con calentura sexy con una fantástica atmósfera ominosa (con esa percusión tipo mantra) y un espectacular solo de Fripp. Sin duda alguna, uno de los mejores solos guitarreros de todos los tiempos.
“Cindy Tells Me”, también compuesta conjuntamente con Manzanera, nos lleva al pop de finales de los 50, comienzos de los 60, con incluso resonancias vocales de los Beach Boys. La canción podría cantarla Travolta en “Grease”, tiene un estribillo de auténtico maestro y una melodía fenomenal.
“Driving Me Backwards” es muy atmosférica, una pieza realmente oscura. Con un piano exagerado, que pretende resultar hipnótico, y una voz de corte invocativo en una brillante narración de enajenación mental.
“On Some Faraway Beach” es una pieza lenta, precursora del dream-pop. Combinación de un sencillo piano, batería y un coro en una larga intro. El tono es triste y la melodía tiene gran belleza, acentuada en su beldad por la melancolía de los textos de Eno, aparecidos en un hermoso último tramo.
Tal hermosura contrasta con la exposición abrasiva de “Blank Frank”, amenazante, noise-rock con ardientes guitarras, trastornados teclados y ritmo a lo Bo Diddley. El tema está escrito entre Brian Eno y Robert Fripp.
La excelente “Dead Finks Don’t Talk”, dedicada a Bryan Ferry, muestra unas estrofas de tempo lento y percusión militar, que parecen mezclar a Lou Reed con Leonard Cohen, antes de variar a un cálido estribillo de espléndida melodía en un desarrollo experimental con pinceladas de Zappa y sorprendentes disposiciones vocales (con partes a lo "I'm the Walrus" beatleiano) e instrumentales.
”Some of Them Are Old” es una auténtica delicia que podría aparecer en la cara b del “Abbey Road” de los Beatles, y el cierre, “Here Come the Warm Jets”, es un fenomenal instrumental que adelanta con mucha antelación el sonido alternativo de tipos con mayores pretensiones y menor capacidad que este autodenominado “no-músico”. Un disco magistral.
1.Needles in the Camel's Eye
2.Paw Paw Negro Blowtorch, The
3.Baby's On Fire
4.Cindy Tells Me
5.Driving Me Backwards
6.On Some Faraway Beach
7.Blank Frank
8.Dead Finks Don't Talk
9.Some Of Them Are Old
10.Here Come The Warm Jets
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302. Bad Company – Bad Company (1974)
Influenciados por Cream, fichados por Led Zeppelin para grabar en su sello Swan Song, y provenientes de prestigiosas bandas como Free, Mott The Hoople y King Crimson, Bad Company mostraron en su disco debut, su mejor trabajo, un muestrario vibrante de blues-rock de poderosa ejecución, tanto por la gran capacidad como vocalista de Paul Rodgers como por la habilidad instrumental de sus compañeros, en especial el guitarrista Mick Ralphs, quien junto a Rodgers es el principal autor de la escritura de sus temas.
Sus canciones rock con base blues son palpitantes piezas con correosos riffs, letras minimalistas, fibrosa sección rítmica y vigorosa actitud vocal que transmite con pasión historias existenciales de antihéroes, anotaciones de giras y asuntos de carácter amoroso-sexual. Todas sus claves se manifiestan a la perfección en el número 1 "Can't Get Enough".
Otros temas destacables del disco son "Rock Steady", soberbia lección de como afrontar con clase, frescura y fortaleza una canción de rock'n'roll, "Bad Company", una de las grandes joyas del álbum, "Seagull", pieza acústica de resonancias folk con un clima casi apocalíptico, o "Ready For Love", excelente y agridulce tema de Ralphs que anteriormente ya había grabado con Mott The Hoople en el magnífico "All The Young Dudes".
El álbum alcanzó el puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums (Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 en las listas, "Can't Get Enough" en el #5 en 1974 y "Movin' On" en el #19 a principios de 1975.
1.Can't Get Enough
2.Rock Steady
3.Ready For Love
4.Don't Let Me Down
5.Bad Company
6.Way I Choose
7.Movin' On
8.Seagull
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303. Genesis – Lamb Lies Down on Broadway (1974)
El disco “The Lamb Lies down on Broadway” (El cordero yace en Broadway) gozó del éxito en círculos de culto que décadas después obligó a los críticos a revalorar su contenido, tanto musical como poético.
El autor intelectual de los 23 temas fue Peter Gabriel, mientras que el resto de la banda, integrada también en ese momento por Mike Rutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hacket compuso la música sin siquiera conocer en líneas generales de qué trataba. Al reunirse el grupo para integrar música y poesía vieron que existía una sincronización adecuada y dieron lugar a ciertos temas de relleno que tenían la intencionalidad de completar el número 23 al que tanto anhelaba llegar Gabriel por su valor cabalístico. Entre ellos figuran “The Light dies down on Broadway” o “The Grand Parade of lifeless packaging” , los cuales fueron escritos por Banks y Rutherford.
El álbum es un disco doble conceptual, complementa y simplifica el entendimiento de las líricas del álbum. Es una historia compleja, con múltiples escenarios e historias, todas relacionadas a Rael, un inmigrante puertorriqueño que intenta hacerse un nombre en las calles de Nueva York. Es partícipe de un viaje extraño al rescate de su hermano John, como de película de ciencia ficción, en la cual debe sufrir una serie de experiencias que lo ayudarán a trascender la experiencia terrenal y resurgir como un nuevo ser "It". Como ni las líricas ni la historia escrita en la carátula son muy claras, las interpretaciones del disco serán múltiples. Baste decir que es exactamente esto lo que lo hace una obra superior, o, para algunos, una obra maestra del Rock Progresivo de todos los tiempos, para otros, uno de los trabajos más ambiciosos de la era del Rock Progresivo y que también marca los últimos buenos años del Rock Progresivo, ya que poco después llegaría el Punk y el Glam a destronarlo.
Curiosamente, mucho del Album contiene elementos proto-Punk o proto-Glam, la puesta en escena de Gabriel, la cual se valía de diferentes y vistosos disfraces seria después muy común con el Glam Rock. Mientras que Rael (su personaje en escena) vestía chaquetas de cuero. Back in N.Y.C., es considerada una canción proto-punk.
1.Lamb Lies Down on Broadway
2.Fly on a Windshield
3.Broadway Melody of 1974
4.Cuckoo Cocoon
5.In the Cage
6.Grand Parade of Lifeless Packaging - Brian Eno, Genesis
7.Back in N.Y.C.
8.Hairless Heart
9.Counting out Time
10.Carpet Crawlers
11.Chamber of 32 Doors
12.Lilywhite Lilith
13.Waiting Room
14.Anyway
15.Supernatural Anaesthetist
16.Lamia
17.Silent Sorrow in Empty Boats
18.Colony of Slippermen: The Arrival/A Visit to the Doktor/The Raven
19.Ravine
20.Light Dies Down on Broadway
21.Riding the Scree
22.In the Rapids
23.It
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304. Shuggie Otis – Inspiration Information (1974)
De vez en cuando aparecen discos de esos que te cambian la vida y el hábito de escuchar música. Joyas imperecederas que uno disfruta una y otra vez, y al escucharlos parece que fueran el único disco editado sobre la faz de la tierra. Hay discos que cambian estados de ánimo y modifican radicalmente el comportamiento del individuo con solo escuchar el motivo melódico del primer tema. Shuggie Otis. Un genio ignorado en su momento. Hijo del ilustre Johnny Otis, aprendió a tocar a la tierna edad de 5 años y para cuando tenía 12 ya casi se podía decir que era músico profesional. Es "Inspiration Information" donde el propio Shuggie se hacía cargo de todos los instrumentos, su obra más ambiciosa. Si bien el deseado éxito nunca llegó Shuggie adquirió una merecida fama en el mundillo, aunque también es verdad que se dice que tenía comportamientos de estrella inalcanzable. Aún así cuentan que fue uno de los nombres que se barajaron para sustituir a Mick Taylor en los Rolling Stones, oferta que rechazó para centrarse en su carrera que aún parecía prometedora. Lamentablemente no fue así y su estrella fue declinando a finales de la década de 1970 para acabar despareciendo del mapa durante años.
Este álbum es la muestra definitiva de su sublime capacidad como instrumentista y compositor de gran originalidad, con un gran sentido arquitectónico de la armonía y el sonido.
1.Inspiration Information
2.Island Letter
3.Sparkle City
4.Aht Uh Mi Hed
5.Happy House
6.Rainy Day
7.XL-30
8.Pling!
9.Not Available
10.Strawberry Letter 23
11.Sweet Thang
12.Ice Cold Daydream
13.Freedom Flight
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305. Stevie Wonder – Fulfillingness’ First Finale (1974)
Fulfillingness' First Finale es un álbum de Stevie Wonder, lanzado el 22 de Julio de 1974. Fue el cuarto de la serie de cinco álbumes que conforman su período clásico, Music of My Mind, Talking Book, Innervisions, y Songs in the Key of Life. Tras el fuerte tono contestatario reflejado en Innervisions, éste álbum proyecta un tono decididamente más sombrío. Los arreglos de los temas, aunque de gran calidad, son de menor complejidad a los que Wonder desarrolla en otros trabajos del mismo período, como resulta evidente en "They Won't Go When I Go" o "Creepin'". A pesar de su tono intimista, el músico no abandona del todo la conciencia social que había desarrollado en anteriores trabajos. En el tema "You Haven't Done Nothin'", que alcanzó el número 1 en las listas de éxitos, Wonder lanzaba una afilida crítica a la Administración Nixon, ayudado por los Jackson 5, de la que formaba parte un adolescente Michael Jackson.
Fulfillingess' First Finale obtuvo el premio Grammy de 1975 por la "Mejor Interpretación Pop Masculina" ("Boogie On Reggae Woman"
, y el de "Album del Año". El hecho de que Wonder se tomara dos años para grabar su siguiente álbum (Songs in the Key of Life) rompió su increíble cadena de premios, provocando la famosa declaración de Paul Simon agradeciendo públicamente a Wonder no haber publicado un álbum en 1975 (cuando Simon recibió el Grammy al mejor disco del años por "Still Crazy After All These Years".
Curiosamente, Fulfillingess' First Finale es la única grabación del período clásico de Stevie Wonder que no ha sido incluida en la lista de los mejores 500 álbumes de la historia elaborada por Rolling Stone.
1.Smile Please
2.Heaven Is 10 Zillion Light Years Away
3.Too Shy to Say
4.Boogie on Reggae Woman
5.Creepin'
6.You Haven't Done Nothin'
7.It Ain't No Use
8.They Won't Go When I Go
9.Bird of Beauty - (Portuguese)
10.Please Don't Go
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306. Eric Clapton – 461 Ocean Boulevard (1974)
461 Ocean Boulevard fue el segundo disco que Eric Clapton hacía tras de su paso por Derek & The Dominos, y el primero ya desintoxicado de la droga. Aunque no abandonó su predilección por las atmósferas del blues, Eric Clapton se acercó el reggae, gracias a su versión de I Shot The Sheriff, de Bob Marley.
Es con este disco, con el que Clapton comienza a cogerle el pulso a su carrera. 461 Ocena Bulevard es un álbum con buenos temas como Give Me Strength y Let It Grow. Clapton se mantiene en la senda del blues con versiones de Robert Johnson, Steady Rollin' Man y de Elmore James, I Can't Hold Out, toca el rock & roll con el clásico de Johnny Otis Willie and the Hand Jive, y se divierte con la guitarra en Motherless Children.
El disco llegó al número 1 de las listas americanas. Primordial’ dentro de la vasta discografía de este guitarrista ilustre que ha dado el Blues y el Rock.
1.Motherless Children
2.Give Me Strength
3.Willie and the Hand Jive
4.Get Ready
5.I Shot the Sheriff
6.I Can't Hold Out
7.Please Be With Me
8.Let It Grow
9.Steady Rollin' Man
10.Mainline Florida
11.Better Make it Through Today
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307. Kraftwerk – Autobahn (1974)
Kraftwerk ('central energética' en alemán) es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y Karl Bartos.
Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.
El lanzamiento de Autobahn, en 1974 vio a la banda separarse del sonido de sus primeros álbumes. Invirtieron en la más nueva tecnología como el Minimoog, ayudando a darles un nuevo sonido disciplinado. Autobahn también sería el último álbum que Conny Plank produciría. Después del éxito comercial de Autobahn, el grupo invirtió dinero para renovar su estudio. Esto significo que no volverían a confiar en otros productores externos. Por aquel entonces, el pintor y diseñador gráfico Emil Schult llegó a ser un habitual colaborador con el grupo, trabajando junto al grupo. Schult diseñó el arte de portada, además de componer letras y de acompañar al grupo en concierto.
“Autobahn”, considerado por muchos expertos un punto de inflexión que constituyó uno de los primeros álbumes de electropop. Con Autobahn consiguieron su primer Disco de Oro, y el single encabezó las listas de éxitos de Estados Unidos. Gracias a este éxito, firmaron con EMI en 1974, apoyados por el sello Kling Klang. La fama les había llegado.
1.Autobahn - (German)
2.Kometenmelodie 1
3.Kometenmelodie 2
4.Mitternacht
5.Morgenspaziergang
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308. Van Morrison – It’s Too Late to Stop Now (1974)
It's Too Late to Stop Now es el primer álbum en directo (verano de 1973) del músico irlandés Van Morrison. Mencionado con frecuencia como uno de los mejores álbumes en directo de la historia del rock, It's Too Late to Stop Now fue grabado durante una de las mejores etapas de Van Morrison como intérprete.
Cualquier hipérbole aplicada a la valoración de este monumental álbum parece destinada a quedarse corta. Alguien lo definió como "uno de los intentos más impresionantes de exprimir la excitación de un músico de rock en el escenario". Van se encuentra en estado de gloria redimensionando en vivo parte de su más memorable repertorio.
Podría bastar con escuchar este doble CD para poder saborear al irlandés en la cumbre de su carrera. Este es un doble disco que funciona porque es una actuación magnífica que rezuma “feeling” en la que el irlandés estaba acompañado de la soberbia Caledonia Soul Orchestra y, además, porque en él están compilados buena parte de los mejores temas de la cúspide de su longeva trayectoria.
Ojalá uno hubiera podido estar allí.
DISC 1:
1.Ain't Nothin' You Can Do
2.Warmlove
3.Into the Mystic
4.These Dreams of You
5.I Believe to My Soul
6.I've Been Working
7.Help Me
8.Wild Children
9.Domino
10.I Just Want to Make Love to You
DISC 2:
1.Bring It on Home to Me
2.Saint Dominic's Preview
3.Take Your Hands Out
4.Listen to the Lion
5.Here Comes the Night
6.Gloria
7.Caravan
8.Cyprus Avenue - (Bonus Track)
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309. Joni Mitchell – Court & Spark (1974)
Una de las principales cantautoras de la música moderna, su apostura independiente, su capacidad lírica de introspección emocional y contemplación sociocultural y su talento para fusionar diferentes texturas sónicas como el folk, rock, jazz, pop y la world music, la convierten en una de las figuras más emblemáticas e influyentes en la historia de la autoría femenina.
En 1974, Joni Mitchell decidió dar una vuelta de tuerca más a su música preciosista y grabó el que posiblemente es su disco más célebre: Court and Spark. Un álbum compuesto por 11 excelentes temas que se mueven entre el pop, el rock, el folk y el jazz y que muestran una cara menos introspectiva de Mitchell pero mucho más brillante.
"Court and Spark" (1974), uno de sus mejores trabajos y el de mayor éxito comercial de su trayectoria artística. En el disco, que incluía temas como "Free man in Paris", "Raised on robbery" o "Help me", colaboraron gente como Graham Nash, David Crosby o José Feliciano.
1.Court and Spark
2.Help Me
3.Free Man in Paris
4.People's Parties
5.Same Situation
6.Car on a Hill
7.Down to You
8.Just Like This Train
9.Raised on Robbery
10.Trouble Child
11.Twisted
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310. Queen – Queen II (1974)
Después de su gran disco de debut "Queen", este cuarteto británico volvió a superarse componiendo una de las obras cumbres de su carrera, el genial "Queen II". Para muchos fans es su mejor disco, y aunque parezca una exageración, verdaderamente es buenísimo.
Su anterior álbum pasó injustamente desapercibido, y éste tampoco tendría ninguna repercusión importante en comparación con lo que vendría luego, a partir del tremendo "Sheer heart attack".
Estos dos discos aún hoy en día son los más olvidados de la discografía de este grupo.
Si comenzamos a analizar el Lp, vemos que hay dos partes fácilmente distinguibles: la cara A del disco está compuesta toda por el guitarrista Brian May (excepto la última canción que es del batería Roger Taylor) y la cara B es toda del excepcional Freddie Mercury.
La primera canción es "Procession" una breve introducción que el grupo utilizaba al inicio de sus conciertos por aquella época.
Las dos siguientes canciones son las dos mejores de esta cara sin duda: "Father to son" (una impresionante composición en la que los cuatro tocan en plena forma, eso sí, con la guitarra de Brian por encima de todo) y la balada "White Queen", también memorable.
"Some day one day" es una composición más acustica en la que canta el propio Brian, y la última de esta cara es "The loser in the end" compuesta y cantada por el propio Roger Taylor.
La 2ª cara es la más enigmática del disco, lo cual no debe sorprendernos si sabemos que todas las canciones son del polifacético Freddie Mercury. La primera canción es la más cañera y rápida de esta cara: "Ogre battle". La siguiente "The fairy feller's master-stroke" es una curiosa canción que cuenta con un brillante toque de órgano a manos de Freddie.
"Nevermore" es una preciosa y corta balada cantada por Freddie sin más acompañamiento que el piano, en la que se puede comprobar mejor que nunca la enorme capacidad que tenía Mercury para cantar baladas acompañado de su dulce y aguda voz. Sin embargo la mejor canción de esta cara y posiblemente del disco es esa impresionante y barroca composición llamada "The march of the black queen" que tan injustamente se ha dejado de lado. Es una canción con constantes cambios de ritmo que no parece seguir ningún esquema fijo, pero cuyo resultado no podía ser inmejorable: todos los instrumentos suenan mejor que nunca, Freddie canta de una forma increíble y los coros no podían ser mejores.
Sin embargo tanta complejidad tiene su parte mala, y es que al ser tan compleja era muy difícil poder tocarla en directo y pronto fue apartada de los conciertos (lo cual contribuyó a su olvido), como mucho tocando sólo la parte más rockera del final de la canción (un tiempo despúes el grupo tendría un problema parecido con la parte operística de "Bohemian rhapsody", que acabaron solucionando).
"Funny how love is" sale beneficiada por la voz de Freddie, pero tiene el problema de estar situado entre dos grandes canciones.
La que viene después es el tema más famoso del disco que salió en single, y que es el único que se recuerda de este trabajo, la genial "Seven seas of Rhye" (que ya estaba en su anterior disco pero mucho más corta y sin letra), verdaderamente un final inigualable, también de lo mejor del álbum.
Resumiendo, un gran disco. Pese a que no es tan famoso como otros, es realmente una de las grandes obras de este grupo.
1.Procession
2.Father to Son
3.White Queen (As It Began)
4.Some Day One Day
5.Loser in the End, The
6.Ogre Battle
7.Fairy Feller's Master-Stroke
8.Nevermore
9.March of the Black Queen, The
10.Funny How Love Is
11.Seven Seas of Rhye
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311. Roxy Music – Country Life (1974)
El álbum de las dos vampiresas en paños menores. Estas dos atrevidas mujeres eran Constanze Karoli y Eveline Grunwald, dos fans alemanas del grupo Roxy Music. Las mismas que ayudaron al cantante Bryan Ferry a traducir la letra de una de las piezas centrales de este disco “Bitter-sweet” del inglés al alemán.
La idea de la foto era parodiar a la revista “Vida campestre” y de manera absurda, esta portada fue censurada en muchos almacenes siendo cubierta por una bolsa de plástico verde.
Aun más que por su portada, este álbum es célebre por su música, díficil de clasificar y de analizar. Demasiado Glam para ser Progresivo, demasiado Progresivo para ser Glam.
De los tres discos en estudio editados con Eddie Jobson como violinista-tecladista, este es el más reconocido. Las piezas tienen una producción extraña, áspera y densa que, sin embargo… da en el clavo. Incluso las piezas más directas y rockeras suenan oscilantes y plenas de extravagancias sónicas.
Sin duda este grupo supo envolverse en su muy particular misterio y no hubo otra banda que pudiera reproducir este sonido. La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas, especialmente de punk, new wave, New Romantic y synth pop.
1.Thrill of It All, The
2.Three and Nine
3.All I Want Is You
4.Out of the Blue
5.If It Takes All Night
6.Bitter Sweet - (German)
7.Triptych
8.Casanova
9.Really Good Time, A
10.Prairie Rose
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312. Tangerine Dream – Phaedra (1974)
En 1974, la banda alemana Tangerine Dream, formada en aquel momento por el miembro fundador Edgar Froese, acompañado de Chistopher Franke y Peter Baumann, publica su quinto álbum de estudio, convertido desde su lanzamiento en uno de los trabajos más influyentes de la música electrónica de todos los tiempos. Primer disco que utilizó secuenciadores para su composición e interpretación, constituye una de las piedras de toque de la conocida como música atmosférica o espacial, ejemplificando como pocos algunas de las corrientes más conocidas del Krautrock.
El disco, completamente instrumental, se abre con el extenso tema que titula el trabajo, Phaedra, una suerte de suite basada en una importante experimentación con sintetizadores VCS 3 mezclada con la utilización de un secuenciador analógico Moog que sustituye de modo sorpresivo la habitual línea de bajo, con la que construyen una trama ciertamente hipnótica en su aparente sencillez melódica. Continúan con el tema que se editaría como sencillo, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, elaborado a partir del característico sonido de un melotrón (un instrumento típico de la época que emula un teclado que permite interpretar una selección de cintas pregrabadas de instrumentos y ritmos) acompañado de efectos de filtrado. Vuelven a exprimir el secuenciador, demostrando sus grandes posibilidades, en Movements of a Visionary, ideando varias melodías recursivas que se entremezclan de forma brillante, para cerrar la obra con un tema corto interpretado a la flauta y adornado con efectos de cinta comunes en la época, Sequent C'.
Sorpresivamente, "Phaedra" tuvo éxito comercial cuando fue lanzado al mercado: llegó a los primeros 10 lugares en las listas británicas, a pesar de que no fue promovido en las radios. Además, "Phaedra" es uno de los álbumes más importantes de la llamada "Escuela de Berlín" (derivado del Kraut Rock), y es el primero con la discográfica Virgin (por lo que comenzó la etapa de Tangerine Dream denominada "The Virgin Years", o "los años Virgin".
1.Phaedra
2.Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares
3.Movements of a Visionary
4.Sequent C'
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313. Sparks – Kimono My House (1974)
Estadounidenses, viajaron a Inglaterra debido al poco éxito que tuvieron en sus inicios para probar mejor suerte. Lo que empezó siendo como una banda, acabó reduciéndose a los hermanos Mael: Ron (bigotes hitlerianos y teclados) y Russell (pelilargo y voz) cantante al clásico estilo del glam rock.
Desde un principio ya era obvio que estos músicos se adelantaron a su epoca; una Glam antes que The New York Dolls, una Art antes que Roxy Music, una Proto-punk antes que Television, una New Wave antes que Talking Heads y una tan única como Sparks. La música de este disco se mueve principalmente dentro del pop rock, aunque no es para nada pop ordinario. Las melodías son extrañas y retorcidas, pero al mismo tiempo muy pegadizas. La voz de Russell es buenísima, aunque no apta para todo el mundo, pues no deja de utilizar un peculiar falsete bastante exagerado.
Morrissey, declaró que al escuchar "Kimono My House" terminó de decidir que la música iba a ser su motivo de existencia. Otros artistas que han nombrado a Sparks como una importante influencia han sido: Siouxsie Sioux (The Banshees), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Mike Patton (Faith No More), Mr. Bungle, Tomahawk, Depeche Mode, Björk y la lista sigue y sigue. Los influenciados resultaron tener muchísima más difusión que su influencia. Un disco divertido, extravagante, excesivo y no apto para diabéticos, pero excelente se mire por donde se mire.
1.This Town Ain't Big Enough For Both of Us
2.Amateur Hour
3.Falling in Love With Myself Again
4.Here in Heaven
5.Thank God It's Not Christmas
6.Hasta Manana Monsieur
7.Talent Is an Asset
8.Complaints
9.In My Family
10.Equator
11.Barbecutie (Bonus Track)
12.Lost & Found (Bonus Track)
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314. Supertramp – Crime of the Century (1974)
Crime of the Century es el tercer álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado en 1974. El álbum supuso el primer trabajo que incluía la formación clásica del grupo y la producción de Ken Scott, quien previamente había colaborado con David Bowie y The Beatles. Cada vez que se escucha esa armónica al principio, comienzan los recuerdos a aflorar. Es la introducción al mejor disco de los 70 de una banda pop británica.
El álbum fue grabado en distintos estudios, incluyendo Ramport Studios, propiedad de The Who, Trident Studios y Scorpio Sound; entre febrero y junio de 1974. Gran parte de las canciones habían sido incluidas previamente en conciertos del grupo, como "School", "Bloody Well Right", "Rudy" y la canción que da título al álbum. “Crime of the century” (1974), un LP de los más conseguidos de su carrera que contenía una retahíla importante de clásicos para la banda británica, como así son “School”, “Hide in your shell”, “Crime of the century”, “Bloody well right” o la estupenda “Dreamer”.
La excelente voz de Hodgson, mucho más singular y atractiva que la de Davies, engrandecía algunas excelentes melodías de este importante álbum co-producido entre la banda y Ken Scott, el productor de David Bowie que supo encauzar al grupo hacia el enfoque en canciones más que en estructuras onanistas.
Crime of the Century supuso el primer álbum de Supertramp en entrar entre los cuarenta primeros puestos de las listas estadounidensas. Tras la publicación de Even in the Quietest Moments en 1977, Crime of the Century fue certificado como disco de oro por la RIAA.
1.School
2.Bloody Well Right
3.Hide in Your Shell
4.Asylum
5.Dreamer
6.Rudy
7.If Everyone Was Listening
8.Crime of the Century
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315. Richard & Linda Thompson – I Want to See the Bright Lights Tonight (1974)
El primer disco del dúo formado por Richard Thompson y Linda Peters -él, otrora guitarrista del genial conjunto inglés Fairport Convention; ella, cantante sesionista y su esposa por aquellos años- está construido sobre canciones hermosas y voces cautivantes. Adornado con mandolinas, acordeones, dulcémeles y algunos pocos y precisos vientos -más ciertos instrumentos más típicos del folk-rock-, I Want to See the Bright Lights Tonight es romántico, dulce, alegre y nostálgico. Las canciones suenan por momentos urbanas, por momentos campestres y de a ratos tienen dejos de canciones tradicionales del folk inglés. Los arreglos e interpretaciones son siempre buenos y se ajustan con perfección a las canciones y a las voces enamoradas de Richard y Linda. Por supuesto, el trabajo guitarrístico de Thompson es fabuloso: siempre complejo y sensible, conjugando guitarras eléctricas y acústicas para crear las texturas ideales. Pocos álbumes son tan esperanzadores y dolorosos como I Want to See the Bright Lights Tonight: radiante, triste, es como un fin de semana en pareja lejos de casa, plagado de sensaciones encontradas: temores y dudas, momentos de soledad interior, pero también felicidad y risa, paseos hermosos y romance genuino. Emociones atemporales e instantes fotografiados. Calificado por la “Historia Ilustrada del Rock´n´roll” de Rolling Stone como una “obra maestra del folk rock”
1.When I Get to the Border
2.The Calvary Cross
3.Withered and Died
4.I Want to See the Bright Lights Tonight
5.Down Where the Drunkards Roll
6.We Sing Hallelujah
7.Has He Got a Friend For Me
8.The Little Beggar Girl
9.The End of the Rainbow
10.The Great Valerio
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316. Scott-Heron, Gil & Brian Jackson – Winter in America (1974)
Gil Scott Heron nace en Chicago en 1949. Considerado uno de los padres de la música afroamericana de los años setenta, fue influencia directa en el surgimiento del rap y el hip hop. Su mensaje claro y directo, pero también lleno de belleza y fuerza, clamaba por la igualdad racial en el país del norte e instaba a los afroamericanos a luchar por sus derechos y a cuidarse unos a otros.
Sus poesías serían utilizadas para su debut discográfico, el LP de 1970 Small Talk at 125th and Lenox. Es también en esta época en que comienza su relación con el músico Brian Jackson, parte fundamental de sus discos y verdadero líder de la banda de acompañamiento de Scott Heron. Su gran triunfo llegaría con “Winter in America”. En este álbum toda la provocación de su poesía sale a flote sin tapujos y su lengua incendiaria denuncia las injusticias sociales y el racismo, temas candentes por ese entonces en los Estados Unidos. Además, con este disco el músico y poeta ratificó su posición como líder de opinión de la comunidad de color estadounidense.
1.Peace Go With You Brother
2.Rivers Of My Fathers
3.A Very Precious Time
4.Back Home
5.The Bottle
6.Song For Bobby Smith
7.Your Daddy Loves You
8.Watergate Blues
9.Peace Go With You Brother
10.Winter In America
11.Song For Bobby Smith
12.Your Daddy Loves You
13.The BottleGuan Guanco
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317. Queen – Sheer Heart Attack (1974)
Después de los prometedores "Queen" y "Queen II", Queen logran superarse con una de las cumbres de su carrera. Este disco no sólo los encumbra en lo más alto, sino que consigue demostrar al mundo que ellos no son un grupo cualquiera.
El primer tema, "Brighton rock", es todo un prodigio de canción, en la que Brian May, nos muestra lo que es capaz de hacer con la guitarra, en realidad sería una canción para su único lucimiento si no fuera por las excelentes interpretaciones del resto del grupo que le acompañan a la perfección. "Killer Queen" es ya un clásico de la banda, y uno de sus primeros grandes éxitos, una genial composición de Mercury con un estilo realmente único y peculiar, una de las mejores composiciones del disco. "Tenement funster" está cantada por Roger Taylor, el batería, que pese a que no es un mal vocalista, no puede compararse al excepcional Mercury. "Now I'm here" es una de las mejores canciones del disco, en la que Brian vuelve a demostrarnos también su enorme e infinita capacidad como guitarrista. Después de la misteriosa "In the lap of the gods", viene "Stone cold crazy", una auténtica descarga de adrenalina en la que los cuatro vuelven a demostrarnos su enorme potencial por si no nos había quedado claro. Y después de esa potente canción, la relajante y breve "Dear friends". "Misfire" destaca por ser la primera composición del bajista, John Deacon, para el grupo (que más adelante aumentaría sus aportaciones creando verdaderos clásicos del grupo). "She makes me" es una genial balada acústica cantada genialmente por el propio Brian."In the lap of the gods...revisited" supone el final perfecto, una gran composición de Mercury que se interpretaría muy frecuentemente en algunas de sus giras. Sheer Heart Attack llegó al número dos de la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y al número 12 en Estados Unidos y fue el primer álbum con el que Queen logró éxito considerable a nivel internacional.
1.Brighton Rock
2.Killer Queen
3.Tenement Funster
4.Flick of the Wrist
5.Lilly of the Valley
6.Now I'm Here
7.In the Lap of the Gods
8.Stone Cold Crazy
9.Dear Friends
10.Misfire
11.Bring Back Leroy Brown
12.She Makes Me
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318. 10cc – Sheet Music (1974)
Graham Gouldman ya era un experimentado músico y compositor de Manchester cuando se vio inmerso en su proyecto definitivo, 10 CC. La banda, además de Gouldman, como cantante y guitarrista, también incluía en sus filas al también vocalista y guitarra Eric Stewart, ex componente de los Mindbenders, al bajista, guitarra y cantante Lol Creme, antiguo integrante del grupo The Sabres, y al cantante y batería Kevin Godley , antiguo miembro, al igual que Graham, de los Mockingbirds.
El nombre de 10 C.C., viene derivado de la cantidad media de esperma que el hombre suele expulsar en cada eyaculación. Bueno, realmente eran 9 c. c. pero el grupo, en plan jocoso y machote, le añadieron un centímetro cúbico más.
Este sentido del humor de la banda, que en un principio se hacían llamar The Hotlegs, fue un rasgo distintivo de su soft-rock y pop progresivo, ya que en muchos de sus textos empleaban elementos satíricos y paródicos en base al comentario social de su contexto.
“Sheet Music” (1974) fue su segundo álbum. Al igual que el primero volvió a recibir alabanzas entre la prensa británica y excelente recibimiento comercial gracias a singles como “The Worst Band In The World”, “Wall Street Shuffle” (número 10) y “Silly Love” (número 24).
1.Wall Street Shuffle
2.Worst Band in the World
3.Hotel
4.Old Wild Men
5.Clockwork Creep
6.Silly Love
7.Somewhere in Hollywood
8.Baron Samedi
9.Sacro-Illac
10.Oh Effendi
11.18 Carat Man of Means
12.Gismo My Way
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319. Neil Young – On the Beach (1974)
Uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles de la música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustrada por su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicante ecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk, country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a una lastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan dispares como Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr.
Cuando se editó “On the Beach” no tuvo una buena acogida ni entre el público ni entre la crítica. Neil Young seguía sumido en ese periodo oscuro, atormentado por la muerte de amigos suyos (Danny Whitten, miembro de la Crazy Horse, había muerto a finales de 1972 a causa de la droga), por una difícil relación amorosa con la actriz Carri Snodgrass (a la que dedica la canción “Motion Picture”) y posiblemente por la complicada aceptación de ser alguien famoso. La portada, bastante explicita con un Young de espaldas, es fiel reflejo de los sentimientos que inundan al canadiense esos años. Hoy, más de treinta años después de la publicación del disco, nadie duda de que “On The Beach” es uno de los pilares básicos de su discografía. Con tres productores distintos y una buena ristra de colaboraciones estelares, entre los que se encuentran Rick Danko y Levon Helm de The Band o el mismo Graham Nash de sus ¿amigos? de Crosby, Stills, Nash & Young, “On The Beach” es un disco inmenso, donde el artista abre su alma para dejar escapar todos los demonios y que muestran al verdadero Young de aquella época.
On the Beach fue situado en el puesto 22 de la lista de los mejores álbumes de los años 70 por Rate Your Music, así como en el puesto 77 de la lista de los mejores álbumes de todos los tiempos. Por su parte, Pitchfork Media emplazó On the Beach en el puesto 65 de la lista de los 100 mejores álbumes de los 70. En 2007, On the Beach fue nombrado el 40º mejor álbum canadiense de todos los tiempos en el libro de Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums.
1.Walk On
2.See the Sky About to Rain
3.Revolution Blues
4.For the Turnstiles
5.Vampire Blues
6.On the Beach
7.Motion Pictures (For Carrie)
8.Ambulance Blues
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320. George Jones – Grand Tour (1974)
A George Jones se le conoce como el Rolls Royce de la música country. Es un artista que ha creado escuela y que tiene legiones de seguidores, incluso Mick Jagger ha confesado ser uno de ellos. Natural de texas, empezó su carrera en los años 50 fuertemente influenciado por el estilo Honky tonk del maestro Hank Williams e incluso por el rockabilly. No fue hasta los comienzos de los 60 que encontró su propio estilo y llegaron los éxitos, como «One woman man», «she think I still care» o «the race is on».Contrajo matrimonio con la también cantante country Tammy Wynnete, juntos protagonizaron una de las relaciones más tormentosas del mundo country. Se puede decir sin equivocarse que a George Jones no le queda ningún reconocimiento más que recibir dentro de esta música.
En este álbum el oyente acomodado en un asiento de primera fila realiza un viaje a través de la angustia, lamento y nostalgia, sin mejor guía que el calificado George Jones. Incluso para el rey indiscutible de la música country, este álbum fue un verdadero hito. El fenomenal Jones, en este “Grand Tour”, estaba en el apogeo de su carrera, envuelto alrededor de un grupo de canciones tan finas como las que jamás haya registrado.
1.The Grand Tour
2.Darlin'
3.Pass Me by (If You're Only Passing Through)
4.She'll Love the One She's With
5.Once You've Had the Best
6.Weatherman, The
7.Borrowed Angel
8.She Told Me So
9.Mary Don't Go 'Round
10.Who Will I Be Loving Now
11.Our Private Life
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321. Gene Clark – No Other (1974)
Un extraordinario disco del ex Byrds Gene Clark, menos comercial que "Gene Clark with The Gosdin Brothers" pero otra gran obra maestra de este genial compositor. Su alta sensibilidad melódica y su sentida ejecución vocal sobre unos reflexivos textos hacen de este álbum otro recomendable trayecto por las excelencias autorales de este subestimado e importante personaje.
En su recorrido encontramos dosis de folk, rock, pop y alguna incursión de country-rock de elevado nivel, comenzado con la soberbia "Life's greatest fool", beneficiaria de unas memorables armonías realizadas por Carlena Williams, Cindy Bullens, Ronnie Barron, Clydie King, Venetta Field, Shirley Matthews y Timothy B. Schmit, presencias constantes (y agradecidas) a lo largo de todo el álbum.
En este disco (a veces denominado el "Sgt. Peppers" de Clark) Gene experimenta e intenta expandir sus sonidos más allá de sus raíces pero su naturaleza armoniosa y sencillez estructural siempre se encuentra presente. Además, la factura vocal de Clark y su apego emocional a los textos es sobrecogedora.
El disco es una maravilla y subyugantes temas como "No other", "Strenght of strings", "From a silver phial" o "Lady of the north" contienen las constantes de la escritura de Clark, clase y emotividad.
Clark fue ambicioso al concebir este disco, quizá por no querer anclarse en una corriente, el country rock, que hasta entonces había cultivado con brillantez, sino por arrimar su tradicional línea musical a otros géneros como el soul, el blues y la psicodelia. Apoyado por músicos de extenso bagaje, entre ellos baterías y guitarristas de Allman Brothers, James Taylor y Carole King, miembros de Manassas, futuros bajistas de los Eagles y un venenoso coro de voces femeninas, Gene Clark creó una magistral obra de carretera y evasión, una aspirina revitalizadora cuando la música de nuestros días tiende a producirnos dolor de cabeza.
1.Life's Greatest Fool
2.Silver Raven
3.No Other
4.Strength of Strings
5.From a Silver Phial
6.Some Misunderstanding
7.True One, The
8.Lady of the North
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322. Steely Dan – Pretzel Logic (1974)
Con "Pretzel Logic" Becker y Fagen deciden simplificar las cosas, haciendo canciones más concisas, más elaboradas líricamente, sin desatender sus complejos arreglos de siempre. El dúo solía reservarse los derechos de composición, pero contaban con un colectivo de intérpretes enormemente cotizados en el escenario estadounidense hasta el día de hoy, como el desaparecido Jeff Porcaro, baterista de Toto, el excepcional Jeff “Skunk” Baxter, Jim Gordon o Victor Feldman, entre otros.
“Rikki Don’t Lose That Number”, que alcanzaría la posición número cuatro de los listados en el momento de su lanzamiento, abre el disco con una frase sincopada de piano que va trasformándose en una pieza de soft-rock elegante. Se trata de una canción de amor escrita por Donald Fagen que dio inicio a toda clase de interpretaciones, entre ellas la de una supuesta apología a la marihuana (Send it off in a letter to yourself).
Los robustos y a la vez cálidos arreglos de vientos que adornan el álbum en canciones como “Parker’s Band”, “Monkey In Your Soul”, o el homenaje a Duke Ellington con el tradicional “East St. Louis Toodle-Oo” conmueven con su tono nostálgico y vibrante. Especialmente atractivos resultan los teclados a lo largo de todo el disco. Los pasajes de “Any Major Dude Will Tell You” son como un bálsamo reconfortante para el espíritu. Igual ocurre con los hermosos arreglos vocales que alcanzan un punto álgido en “Pretzel Logic”, canción que da título al disco, y que quedará en el recuerdo como una de las piezas más finas dentro del repertorio de la banda.
Becker y Fagen hicieron de Pretzel Logic, no un álbum de hits fáciles, sino un compendio de melodías de enorme inventiva instrumental cargadas con letras de fino cinismo. Esta obra ejemplar supo distanciarse del planteamiento castizo de la música rock con el propósito de alcanzar nuevas posibilidades estilísticas; una alternativa idónea para melómanos más exigentes, más refinados. Sus obras posteriores mantendrían esa fórmula con indiscutible éxito, aunque parece que el destino mismo quiso iluminarlos para hacer de aquellas sesiones un momento mágico cuyo enigmático resultado sigue siendo difícil de clasificar.
1.Rikki Don't Lose That Number
2.Night by Night
3.Any Major Dude Will Tell You
4.Barrytown
5.East St. Louis Toodle-Oo
6.Parker's Band
7.Through With Buzz
8.Pretzel Logic
9.With a Gun
10.Charlie Freak
11.Monkey in Your Soul
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323. Randy Newman – Good Old Boys (1974)
Vuelve Randall Stuart Newman, el compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). Considerando que su álbum “Sail Away” sea un conjunto excelentemente elaborado de cuentos, “Good Old Boys” fue la primera novela de Newman. Las analogías literarias no están fuera de lugar - Newman pone el ojo de un escritor para el desarrollo del carácter, el detalle y el escenario de Good Old Boys, un álbum conceptual sobre la vida en el Sur profundo. El primer tema, "Rednecks," es un golpe sin piedad mordaz contra el racismo en el sur, con un jovial coro que sólo hunde el cuchillo de la canción en la más profunda herida. Y " A Wedding In Cherokee County " es una balada preciosa . Pero por cada ataque contra el provincialismo, Newman ofrece un retrato de licitación de un personaje del Sur en medio de crisis personales. " Guilty ", por ejemplo, es un auto-destructivo lamento del hombre confesional, mientras que "Marie" puede ser canción de amor más desgarradoras y hermosas de Newman. Sus personajes habitan con extraordinaria precisión, y Newman logra un sentido de la comedia y la empatía que puede ser imposible que se narran estos cuentos desde su propio punto de vista. Hay pistas más ligeras, como "Rolling" y la enigmática "Naked Man", pero incluso éstas son agraciados con finos arreglos del artista y del oído para la melodía. Único, de confrontación, y en movimiento, Good Old Boys sigue siendo uno de los mejores logros de Newman. Con "Good Old Boys", llegó al puesto #36 en el Billboard y que estuvo 21 semanas en el Top 20.
1.Rednecks
2.Birmingham
3.Marie
4.Mr. President (Have Pity On The Working Man)
5.Guilty
6.Louisiana 1927
7.Every Man A King
8.Kingfish
9.Naked Man
10.A Wedding In Cherokee County
11.Back On My Feet Again
12.Rollin'
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324. Bob Marley & the Wailers – Natty Dread (1974)
Se podría decir que este es el primer disco bajo el nombre de Bob Marley & The Wailers, aunque evidentemente este no es el primer disco de Bob Marley.
Fue también, el primer disco sin Peter Tosh y Bunny Livingstone, y fue la primera vez donde se contaba con los coros femeninos llamadas I-Trees, donde estaban Rita Marley (la mujer de Bob Marley), Marcia Griffiths y Judy Mowatt.
En 1974 Marley se dedico a trabajar a tiempo completo las sesiones de lo que finalmente dieron como resultado la placa Natty Dread. Dicho álbum incluiría varias canciones intensamente “comprometidas” como Talkin' Blues, No Woman No Cry, que se ha convertido prácticamente en un himno nacional de Jamaica desde entonces, So Jah seh, Revolution, Them belly full y Rebel Music. Natty Dread" es una obra clave en la carrera de Marley y fue aclamado como una obra militante del fervor revolucionario. En resumen esta obra de Marley y los Wailers se convierte en un disco básico y de culto en el cual, Marley vuelca toda su pasión para comunicar ideas radicales cercanas a su creciente convicción de Rastafari. Un disco en el que se define lo que sería el reggae de ahí en adelante, considerado como uno de los mejores discos de la historia. Marley había levantado la mano como uno de los grandes de la música moderna.
1.Lively up Yourself
2.No Woman No Cry
3.Them Belly Full (But We Hungry)
4.Rebel Music (3 O'Clock Road Block)
5.So Jah Seh
6.Natty Dread
7.Bend Down Low
8.Talkin' Blues
9.Revolution
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325. Robert Wyatt – Rock Bottom (1974)
Este disco no se escucha, en este disco se recae. Como en un opiáceo poderoso posesionado en vena. Se trata del disco de un recién inválido, de un recién nacido en la conciencia de su ser-para-la-muerte. Pero, ¿inválido de qué? Inválido de lo que todo los mortales, inválido de la palabra, del gran logro, inválido de una expresión consumada.
Rock Bottom se dibuja con pinceladas que no lo acaban por definir, mas bien aletargan dejando un halo aguardentoso en nuestras almas. “Volver a nacer” no solo es atributo del Ave Fénix, también renacen aquellos que sobrevivieron a unos 60s jubilosos, donde la vida se celebraba en contraparte a la guerra. Hoy lo sabemos: una vez más se dejan por fuera a las Furias, esas damas vengadoras que pocas veces entiende de misericordia.
Pero no corrió mucho de la siguiente década, cuando músicos de muy distintas estirpes se percataron del craso error. En 1974, Wyatt advierte de la omisión en poco más de media hora de música venida del fondo más rocoso. El baterista versátil brilla por su ausencia en una producción protagonizada por teclados, y una voz –voz indiscutible- afinada a la luz de la nueva sentencia del trágico sino. Si bien Nuestro Señor Jesucristo no vino a él con el milagro, diciéndole: “Párate y anda”; la esposa de Wyatt, Alfie, sí lo instaría a crear el disco más extraordinario, el más trágico, aquel que quedaría estampado como la obra maestra de un renacido.
Destilar aquello que es puro, es arte de algunos pocos elegidos que testimonian el atroz influjo de los Dioses sobre sus cuerpos. Reinventarse es cuestión divina, sin duda. Más aun, mirarse en el espejo de las consecuencias, y verse reconocido ineludiblemente en él, es la comunión de unos pocos. Rock Bottom vive esplendoroso a la sombra de la limitación, con la riqueza de notas apocadas y leves, y con la intimidad de aquel cuyo nuevo destino lo ha convertido en un privilegiado. Porque entristecerse al compás de este disco, es un privilegio del que gozarán solo unos pocos aisleños.
Lleva el duelo quien elabora, quien dispone de su ínfima tragedia para el deleite de una humanidad a la espera. Y sí, la humanidad espero este disco, como quien esperaba un aliento y no lo encontraba en el aire. Melancolía, nostalgia, tristeza, algo de saudade –por qué no-, desgarramiento, y luego un tropel de luz que nos ciega para salvarnos.
Mucho es el horror en un mundo de imposibilidades, ergo, mucha es su belleza, porque toda acometida que emerja de la falta, tiene que necesariamente portar el título de lo hermoso. Inconmensurable puede ser la tristeza de cualquiera, el quid reside en que quien toca fondo, toca lo rocoso. Después de todo, se trata del disco de un vitalista íntegro.
De Wyatt, solo esperemos lo mejor. Como de un maestro artesano al que lo sobrepasaran períodos y tecnologías, Wyatt es el solista solitario que se sobrepone a su propio cansancio, al de los suyos, al del malestar de la cultura. Lo sublime se apellida Wyatt, cuando se nos ofrenda esta música de la entraña gloriosa de un desgarrado. Robert ha tocado fondo y lo demuestró con esta maravilla.
1. Sea Song
2. Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road
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Después de que Bryan Ferry quizo acaparar todas las miradas del publico y diera por terminada su relación laboral con Brian Eno (quien le hacía una sombra bastante alargada) de Roxy Music, el teclista se reveló como uno de los grandes talentos dentro del glam-rock y el art-pop de mediados de los años 70 antes de convertirse en pionero del ambient y productor de gran éxito con gente tan conocida como Ultravox!, U2, Coldplay y James.
Su debut fue el LP “Here Come the Warm Jets”, un estupendo muestrario de atrapantes melodías, textos divertidos que van del cripticismo imaginario, sin sentido, al comentario humorístico o la melancolía romántica, con exuberantes texturas sónicas de pop experimental y glam. En el mismo contó con la participación de sus ex componentes de Roxy Music (menos Ferry) y de Robert Fripp, el líder de los King Crimson, que deja algún que otro trabajo de antología a lo largo del álbum.
“Needles in the Camel’s Eye” es un intenso corte glam-velvetiano (co-escrito con Phil Manzanera) con un muro noise de hirientes y distorsionadas guitarras, ecos de su buen amigo Bowie-Ziggy, y trazas del futuro noise-pop y de disposiciones art-punk-pop estilo Television o Talking Heads. Estos últimos, por cierto, conocerían sus mejores obras bajo producción de Eno.
“The Paw Paw Negro Blowtorch” es pura teatralidad glam-sexual. El desarrollo, con sonidos electrónicos que auguran la próxima new wave, expone también el sentido experimental, pero melódico, de la influyente escritura de este gran autor inglés.
“Baby’s on Fire” contrasta un texto de corte simpático con calentura sexy con una fantástica atmósfera ominosa (con esa percusión tipo mantra) y un espectacular solo de Fripp. Sin duda alguna, uno de los mejores solos guitarreros de todos los tiempos.
“Cindy Tells Me”, también compuesta conjuntamente con Manzanera, nos lleva al pop de finales de los 50, comienzos de los 60, con incluso resonancias vocales de los Beach Boys. La canción podría cantarla Travolta en “Grease”, tiene un estribillo de auténtico maestro y una melodía fenomenal.
“Driving Me Backwards” es muy atmosférica, una pieza realmente oscura. Con un piano exagerado, que pretende resultar hipnótico, y una voz de corte invocativo en una brillante narración de enajenación mental.
“On Some Faraway Beach” es una pieza lenta, precursora del dream-pop. Combinación de un sencillo piano, batería y un coro en una larga intro. El tono es triste y la melodía tiene gran belleza, acentuada en su beldad por la melancolía de los textos de Eno, aparecidos en un hermoso último tramo.
Tal hermosura contrasta con la exposición abrasiva de “Blank Frank”, amenazante, noise-rock con ardientes guitarras, trastornados teclados y ritmo a lo Bo Diddley. El tema está escrito entre Brian Eno y Robert Fripp.
La excelente “Dead Finks Don’t Talk”, dedicada a Bryan Ferry, muestra unas estrofas de tempo lento y percusión militar, que parecen mezclar a Lou Reed con Leonard Cohen, antes de variar a un cálido estribillo de espléndida melodía en un desarrollo experimental con pinceladas de Zappa y sorprendentes disposiciones vocales (con partes a lo "I'm the Walrus" beatleiano) e instrumentales.
”Some of Them Are Old” es una auténtica delicia que podría aparecer en la cara b del “Abbey Road” de los Beatles, y el cierre, “Here Come the Warm Jets”, es un fenomenal instrumental que adelanta con mucha antelación el sonido alternativo de tipos con mayores pretensiones y menor capacidad que este autodenominado “no-músico”. Un disco magistral.
1.Needles in the Camel's Eye
2.Paw Paw Negro Blowtorch, The
3.Baby's On Fire
4.Cindy Tells Me
5.Driving Me Backwards
6.On Some Faraway Beach
7.Blank Frank
8.Dead Finks Don't Talk
9.Some Of Them Are Old
10.Here Come The Warm Jets
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302. Bad Company – Bad Company (1974)
Influenciados por Cream, fichados por Led Zeppelin para grabar en su sello Swan Song, y provenientes de prestigiosas bandas como Free, Mott The Hoople y King Crimson, Bad Company mostraron en su disco debut, su mejor trabajo, un muestrario vibrante de blues-rock de poderosa ejecución, tanto por la gran capacidad como vocalista de Paul Rodgers como por la habilidad instrumental de sus compañeros, en especial el guitarrista Mick Ralphs, quien junto a Rodgers es el principal autor de la escritura de sus temas.
Sus canciones rock con base blues son palpitantes piezas con correosos riffs, letras minimalistas, fibrosa sección rítmica y vigorosa actitud vocal que transmite con pasión historias existenciales de antihéroes, anotaciones de giras y asuntos de carácter amoroso-sexual. Todas sus claves se manifiestan a la perfección en el número 1 "Can't Get Enough".
Otros temas destacables del disco son "Rock Steady", soberbia lección de como afrontar con clase, frescura y fortaleza una canción de rock'n'roll, "Bad Company", una de las grandes joyas del álbum, "Seagull", pieza acústica de resonancias folk con un clima casi apocalíptico, o "Ready For Love", excelente y agridulce tema de Ralphs que anteriormente ya había grabado con Mott The Hoople en el magnífico "All The Young Dudes".
El álbum alcanzó el puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums (Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 en las listas, "Can't Get Enough" en el #5 en 1974 y "Movin' On" en el #19 a principios de 1975.
1.Can't Get Enough
2.Rock Steady
3.Ready For Love
4.Don't Let Me Down
5.Bad Company
6.Way I Choose
7.Movin' On
8.Seagull
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303. Genesis – Lamb Lies Down on Broadway (1974)
El disco “The Lamb Lies down on Broadway” (El cordero yace en Broadway) gozó del éxito en círculos de culto que décadas después obligó a los críticos a revalorar su contenido, tanto musical como poético.
El autor intelectual de los 23 temas fue Peter Gabriel, mientras que el resto de la banda, integrada también en ese momento por Mike Rutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hacket compuso la música sin siquiera conocer en líneas generales de qué trataba. Al reunirse el grupo para integrar música y poesía vieron que existía una sincronización adecuada y dieron lugar a ciertos temas de relleno que tenían la intencionalidad de completar el número 23 al que tanto anhelaba llegar Gabriel por su valor cabalístico. Entre ellos figuran “The Light dies down on Broadway” o “The Grand Parade of lifeless packaging” , los cuales fueron escritos por Banks y Rutherford.
El álbum es un disco doble conceptual, complementa y simplifica el entendimiento de las líricas del álbum. Es una historia compleja, con múltiples escenarios e historias, todas relacionadas a Rael, un inmigrante puertorriqueño que intenta hacerse un nombre en las calles de Nueva York. Es partícipe de un viaje extraño al rescate de su hermano John, como de película de ciencia ficción, en la cual debe sufrir una serie de experiencias que lo ayudarán a trascender la experiencia terrenal y resurgir como un nuevo ser "It". Como ni las líricas ni la historia escrita en la carátula son muy claras, las interpretaciones del disco serán múltiples. Baste decir que es exactamente esto lo que lo hace una obra superior, o, para algunos, una obra maestra del Rock Progresivo de todos los tiempos, para otros, uno de los trabajos más ambiciosos de la era del Rock Progresivo y que también marca los últimos buenos años del Rock Progresivo, ya que poco después llegaría el Punk y el Glam a destronarlo.
Curiosamente, mucho del Album contiene elementos proto-Punk o proto-Glam, la puesta en escena de Gabriel, la cual se valía de diferentes y vistosos disfraces seria después muy común con el Glam Rock. Mientras que Rael (su personaje en escena) vestía chaquetas de cuero. Back in N.Y.C., es considerada una canción proto-punk.
1.Lamb Lies Down on Broadway
2.Fly on a Windshield
3.Broadway Melody of 1974
4.Cuckoo Cocoon
5.In the Cage
6.Grand Parade of Lifeless Packaging - Brian Eno, Genesis
7.Back in N.Y.C.
8.Hairless Heart
9.Counting out Time
10.Carpet Crawlers
11.Chamber of 32 Doors
12.Lilywhite Lilith
13.Waiting Room
14.Anyway
15.Supernatural Anaesthetist
16.Lamia
17.Silent Sorrow in Empty Boats
18.Colony of Slippermen: The Arrival/A Visit to the Doktor/The Raven
19.Ravine
20.Light Dies Down on Broadway
21.Riding the Scree
22.In the Rapids
23.It
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304. Shuggie Otis – Inspiration Information (1974)
De vez en cuando aparecen discos de esos que te cambian la vida y el hábito de escuchar música. Joyas imperecederas que uno disfruta una y otra vez, y al escucharlos parece que fueran el único disco editado sobre la faz de la tierra. Hay discos que cambian estados de ánimo y modifican radicalmente el comportamiento del individuo con solo escuchar el motivo melódico del primer tema. Shuggie Otis. Un genio ignorado en su momento. Hijo del ilustre Johnny Otis, aprendió a tocar a la tierna edad de 5 años y para cuando tenía 12 ya casi se podía decir que era músico profesional. Es "Inspiration Information" donde el propio Shuggie se hacía cargo de todos los instrumentos, su obra más ambiciosa. Si bien el deseado éxito nunca llegó Shuggie adquirió una merecida fama en el mundillo, aunque también es verdad que se dice que tenía comportamientos de estrella inalcanzable. Aún así cuentan que fue uno de los nombres que se barajaron para sustituir a Mick Taylor en los Rolling Stones, oferta que rechazó para centrarse en su carrera que aún parecía prometedora. Lamentablemente no fue así y su estrella fue declinando a finales de la década de 1970 para acabar despareciendo del mapa durante años.
Este álbum es la muestra definitiva de su sublime capacidad como instrumentista y compositor de gran originalidad, con un gran sentido arquitectónico de la armonía y el sonido.
1.Inspiration Information
2.Island Letter
3.Sparkle City
4.Aht Uh Mi Hed
5.Happy House
6.Rainy Day
7.XL-30
8.Pling!
9.Not Available
10.Strawberry Letter 23
11.Sweet Thang
12.Ice Cold Daydream
13.Freedom Flight
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305. Stevie Wonder – Fulfillingness’ First Finale (1974)
Fulfillingness' First Finale es un álbum de Stevie Wonder, lanzado el 22 de Julio de 1974. Fue el cuarto de la serie de cinco álbumes que conforman su período clásico, Music of My Mind, Talking Book, Innervisions, y Songs in the Key of Life. Tras el fuerte tono contestatario reflejado en Innervisions, éste álbum proyecta un tono decididamente más sombrío. Los arreglos de los temas, aunque de gran calidad, son de menor complejidad a los que Wonder desarrolla en otros trabajos del mismo período, como resulta evidente en "They Won't Go When I Go" o "Creepin'". A pesar de su tono intimista, el músico no abandona del todo la conciencia social que había desarrollado en anteriores trabajos. En el tema "You Haven't Done Nothin'", que alcanzó el número 1 en las listas de éxitos, Wonder lanzaba una afilida crítica a la Administración Nixon, ayudado por los Jackson 5, de la que formaba parte un adolescente Michael Jackson.
Fulfillingess' First Finale obtuvo el premio Grammy de 1975 por la "Mejor Interpretación Pop Masculina" ("Boogie On Reggae Woman"
, y el de "Album del Año". El hecho de que Wonder se tomara dos años para grabar su siguiente álbum (Songs in the Key of Life) rompió su increíble cadena de premios, provocando la famosa declaración de Paul Simon agradeciendo públicamente a Wonder no haber publicado un álbum en 1975 (cuando Simon recibió el Grammy al mejor disco del años por "Still Crazy After All These Years". Curiosamente, Fulfillingess' First Finale es la única grabación del período clásico de Stevie Wonder que no ha sido incluida en la lista de los mejores 500 álbumes de la historia elaborada por Rolling Stone.
1.Smile Please
2.Heaven Is 10 Zillion Light Years Away
3.Too Shy to Say
4.Boogie on Reggae Woman
5.Creepin'
6.You Haven't Done Nothin'
7.It Ain't No Use
8.They Won't Go When I Go
9.Bird of Beauty - (Portuguese)
10.Please Don't Go
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306. Eric Clapton – 461 Ocean Boulevard (1974)
461 Ocean Boulevard fue el segundo disco que Eric Clapton hacía tras de su paso por Derek & The Dominos, y el primero ya desintoxicado de la droga. Aunque no abandonó su predilección por las atmósferas del blues, Eric Clapton se acercó el reggae, gracias a su versión de I Shot The Sheriff, de Bob Marley.
Es con este disco, con el que Clapton comienza a cogerle el pulso a su carrera. 461 Ocena Bulevard es un álbum con buenos temas como Give Me Strength y Let It Grow. Clapton se mantiene en la senda del blues con versiones de Robert Johnson, Steady Rollin' Man y de Elmore James, I Can't Hold Out, toca el rock & roll con el clásico de Johnny Otis Willie and the Hand Jive, y se divierte con la guitarra en Motherless Children.
El disco llegó al número 1 de las listas americanas. Primordial’ dentro de la vasta discografía de este guitarrista ilustre que ha dado el Blues y el Rock.
1.Motherless Children
2.Give Me Strength
3.Willie and the Hand Jive
4.Get Ready
5.I Shot the Sheriff
6.I Can't Hold Out
7.Please Be With Me
8.Let It Grow
9.Steady Rollin' Man
10.Mainline Florida
11.Better Make it Through Today
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307. Kraftwerk – Autobahn (1974)
Kraftwerk ('central energética' en alemán) es un grupo musical vanguardista alemán decisivo para el desarrollo de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, adquirieron fama tras la incorporación de Wolfgang Flür y Karl Bartos.
Las técnicas musicales y los instrumentos introducidos por ellos son hoy básicos, sin embargo, fueron realmente innovadores en su tiempo. Por las experimentaciones realizadas y por constituir la base sobre la que luego se asentó el género, son considerados como los padres de la música electrónica, ya que fueron los primeros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos. Adoptaron un estilo original, no restringido a la experimentación sónica.
El lanzamiento de Autobahn, en 1974 vio a la banda separarse del sonido de sus primeros álbumes. Invirtieron en la más nueva tecnología como el Minimoog, ayudando a darles un nuevo sonido disciplinado. Autobahn también sería el último álbum que Conny Plank produciría. Después del éxito comercial de Autobahn, el grupo invirtió dinero para renovar su estudio. Esto significo que no volverían a confiar en otros productores externos. Por aquel entonces, el pintor y diseñador gráfico Emil Schult llegó a ser un habitual colaborador con el grupo, trabajando junto al grupo. Schult diseñó el arte de portada, además de componer letras y de acompañar al grupo en concierto.
“Autobahn”, considerado por muchos expertos un punto de inflexión que constituyó uno de los primeros álbumes de electropop. Con Autobahn consiguieron su primer Disco de Oro, y el single encabezó las listas de éxitos de Estados Unidos. Gracias a este éxito, firmaron con EMI en 1974, apoyados por el sello Kling Klang. La fama les había llegado.
1.Autobahn - (German)
2.Kometenmelodie 1
3.Kometenmelodie 2
4.Mitternacht
5.Morgenspaziergang
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308. Van Morrison – It’s Too Late to Stop Now (1974)
It's Too Late to Stop Now es el primer álbum en directo (verano de 1973) del músico irlandés Van Morrison. Mencionado con frecuencia como uno de los mejores álbumes en directo de la historia del rock, It's Too Late to Stop Now fue grabado durante una de las mejores etapas de Van Morrison como intérprete.
Cualquier hipérbole aplicada a la valoración de este monumental álbum parece destinada a quedarse corta. Alguien lo definió como "uno de los intentos más impresionantes de exprimir la excitación de un músico de rock en el escenario". Van se encuentra en estado de gloria redimensionando en vivo parte de su más memorable repertorio.
Podría bastar con escuchar este doble CD para poder saborear al irlandés en la cumbre de su carrera. Este es un doble disco que funciona porque es una actuación magnífica que rezuma “feeling” en la que el irlandés estaba acompañado de la soberbia Caledonia Soul Orchestra y, además, porque en él están compilados buena parte de los mejores temas de la cúspide de su longeva trayectoria.
Ojalá uno hubiera podido estar allí.
DISC 1:
1.Ain't Nothin' You Can Do
2.Warmlove
3.Into the Mystic
4.These Dreams of You
5.I Believe to My Soul
6.I've Been Working
7.Help Me
8.Wild Children
9.Domino
10.I Just Want to Make Love to You
DISC 2:
1.Bring It on Home to Me
2.Saint Dominic's Preview
3.Take Your Hands Out
4.Listen to the Lion
5.Here Comes the Night
6.Gloria
7.Caravan
8.Cyprus Avenue - (Bonus Track)
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309. Joni Mitchell – Court & Spark (1974)
Una de las principales cantautoras de la música moderna, su apostura independiente, su capacidad lírica de introspección emocional y contemplación sociocultural y su talento para fusionar diferentes texturas sónicas como el folk, rock, jazz, pop y la world music, la convierten en una de las figuras más emblemáticas e influyentes en la historia de la autoría femenina.
En 1974, Joni Mitchell decidió dar una vuelta de tuerca más a su música preciosista y grabó el que posiblemente es su disco más célebre: Court and Spark. Un álbum compuesto por 11 excelentes temas que se mueven entre el pop, el rock, el folk y el jazz y que muestran una cara menos introspectiva de Mitchell pero mucho más brillante.
"Court and Spark" (1974), uno de sus mejores trabajos y el de mayor éxito comercial de su trayectoria artística. En el disco, que incluía temas como "Free man in Paris", "Raised on robbery" o "Help me", colaboraron gente como Graham Nash, David Crosby o José Feliciano.
1.Court and Spark
2.Help Me
3.Free Man in Paris
4.People's Parties
5.Same Situation
6.Car on a Hill
7.Down to You
8.Just Like This Train
9.Raised on Robbery
10.Trouble Child
11.Twisted
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310. Queen – Queen II (1974)
Después de su gran disco de debut "Queen", este cuarteto británico volvió a superarse componiendo una de las obras cumbres de su carrera, el genial "Queen II". Para muchos fans es su mejor disco, y aunque parezca una exageración, verdaderamente es buenísimo.
Su anterior álbum pasó injustamente desapercibido, y éste tampoco tendría ninguna repercusión importante en comparación con lo que vendría luego, a partir del tremendo "Sheer heart attack".
Estos dos discos aún hoy en día son los más olvidados de la discografía de este grupo.
Si comenzamos a analizar el Lp, vemos que hay dos partes fácilmente distinguibles: la cara A del disco está compuesta toda por el guitarrista Brian May (excepto la última canción que es del batería Roger Taylor) y la cara B es toda del excepcional Freddie Mercury.
La primera canción es "Procession" una breve introducción que el grupo utilizaba al inicio de sus conciertos por aquella época.
Las dos siguientes canciones son las dos mejores de esta cara sin duda: "Father to son" (una impresionante composición en la que los cuatro tocan en plena forma, eso sí, con la guitarra de Brian por encima de todo) y la balada "White Queen", también memorable.
"Some day one day" es una composición más acustica en la que canta el propio Brian, y la última de esta cara es "The loser in the end" compuesta y cantada por el propio Roger Taylor.
La 2ª cara es la más enigmática del disco, lo cual no debe sorprendernos si sabemos que todas las canciones son del polifacético Freddie Mercury. La primera canción es la más cañera y rápida de esta cara: "Ogre battle". La siguiente "The fairy feller's master-stroke" es una curiosa canción que cuenta con un brillante toque de órgano a manos de Freddie.
"Nevermore" es una preciosa y corta balada cantada por Freddie sin más acompañamiento que el piano, en la que se puede comprobar mejor que nunca la enorme capacidad que tenía Mercury para cantar baladas acompañado de su dulce y aguda voz. Sin embargo la mejor canción de esta cara y posiblemente del disco es esa impresionante y barroca composición llamada "The march of the black queen" que tan injustamente se ha dejado de lado. Es una canción con constantes cambios de ritmo que no parece seguir ningún esquema fijo, pero cuyo resultado no podía ser inmejorable: todos los instrumentos suenan mejor que nunca, Freddie canta de una forma increíble y los coros no podían ser mejores.
Sin embargo tanta complejidad tiene su parte mala, y es que al ser tan compleja era muy difícil poder tocarla en directo y pronto fue apartada de los conciertos (lo cual contribuyó a su olvido), como mucho tocando sólo la parte más rockera del final de la canción (un tiempo despúes el grupo tendría un problema parecido con la parte operística de "Bohemian rhapsody", que acabaron solucionando).
"Funny how love is" sale beneficiada por la voz de Freddie, pero tiene el problema de estar situado entre dos grandes canciones.
La que viene después es el tema más famoso del disco que salió en single, y que es el único que se recuerda de este trabajo, la genial "Seven seas of Rhye" (que ya estaba en su anterior disco pero mucho más corta y sin letra), verdaderamente un final inigualable, también de lo mejor del álbum.
Resumiendo, un gran disco. Pese a que no es tan famoso como otros, es realmente una de las grandes obras de este grupo.
1.Procession
2.Father to Son
3.White Queen (As It Began)
4.Some Day One Day
5.Loser in the End, The
6.Ogre Battle
7.Fairy Feller's Master-Stroke
8.Nevermore
9.March of the Black Queen, The
10.Funny How Love Is
11.Seven Seas of Rhye
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311. Roxy Music – Country Life (1974)
El álbum de las dos vampiresas en paños menores. Estas dos atrevidas mujeres eran Constanze Karoli y Eveline Grunwald, dos fans alemanas del grupo Roxy Music. Las mismas que ayudaron al cantante Bryan Ferry a traducir la letra de una de las piezas centrales de este disco “Bitter-sweet” del inglés al alemán.
La idea de la foto era parodiar a la revista “Vida campestre” y de manera absurda, esta portada fue censurada en muchos almacenes siendo cubierta por una bolsa de plástico verde.
Aun más que por su portada, este álbum es célebre por su música, díficil de clasificar y de analizar. Demasiado Glam para ser Progresivo, demasiado Progresivo para ser Glam.
De los tres discos en estudio editados con Eddie Jobson como violinista-tecladista, este es el más reconocido. Las piezas tienen una producción extraña, áspera y densa que, sin embargo… da en el clavo. Incluso las piezas más directas y rockeras suenan oscilantes y plenas de extravagancias sónicas.
Sin duda este grupo supo envolverse en su muy particular misterio y no hubo otra banda que pudiera reproducir este sonido. La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas, especialmente de punk, new wave, New Romantic y synth pop.
1.Thrill of It All, The
2.Three and Nine
3.All I Want Is You
4.Out of the Blue
5.If It Takes All Night
6.Bitter Sweet - (German)
7.Triptych
8.Casanova
9.Really Good Time, A
10.Prairie Rose
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312. Tangerine Dream – Phaedra (1974)
En 1974, la banda alemana Tangerine Dream, formada en aquel momento por el miembro fundador Edgar Froese, acompañado de Chistopher Franke y Peter Baumann, publica su quinto álbum de estudio, convertido desde su lanzamiento en uno de los trabajos más influyentes de la música electrónica de todos los tiempos. Primer disco que utilizó secuenciadores para su composición e interpretación, constituye una de las piedras de toque de la conocida como música atmosférica o espacial, ejemplificando como pocos algunas de las corrientes más conocidas del Krautrock.
El disco, completamente instrumental, se abre con el extenso tema que titula el trabajo, Phaedra, una suerte de suite basada en una importante experimentación con sintetizadores VCS 3 mezclada con la utilización de un secuenciador analógico Moog que sustituye de modo sorpresivo la habitual línea de bajo, con la que construyen una trama ciertamente hipnótica en su aparente sencillez melódica. Continúan con el tema que se editaría como sencillo, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, elaborado a partir del característico sonido de un melotrón (un instrumento típico de la época que emula un teclado que permite interpretar una selección de cintas pregrabadas de instrumentos y ritmos) acompañado de efectos de filtrado. Vuelven a exprimir el secuenciador, demostrando sus grandes posibilidades, en Movements of a Visionary, ideando varias melodías recursivas que se entremezclan de forma brillante, para cerrar la obra con un tema corto interpretado a la flauta y adornado con efectos de cinta comunes en la época, Sequent C'.
Sorpresivamente, "Phaedra" tuvo éxito comercial cuando fue lanzado al mercado: llegó a los primeros 10 lugares en las listas británicas, a pesar de que no fue promovido en las radios. Además, "Phaedra" es uno de los álbumes más importantes de la llamada "Escuela de Berlín" (derivado del Kraut Rock), y es el primero con la discográfica Virgin (por lo que comenzó la etapa de Tangerine Dream denominada "The Virgin Years", o "los años Virgin"
. 1.Phaedra
2.Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares
3.Movements of a Visionary
4.Sequent C'
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313. Sparks – Kimono My House (1974)
Estadounidenses, viajaron a Inglaterra debido al poco éxito que tuvieron en sus inicios para probar mejor suerte. Lo que empezó siendo como una banda, acabó reduciéndose a los hermanos Mael: Ron (bigotes hitlerianos y teclados) y Russell (pelilargo y voz) cantante al clásico estilo del glam rock.
Desde un principio ya era obvio que estos músicos se adelantaron a su epoca; una Glam antes que The New York Dolls, una Art antes que Roxy Music, una Proto-punk antes que Television, una New Wave antes que Talking Heads y una tan única como Sparks. La música de este disco se mueve principalmente dentro del pop rock, aunque no es para nada pop ordinario. Las melodías son extrañas y retorcidas, pero al mismo tiempo muy pegadizas. La voz de Russell es buenísima, aunque no apta para todo el mundo, pues no deja de utilizar un peculiar falsete bastante exagerado.
Morrissey, declaró que al escuchar "Kimono My House" terminó de decidir que la música iba a ser su motivo de existencia. Otros artistas que han nombrado a Sparks como una importante influencia han sido: Siouxsie Sioux (The Banshees), Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Mike Patton (Faith No More), Mr. Bungle, Tomahawk, Depeche Mode, Björk y la lista sigue y sigue. Los influenciados resultaron tener muchísima más difusión que su influencia. Un disco divertido, extravagante, excesivo y no apto para diabéticos, pero excelente se mire por donde se mire.
1.This Town Ain't Big Enough For Both of Us
2.Amateur Hour
3.Falling in Love With Myself Again
4.Here in Heaven
5.Thank God It's Not Christmas
6.Hasta Manana Monsieur
7.Talent Is an Asset
8.Complaints
9.In My Family
10.Equator
11.Barbecutie (Bonus Track)
12.Lost & Found (Bonus Track)
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314. Supertramp – Crime of the Century (1974)
Crime of the Century es el tercer álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado en 1974. El álbum supuso el primer trabajo que incluía la formación clásica del grupo y la producción de Ken Scott, quien previamente había colaborado con David Bowie y The Beatles. Cada vez que se escucha esa armónica al principio, comienzan los recuerdos a aflorar. Es la introducción al mejor disco de los 70 de una banda pop británica.
El álbum fue grabado en distintos estudios, incluyendo Ramport Studios, propiedad de The Who, Trident Studios y Scorpio Sound; entre febrero y junio de 1974. Gran parte de las canciones habían sido incluidas previamente en conciertos del grupo, como "School", "Bloody Well Right", "Rudy" y la canción que da título al álbum. “Crime of the century” (1974), un LP de los más conseguidos de su carrera que contenía una retahíla importante de clásicos para la banda británica, como así son “School”, “Hide in your shell”, “Crime of the century”, “Bloody well right” o la estupenda “Dreamer”.
La excelente voz de Hodgson, mucho más singular y atractiva que la de Davies, engrandecía algunas excelentes melodías de este importante álbum co-producido entre la banda y Ken Scott, el productor de David Bowie que supo encauzar al grupo hacia el enfoque en canciones más que en estructuras onanistas.
Crime of the Century supuso el primer álbum de Supertramp en entrar entre los cuarenta primeros puestos de las listas estadounidensas. Tras la publicación de Even in the Quietest Moments en 1977, Crime of the Century fue certificado como disco de oro por la RIAA.
1.School
2.Bloody Well Right
3.Hide in Your Shell
4.Asylum
5.Dreamer
6.Rudy
7.If Everyone Was Listening
8.Crime of the Century
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315. Richard & Linda Thompson – I Want to See the Bright Lights Tonight (1974)
El primer disco del dúo formado por Richard Thompson y Linda Peters -él, otrora guitarrista del genial conjunto inglés Fairport Convention; ella, cantante sesionista y su esposa por aquellos años- está construido sobre canciones hermosas y voces cautivantes. Adornado con mandolinas, acordeones, dulcémeles y algunos pocos y precisos vientos -más ciertos instrumentos más típicos del folk-rock-, I Want to See the Bright Lights Tonight es romántico, dulce, alegre y nostálgico. Las canciones suenan por momentos urbanas, por momentos campestres y de a ratos tienen dejos de canciones tradicionales del folk inglés. Los arreglos e interpretaciones son siempre buenos y se ajustan con perfección a las canciones y a las voces enamoradas de Richard y Linda. Por supuesto, el trabajo guitarrístico de Thompson es fabuloso: siempre complejo y sensible, conjugando guitarras eléctricas y acústicas para crear las texturas ideales. Pocos álbumes son tan esperanzadores y dolorosos como I Want to See the Bright Lights Tonight: radiante, triste, es como un fin de semana en pareja lejos de casa, plagado de sensaciones encontradas: temores y dudas, momentos de soledad interior, pero también felicidad y risa, paseos hermosos y romance genuino. Emociones atemporales e instantes fotografiados. Calificado por la “Historia Ilustrada del Rock´n´roll” de Rolling Stone como una “obra maestra del folk rock”
1.When I Get to the Border
2.The Calvary Cross
3.Withered and Died
4.I Want to See the Bright Lights Tonight
5.Down Where the Drunkards Roll
6.We Sing Hallelujah
7.Has He Got a Friend For Me
8.The Little Beggar Girl
9.The End of the Rainbow
10.The Great Valerio
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316. Scott-Heron, Gil & Brian Jackson – Winter in America (1974)
Gil Scott Heron nace en Chicago en 1949. Considerado uno de los padres de la música afroamericana de los años setenta, fue influencia directa en el surgimiento del rap y el hip hop. Su mensaje claro y directo, pero también lleno de belleza y fuerza, clamaba por la igualdad racial en el país del norte e instaba a los afroamericanos a luchar por sus derechos y a cuidarse unos a otros.
Sus poesías serían utilizadas para su debut discográfico, el LP de 1970 Small Talk at 125th and Lenox. Es también en esta época en que comienza su relación con el músico Brian Jackson, parte fundamental de sus discos y verdadero líder de la banda de acompañamiento de Scott Heron. Su gran triunfo llegaría con “Winter in America”. En este álbum toda la provocación de su poesía sale a flote sin tapujos y su lengua incendiaria denuncia las injusticias sociales y el racismo, temas candentes por ese entonces en los Estados Unidos. Además, con este disco el músico y poeta ratificó su posición como líder de opinión de la comunidad de color estadounidense.
1.Peace Go With You Brother
2.Rivers Of My Fathers
3.A Very Precious Time
4.Back Home
5.The Bottle
6.Song For Bobby Smith
7.Your Daddy Loves You
8.Watergate Blues
9.Peace Go With You Brother
10.Winter In America
11.Song For Bobby Smith
12.Your Daddy Loves You
13.The BottleGuan Guanco
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317. Queen – Sheer Heart Attack (1974)
Después de los prometedores "Queen" y "Queen II", Queen logran superarse con una de las cumbres de su carrera. Este disco no sólo los encumbra en lo más alto, sino que consigue demostrar al mundo que ellos no son un grupo cualquiera.
El primer tema, "Brighton rock", es todo un prodigio de canción, en la que Brian May, nos muestra lo que es capaz de hacer con la guitarra, en realidad sería una canción para su único lucimiento si no fuera por las excelentes interpretaciones del resto del grupo que le acompañan a la perfección. "Killer Queen" es ya un clásico de la banda, y uno de sus primeros grandes éxitos, una genial composición de Mercury con un estilo realmente único y peculiar, una de las mejores composiciones del disco. "Tenement funster" está cantada por Roger Taylor, el batería, que pese a que no es un mal vocalista, no puede compararse al excepcional Mercury. "Now I'm here" es una de las mejores canciones del disco, en la que Brian vuelve a demostrarnos también su enorme e infinita capacidad como guitarrista. Después de la misteriosa "In the lap of the gods", viene "Stone cold crazy", una auténtica descarga de adrenalina en la que los cuatro vuelven a demostrarnos su enorme potencial por si no nos había quedado claro. Y después de esa potente canción, la relajante y breve "Dear friends". "Misfire" destaca por ser la primera composición del bajista, John Deacon, para el grupo (que más adelante aumentaría sus aportaciones creando verdaderos clásicos del grupo). "She makes me" es una genial balada acústica cantada genialmente por el propio Brian."In the lap of the gods...revisited" supone el final perfecto, una gran composición de Mercury que se interpretaría muy frecuentemente en algunas de sus giras. Sheer Heart Attack llegó al número dos de la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y al número 12 en Estados Unidos y fue el primer álbum con el que Queen logró éxito considerable a nivel internacional.
1.Brighton Rock
2.Killer Queen
3.Tenement Funster
4.Flick of the Wrist
5.Lilly of the Valley
6.Now I'm Here
7.In the Lap of the Gods
8.Stone Cold Crazy
9.Dear Friends
10.Misfire
11.Bring Back Leroy Brown
12.She Makes Me
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318. 10cc – Sheet Music (1974)
Graham Gouldman ya era un experimentado músico y compositor de Manchester cuando se vio inmerso en su proyecto definitivo, 10 CC. La banda, además de Gouldman, como cantante y guitarrista, también incluía en sus filas al también vocalista y guitarra Eric Stewart, ex componente de los Mindbenders, al bajista, guitarra y cantante Lol Creme, antiguo integrante del grupo The Sabres, y al cantante y batería Kevin Godley , antiguo miembro, al igual que Graham, de los Mockingbirds.
El nombre de 10 C.C., viene derivado de la cantidad media de esperma que el hombre suele expulsar en cada eyaculación. Bueno, realmente eran 9 c. c. pero el grupo, en plan jocoso y machote, le añadieron un centímetro cúbico más.
Este sentido del humor de la banda, que en un principio se hacían llamar The Hotlegs, fue un rasgo distintivo de su soft-rock y pop progresivo, ya que en muchos de sus textos empleaban elementos satíricos y paródicos en base al comentario social de su contexto.
“Sheet Music” (1974) fue su segundo álbum. Al igual que el primero volvió a recibir alabanzas entre la prensa británica y excelente recibimiento comercial gracias a singles como “The Worst Band In The World”, “Wall Street Shuffle” (número 10) y “Silly Love” (número 24).
1.Wall Street Shuffle
2.Worst Band in the World
3.Hotel
4.Old Wild Men
5.Clockwork Creep
6.Silly Love
7.Somewhere in Hollywood
8.Baron Samedi
9.Sacro-Illac
10.Oh Effendi
11.18 Carat Man of Means
12.Gismo My Way
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319. Neil Young – On the Beach (1974)
Uno de los músicos más importantes, prolíficos e imprevisibles de la música de las últimas cuatro décadas, extraordinario tanto en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica ilustrada por su hiriente y distorsionada sonoridad guitarrera; practicante ecléctico, por sus notas han transitado aspectos rock, pop, folk, country, soul, blues e incluso electrónicos. Su musicalidad junto a una lastimera y nasal factura vocal ha influenciado a nombres tan dispares como Pearl Jam, Teenage Fanclub, R.E.M., Jayhawks o Dinosaur Jr.
Cuando se editó “On the Beach” no tuvo una buena acogida ni entre el público ni entre la crítica. Neil Young seguía sumido en ese periodo oscuro, atormentado por la muerte de amigos suyos (Danny Whitten, miembro de la Crazy Horse, había muerto a finales de 1972 a causa de la droga), por una difícil relación amorosa con la actriz Carri Snodgrass (a la que dedica la canción “Motion Picture”) y posiblemente por la complicada aceptación de ser alguien famoso. La portada, bastante explicita con un Young de espaldas, es fiel reflejo de los sentimientos que inundan al canadiense esos años. Hoy, más de treinta años después de la publicación del disco, nadie duda de que “On The Beach” es uno de los pilares básicos de su discografía. Con tres productores distintos y una buena ristra de colaboraciones estelares, entre los que se encuentran Rick Danko y Levon Helm de The Band o el mismo Graham Nash de sus ¿amigos? de Crosby, Stills, Nash & Young, “On The Beach” es un disco inmenso, donde el artista abre su alma para dejar escapar todos los demonios y que muestran al verdadero Young de aquella época.
On the Beach fue situado en el puesto 22 de la lista de los mejores álbumes de los años 70 por Rate Your Music, así como en el puesto 77 de la lista de los mejores álbumes de todos los tiempos. Por su parte, Pitchfork Media emplazó On the Beach en el puesto 65 de la lista de los 100 mejores álbumes de los 70. En 2007, On the Beach fue nombrado el 40º mejor álbum canadiense de todos los tiempos en el libro de Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums.
1.Walk On
2.See the Sky About to Rain
3.Revolution Blues
4.For the Turnstiles
5.Vampire Blues
6.On the Beach
7.Motion Pictures (For Carrie)
8.Ambulance Blues
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320. George Jones – Grand Tour (1974)
A George Jones se le conoce como el Rolls Royce de la música country. Es un artista que ha creado escuela y que tiene legiones de seguidores, incluso Mick Jagger ha confesado ser uno de ellos. Natural de texas, empezó su carrera en los años 50 fuertemente influenciado por el estilo Honky tonk del maestro Hank Williams e incluso por el rockabilly. No fue hasta los comienzos de los 60 que encontró su propio estilo y llegaron los éxitos, como «One woman man», «she think I still care» o «the race is on».Contrajo matrimonio con la también cantante country Tammy Wynnete, juntos protagonizaron una de las relaciones más tormentosas del mundo country. Se puede decir sin equivocarse que a George Jones no le queda ningún reconocimiento más que recibir dentro de esta música.
En este álbum el oyente acomodado en un asiento de primera fila realiza un viaje a través de la angustia, lamento y nostalgia, sin mejor guía que el calificado George Jones. Incluso para el rey indiscutible de la música country, este álbum fue un verdadero hito. El fenomenal Jones, en este “Grand Tour”, estaba en el apogeo de su carrera, envuelto alrededor de un grupo de canciones tan finas como las que jamás haya registrado.
1.The Grand Tour
2.Darlin'
3.Pass Me by (If You're Only Passing Through)
4.She'll Love the One She's With
5.Once You've Had the Best
6.Weatherman, The
7.Borrowed Angel
8.She Told Me So
9.Mary Don't Go 'Round
10.Who Will I Be Loving Now
11.Our Private Life
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321. Gene Clark – No Other (1974)
Un extraordinario disco del ex Byrds Gene Clark, menos comercial que "Gene Clark with The Gosdin Brothers" pero otra gran obra maestra de este genial compositor. Su alta sensibilidad melódica y su sentida ejecución vocal sobre unos reflexivos textos hacen de este álbum otro recomendable trayecto por las excelencias autorales de este subestimado e importante personaje.
En su recorrido encontramos dosis de folk, rock, pop y alguna incursión de country-rock de elevado nivel, comenzado con la soberbia "Life's greatest fool", beneficiaria de unas memorables armonías realizadas por Carlena Williams, Cindy Bullens, Ronnie Barron, Clydie King, Venetta Field, Shirley Matthews y Timothy B. Schmit, presencias constantes (y agradecidas) a lo largo de todo el álbum.
En este disco (a veces denominado el "Sgt. Peppers" de Clark) Gene experimenta e intenta expandir sus sonidos más allá de sus raíces pero su naturaleza armoniosa y sencillez estructural siempre se encuentra presente. Además, la factura vocal de Clark y su apego emocional a los textos es sobrecogedora.
El disco es una maravilla y subyugantes temas como "No other", "Strenght of strings", "From a silver phial" o "Lady of the north" contienen las constantes de la escritura de Clark, clase y emotividad.
Clark fue ambicioso al concebir este disco, quizá por no querer anclarse en una corriente, el country rock, que hasta entonces había cultivado con brillantez, sino por arrimar su tradicional línea musical a otros géneros como el soul, el blues y la psicodelia. Apoyado por músicos de extenso bagaje, entre ellos baterías y guitarristas de Allman Brothers, James Taylor y Carole King, miembros de Manassas, futuros bajistas de los Eagles y un venenoso coro de voces femeninas, Gene Clark creó una magistral obra de carretera y evasión, una aspirina revitalizadora cuando la música de nuestros días tiende a producirnos dolor de cabeza.
1.Life's Greatest Fool
2.Silver Raven
3.No Other
4.Strength of Strings
5.From a Silver Phial
6.Some Misunderstanding
7.True One, The
8.Lady of the North
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322. Steely Dan – Pretzel Logic (1974)
Con "Pretzel Logic" Becker y Fagen deciden simplificar las cosas, haciendo canciones más concisas, más elaboradas líricamente, sin desatender sus complejos arreglos de siempre. El dúo solía reservarse los derechos de composición, pero contaban con un colectivo de intérpretes enormemente cotizados en el escenario estadounidense hasta el día de hoy, como el desaparecido Jeff Porcaro, baterista de Toto, el excepcional Jeff “Skunk” Baxter, Jim Gordon o Victor Feldman, entre otros.
“Rikki Don’t Lose That Number”, que alcanzaría la posición número cuatro de los listados en el momento de su lanzamiento, abre el disco con una frase sincopada de piano que va trasformándose en una pieza de soft-rock elegante. Se trata de una canción de amor escrita por Donald Fagen que dio inicio a toda clase de interpretaciones, entre ellas la de una supuesta apología a la marihuana (Send it off in a letter to yourself).
Los robustos y a la vez cálidos arreglos de vientos que adornan el álbum en canciones como “Parker’s Band”, “Monkey In Your Soul”, o el homenaje a Duke Ellington con el tradicional “East St. Louis Toodle-Oo” conmueven con su tono nostálgico y vibrante. Especialmente atractivos resultan los teclados a lo largo de todo el disco. Los pasajes de “Any Major Dude Will Tell You” son como un bálsamo reconfortante para el espíritu. Igual ocurre con los hermosos arreglos vocales que alcanzan un punto álgido en “Pretzel Logic”, canción que da título al disco, y que quedará en el recuerdo como una de las piezas más finas dentro del repertorio de la banda.
Becker y Fagen hicieron de Pretzel Logic, no un álbum de hits fáciles, sino un compendio de melodías de enorme inventiva instrumental cargadas con letras de fino cinismo. Esta obra ejemplar supo distanciarse del planteamiento castizo de la música rock con el propósito de alcanzar nuevas posibilidades estilísticas; una alternativa idónea para melómanos más exigentes, más refinados. Sus obras posteriores mantendrían esa fórmula con indiscutible éxito, aunque parece que el destino mismo quiso iluminarlos para hacer de aquellas sesiones un momento mágico cuyo enigmático resultado sigue siendo difícil de clasificar.
1.Rikki Don't Lose That Number
2.Night by Night
3.Any Major Dude Will Tell You
4.Barrytown
5.East St. Louis Toodle-Oo
6.Parker's Band
7.Through With Buzz
8.Pretzel Logic
9.With a Gun
10.Charlie Freak
11.Monkey in Your Soul
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323. Randy Newman – Good Old Boys (1974)
Vuelve Randall Stuart Newman, el compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Conocido por sus mordaces canciones y por varias de las bandas sonoras que ha escrito (Cars, Monster Inc., Toy Story 2, Bichos, James y el durazno gigante, Toy Story). Considerando que su álbum “Sail Away” sea un conjunto excelentemente elaborado de cuentos, “Good Old Boys” fue la primera novela de Newman. Las analogías literarias no están fuera de lugar - Newman pone el ojo de un escritor para el desarrollo del carácter, el detalle y el escenario de Good Old Boys, un álbum conceptual sobre la vida en el Sur profundo. El primer tema, "Rednecks," es un golpe sin piedad mordaz contra el racismo en el sur, con un jovial coro que sólo hunde el cuchillo de la canción en la más profunda herida. Y " A Wedding In Cherokee County " es una balada preciosa . Pero por cada ataque contra el provincialismo, Newman ofrece un retrato de licitación de un personaje del Sur en medio de crisis personales. " Guilty ", por ejemplo, es un auto-destructivo lamento del hombre confesional, mientras que "Marie" puede ser canción de amor más desgarradoras y hermosas de Newman. Sus personajes habitan con extraordinaria precisión, y Newman logra un sentido de la comedia y la empatía que puede ser imposible que se narran estos cuentos desde su propio punto de vista. Hay pistas más ligeras, como "Rolling" y la enigmática "Naked Man", pero incluso éstas son agraciados con finos arreglos del artista y del oído para la melodía. Único, de confrontación, y en movimiento, Good Old Boys sigue siendo uno de los mejores logros de Newman. Con "Good Old Boys", llegó al puesto #36 en el Billboard y que estuvo 21 semanas en el Top 20.
1.Rednecks
2.Birmingham
3.Marie
4.Mr. President (Have Pity On The Working Man)
5.Guilty
6.Louisiana 1927
7.Every Man A King
8.Kingfish
9.Naked Man
10.A Wedding In Cherokee County
11.Back On My Feet Again
12.Rollin'
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324. Bob Marley & the Wailers – Natty Dread (1974)
Se podría decir que este es el primer disco bajo el nombre de Bob Marley & The Wailers, aunque evidentemente este no es el primer disco de Bob Marley.
Fue también, el primer disco sin Peter Tosh y Bunny Livingstone, y fue la primera vez donde se contaba con los coros femeninos llamadas I-Trees, donde estaban Rita Marley (la mujer de Bob Marley), Marcia Griffiths y Judy Mowatt.
En 1974 Marley se dedico a trabajar a tiempo completo las sesiones de lo que finalmente dieron como resultado la placa Natty Dread. Dicho álbum incluiría varias canciones intensamente “comprometidas” como Talkin' Blues, No Woman No Cry, que se ha convertido prácticamente en un himno nacional de Jamaica desde entonces, So Jah seh, Revolution, Them belly full y Rebel Music. Natty Dread" es una obra clave en la carrera de Marley y fue aclamado como una obra militante del fervor revolucionario. En resumen esta obra de Marley y los Wailers se convierte en un disco básico y de culto en el cual, Marley vuelca toda su pasión para comunicar ideas radicales cercanas a su creciente convicción de Rastafari. Un disco en el que se define lo que sería el reggae de ahí en adelante, considerado como uno de los mejores discos de la historia. Marley había levantado la mano como uno de los grandes de la música moderna.
1.Lively up Yourself
2.No Woman No Cry
3.Them Belly Full (But We Hungry)
4.Rebel Music (3 O'Clock Road Block)
5.So Jah Seh
6.Natty Dread
7.Bend Down Low
8.Talkin' Blues
9.Revolution
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325. Robert Wyatt – Rock Bottom (1974)
Este disco no se escucha, en este disco se recae. Como en un opiáceo poderoso posesionado en vena. Se trata del disco de un recién inválido, de un recién nacido en la conciencia de su ser-para-la-muerte. Pero, ¿inválido de qué? Inválido de lo que todo los mortales, inválido de la palabra, del gran logro, inválido de una expresión consumada.
Rock Bottom se dibuja con pinceladas que no lo acaban por definir, mas bien aletargan dejando un halo aguardentoso en nuestras almas. “Volver a nacer” no solo es atributo del Ave Fénix, también renacen aquellos que sobrevivieron a unos 60s jubilosos, donde la vida se celebraba en contraparte a la guerra. Hoy lo sabemos: una vez más se dejan por fuera a las Furias, esas damas vengadoras que pocas veces entiende de misericordia.
Pero no corrió mucho de la siguiente década, cuando músicos de muy distintas estirpes se percataron del craso error. En 1974, Wyatt advierte de la omisión en poco más de media hora de música venida del fondo más rocoso. El baterista versátil brilla por su ausencia en una producción protagonizada por teclados, y una voz –voz indiscutible- afinada a la luz de la nueva sentencia del trágico sino. Si bien Nuestro Señor Jesucristo no vino a él con el milagro, diciéndole: “Párate y anda”; la esposa de Wyatt, Alfie, sí lo instaría a crear el disco más extraordinario, el más trágico, aquel que quedaría estampado como la obra maestra de un renacido.
Destilar aquello que es puro, es arte de algunos pocos elegidos que testimonian el atroz influjo de los Dioses sobre sus cuerpos. Reinventarse es cuestión divina, sin duda. Más aun, mirarse en el espejo de las consecuencias, y verse reconocido ineludiblemente en él, es la comunión de unos pocos. Rock Bottom vive esplendoroso a la sombra de la limitación, con la riqueza de notas apocadas y leves, y con la intimidad de aquel cuyo nuevo destino lo ha convertido en un privilegiado. Porque entristecerse al compás de este disco, es un privilegio del que gozarán solo unos pocos aisleños.
Lleva el duelo quien elabora, quien dispone de su ínfima tragedia para el deleite de una humanidad a la espera. Y sí, la humanidad espero este disco, como quien esperaba un aliento y no lo encontraba en el aire. Melancolía, nostalgia, tristeza, algo de saudade –por qué no-, desgarramiento, y luego un tropel de luz que nos ciega para salvarnos.
Mucho es el horror en un mundo de imposibilidades, ergo, mucha es su belleza, porque toda acometida que emerja de la falta, tiene que necesariamente portar el título de lo hermoso. Inconmensurable puede ser la tristeza de cualquiera, el quid reside en que quien toca fondo, toca lo rocoso. Después de todo, se trata del disco de un vitalista íntegro.
De Wyatt, solo esperemos lo mejor. Como de un maestro artesano al que lo sobrepasaran períodos y tecnologías, Wyatt es el solista solitario que se sobrepone a su propio cansancio, al de los suyos, al del malestar de la cultura. Lo sublime se apellida Wyatt, cuando se nos ofrenda esta música de la entraña gloriosa de un desgarrado. Robert ha tocado fondo y lo demuestró con esta maravilla.
1. Sea Song
2. Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road
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