326. Gram Parsons – Grievous Angel (1974)
Excepcional disco continuación de su imprescindible "GP" editado en enero de 1974, cuatro meses después de su muerte. En el cual la triste sensibilidad de Gram Parsons emborracha unos temas de gran calado emocional y melancólico, edificados desde un tributo a la tradición country pero con mentalidad y poso rockero.
Melodías propias realizadas con esmerada arquitectura compositiva e imponente factura vocal como "Return of the grievous angel", "Brass buttons", "$1000 Wedding", "Ooh Las Vegas", "In my hour of darkness" y "Hickory wind" (tema compuesto para los Byrds del que incluye una versión en directo), junto a conmovedoras versiones de "Hearts on fire", "I can't dance" y sobre todo "Love Hurts", el famoso tema de Boudleaux Bryant que aquí conoció su ejecución definitiva.
La guitarra acústica y voz de Parsons vuelve a contar con unos acompañantes de lujo. De nuevo las ensoñadora armonías de Emmylou Harris, la steel de Al Perkins, el fiddle de Byron Berline y la guitarra eléctrica de James Burton son parte esencial de su sonido junto al bajo de Emory Gordy, el piano de Glen D. Hardin o la batería de Ronnie Tutt.
La maravillosa voz femenina que suena junto a Gram y Emmylou en la memorable "In my hour of darkness" es la de otra importante figura mujeril del género, Linda Ronstadt.
Hace más de 35 años en The Joshua Tree falleció Gram Parsons. Sólo tenía 26 años. Dejó un legado musical inmenso que, a día de hoy, sigue siendo reivindicado por cantidad de músicos.
1. Return of the Grievous Angel
2. Hearts on Fire
3. I Can't Dance
4. Brass Buttons
5. $1000 Wedding
6. Cash on the Barrelhead
7. Hickory Wind
8. Love Hurts
9. Ooh Las Vegas
10. In My Hour of Darkness
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327. Brian Eno – Another Green World (1975)
Pocos estarían dispuestos a negar la influencia de Brian Eno, uno de los más importantes innovadores de la música contemporánea, utilizando la electrónica como un recurso para la transformación de las emociones producidas por los sonidos.
Un accidente automovilístico en 1975 dejó a Brian Eno en cama por varios meses, lapso en el cual tuvo la portentosa iluminación de la música ambient: imposibilitado para moverse y encender el aparato de música y sentir el fondo de la lluvia, se dio cuenta de que la música podría asumir similares propiedades a las de la luz y el color, para mezclarse por toda una atmósfera creada, sin alterar el balance ambiental.
La continuación lógica de Here come the Warm Jets, Another Green World alcanza un grado de rara perfección en 14 pistas donde se conjugan de manera brillante temas de raigambre pop (St Elmo's Fire, I'll come running) con piezas puramente instrumentales de quieto e introspectivo lirismo (Another Green World, Little Fishes). Editado en noviembre de 1975 por el sello EG, anticipa -sobre todo en las pequeñas miniaturas instrumentales, donde el nivel de los arreglos, a base de sintetizadores, alcanza un nivel superlativo- los territorios donde Eno, en trabajos como Music for Films y Ambient #2, consolidará una sonoridad de notable peso e influencia en el quehacer musical contemporáneo.
En este disco del 75 podemos ver un Eno todavía acústico con muchos pianos, guitarras y baterías reales. Aunque el toca casi todos los instrumentos en la mayoria los temas tenemos la magnífica colaboración de su inseparable Robert Fripp (tracks: 3, 6, 10,), violero de King Crimson, entre otros.
Un disco excelente e imprescindible sin lugar a dudas.
1. Sky Saw
2. Over Fire Island
3. St. Elmo's Fire
4. In Dark Trees
5. Big Ship, The
6. I'll Come Running
7. Another Green World
8. Sombre Reptiles
9. Little Fishes
10. Golden Hours
11. Becalmed
12. Zawinul / Lava
13. Everything Merges With The Night
14. Spirits Drifting
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328. Dictators – Go Girl Crazy! (1975)
The Dictators Go Girl Crazy! es el primer álbum de la banda de proto-punk neoyorkina The Dictators publicado en 1975. Editado originalmente por el sello Epic Records.
En su crítica, All Music precisa que mientras que el álbum fue confuso para el público en el momento de su publicación, con el tiempo se convirtió en inspiración para docenas de grupos que les siguieron, con su mezcla de punk rock y heavy metal. La revista de rock'n'roll Trouser Press añade que la banda merece el reconocimiento por mezclar la esencia de la cultura basura con rock'n'roll rápido, creando un nuevo tipo musical. Según un artículo aparecido en el periódico neoyorkino Village Voice, el mal gusto, humor y desafío del álbum sentó un precedente que ha sido repetido en los trabajos de bandas como Ramones y Beastie Boys.
Además de influir a otros músicos, el álbum fue uno de los factores que provocó la creación de la revista Punk, que daría nombre al nuevo estilo musical, del crítico Legs McNeil. En el libro Por favor, mátame, McNeil cuenta que el álbum le causó tanta impresión a él y a sus amigos que comenzaron la revista únicamente para poder salir con The Dictators.
Este es un disco imprescindible para cualquier amante de la música rock -no sólo para los más punks- ya que influenció a miles de músicos, cambió la faz del rock para mejor y es una joya que nunca ha tenido todo el reconocimiento que se merece. Además que las líricas de Handsome Dick Manitoba son excelentes , de un inigualable humor y los riffs de Ross The Boss son de los más notables de la historia de esta noble actividad que llamamos rock&rol.
1. Next Big Thing, The
2. I Got You Babe
3. Back to Africa
4. Master Race Rock
5. Teengenerate
6. California Sun
7. Two Tub Man
8. Weekend
9. Cars and Girls, (I Live For)
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329. Neu! – ‘75 (1975)
Neu! '75 (o NEU! 75) es el tercer álbum de estudio de la banda alemana de rock experimental Neu!, perteneciente a la escena krautrock. El álbum fue grabado con el productor Konrad Plank y fue lanzado en 1975. Este álbum es considerado por muchos críticos como el mejor del grupo.
El dúo (conformado por Michael Rother y Klaus Dinger) se había separado temporalmente antes de la grabación de este álbum. Neu! 75 fue su último álbum hasta que se reunieron entre 1985 y 1986 para grabar Neu! 4. En Neu! 75 cuentan con Thomas Dinger (hermano de Klaus) y Hans Lempe en batería, quienes conformarían La Düsseldorf junto a Klaus Dinger.
El álbum está dividido claramente en dos mitades: las primeras tres canciones son más cercanas al ambient y están más relacionadas con la visión de Rother, y contiene canciones como "Isi", que es considerada un ejemplo del ritmo "motorik" característico del grupo, aunque contiene una mayor presencia de sintetizadores. El segundo lado, en cambio, está más inspirado por la visión de Dinger, con canciones como "Hero" y "After Eight" que han sido consideradas precursoras del punk y han sido en ocasiones comparadas con el garage rock de bandas como The Velvet Underground y The Stooges.
Neu! 75 estuvo fuera de impresión por mucho tiempo, y durante los años 80 solo estaba disponible en forma de bootleg (por medio de un sello llamado Germanofon), al igual que los dos álbumes anteriores del grupo.
El arte de tapa del álbum, diseñado por el baterista Klaus Dinger, es similar a la de los dos álbumes anterior, pero con el nombre del grupo en blanco sobre un fondo negro.
1. Isi
2. Seeland
3. Leb' Wohl
4. Hero
5. E-Musik
6. After Eight
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330. Led Zeppelin – Physical Graffiti (1975)
Physical Graffiti es el nombre del sexto álbum de estudio de la banda británica Led Zeppelin. Fue publicado el 24 de febrero de 1975, siendo la primera publicación del grupo su propio sello, denominado Swan Song Records.
Se trata de su primer álbum doble. Varias de las canciones del disco, sobre todo Kashmir y My Time Of Dying, se convirtieron en indispensables en los conciertos. Por todo el disco se pueden ver tonos funky en la composición rock, como en Trampled Under Foot.
Se ha convertido, con 15 millones de copias vendidas, en el séptimo álbum con más ventas de los años 70´s. Es el segundo álbum más vendido de la banda, tras Led Zeppelin IV. Led Zeppelin colocó simultáneamente este disco en el primer puesto de las listas estadounidenses y británicas y, poco después, sus seis discos publicados estuvieron de forma simultánea en la lista de los 200 mejores álbumes, algo que nunca antes había sucedido. Esta magistral obra mostraba de nuevo tanto su excepcional calidad como instrumentistas como su diversidad compositiva y búsqueda de nuevos espectros sonoros sin perder sus conocidas referencias.
CD 1
1. Custard Pie
2. The Rover
3. In My Time of Dying
4. Houses of the Holy
5. Trampled Under Foot
6. Kashmir
CD 2
1. In the Light
2. Bron-Yr-Aur
3. Down by the Seaside
4. Ten Years Gone
5. Night Flight
6. The Wanton Song
7. Boogie with Stu
8. Black Country Woman
9. Sick Again
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331. Keith Jarrett – Köln Concert (1975)
Posiblemente es el mejor concierto en directo de la historia del jazz, un hito que marcó un antes y un después de las grabaciones en vivo, y que representó el culmen de una forma moderna de ver el jazz, abierto a distintas tendencias y estilos.
Poca presentación debería hacer falta para introducirnos en la música de uno de los mejores pianistas de jazz (y de la música) de todos los tiempos, un genio capaz de transmitir sentimientos sonoros de inconmensurable belleza. Estamos ante una de las grabaciones más importantes de la historia de la música del siglo XX: The Köln Concert (Concierto de Colonia), de ECM.
interpretado en directo en el año 1975 y grabado tal cual fue ejecutado, sin eliminar ni aportar nada que no sea el propio sonido del piano y del propio Keith o los aplausos del público, The Köln Concert es el resultado final de uno de los mejores trabajos de improvisación, por no decir el mejor, de todos los tiempos.
Lo increíble de este concierto radica en que la música va surgiendo sin la cerrazón de la partitura original, sin las limitaciones de una libreto cerrado; la música fluye según sale del interior de Keith Jarrett, con una belleza e intensidad que provoca primero el asombro y después el éxtasis.
Pese a ser un disco en el que sólo hay un instrumento, un piano de cola, no hace falta ninguno más: el sonido lo llena todo, el ritmo y la composición inunda el espacio con una presencia impactante. Keith pulsa las teclas, acariciándolas, o las aporrea con dulce violencia, o saca sonidos imposibles a las tres cuerdas que golpea el mazo de cada tecla, o pisa los pedales con rabia, o lo hace con dulzura, o taconea el escenario siguiendo el ritmo...
Jarrett se lamenta y se alegra con el sonido; podemos oír pequeños grititos al pulsar las teclas o sus tarareos acompañando algunos momentos del concierto. The Köln Concert es el resultado de 66 minutos y 10 segundos de autentico placer, de efervescencia creativa. Son 3970 segundos imposibles de olvidar.
1. Part I
2. Part Iia
3. Part Iib
4. Part Iic
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332. Aerosmith – Toys in the Attic (1975)
"Aerosmith" uno de los grupos más importantes en la historia del Hard Rock, concebido en Boston - Massachusetts en los inicios de la mágica década del ´70, y que aún goza de una envidiable vigencia, banda americana por excelencia del genero, poseedora de una discografía tan amplia y enorgullecedora, además de una creciente cantidad de fans y millones de discos vendidos alrededor del mundo.
Sus influencias stoneanas y zeppelianas se combinaron en los ´70 para formar un nuevo, fuerte y vigoroso sonido de rock pesado, amparado en un line-up de lujo, que más allá de ciertas idas y vueltas, ha permanecido intacto por más de 35 años. Una formación tan aceitada, que hace de sus potentes directos su principal aliado.
Toys in the Attic, editado en 1975, es el tecer Lp del grupo, y podría definirse como el disco en donde definitivamente Arosmith desplegaría sus famosas alas, un disco que los ubicó en lo más alto de la escena, al lado de sus grandes ídolos. Aerosmith, un clásico que brilla por sobre los grupos más clásicos del hard rock. No se podía esperar menos, ya que corrió siempre con ventaja por contar entre sus filas con uno de los más carismáticos y talentosos cantantes de la historia del rock: Steven Tyler.
Pero lo más importante a tener en cuenta es que ninguna agrupación permanece junta y vigente por más de 35 años, si la química entre sus integrantes no es única y si lo que tienen para ofrecer no es un producto genuino dotado de gran calidad. Y “Toys In The Attic” no es ni más ni menos que una de las primeras muestras de ello.
1. Toys in the Attic
2. Uncle Salty
3. Adam's Apple
4. Walk This Way
5. Big Ten Inch Record
6. Sweet Emotion
7. No More No More
8. Round and Round
9. You See Me Crying
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333. David Bowie – Young Americans (1975)
Young Americans es uno de los discos más exitosos y emblemáticos del camaleónico artista británico David Bowie, publicado en 1975.
David Bowie se encontraba presentando su album Diamond Dogs por EEUU, cuando en Agosto de 1974 se encierra en los estudios de grabación Sigma en Filadelfia con el productor Tony Visconti para comenzar la grabación de un nuevo disco orientado totalmente a la música soul.
Con este disco Bowie tomaba una nueva dirección musical, deshechando ya por completo su etapa glam rock y explorando el sonido soul de Filadelfia, incluyendo entre sus coristas a un jovencísimo Luther Vandross. Este disco contiene el primer número uno en las listas Norteamericanas de Bowie, el tema "Fame", coescrito con John Lennon (que también contribuyó con su guitarra y coros).
Young Americans consagraría a David Bowie en EEUU vendiendo en poco tiempo más de medio millón de copias sólo en el mercado americano y otorgándole su primer número 1 en las listas de singles de USA. El disco se mantendría entre los trabajos más vendidos la friolera de un año entero.
1. Young Americans
2. Win
3. Fascination
4. Right
5. Somebody up There Likes Me
6. Across the Universe
7. Can You Hear Me
8. Fame
9. John, I'm Only Dancing (Again)
10. Who Can I Be Now?
11. It's Gonna Be Me (With Strings)
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334. Burning Spear – Marcus Garvey (1975)
Winston Rodney más conocido como Burning Spear es una leyenda musical indiscutible, un profeta y un visionario musical. Nació el 1º de Marzo de 1945, en St. Ann’s Bay, misma zona dónde tan sólo 22 días antes había nacido Bob Marley, y 58 años antes Marcus Garvey. Era frecuente que Winston se encontrara con Bob en el barrio, y así fue como supo quién y dónde podrían audicionarlo (Clement Dodd de Studio One)
La separación de Dodd ocurre en 1974, no fue algo mordaz pero había llegado el momento de graduarse de “la escuela”. Se fue dejando una de las marcas más impresionantes en lo que a obras de Studio One se refiere, quedando como una de las fundaciones del reggaemusic, elevándolo a un plano profundamente espiritual.
Poco tiempo después de la ruptura con Studio One, Jack Ruby se acerca y le ofrece a Spear trabajar juntos, aunque Burning ya tenía las buenas líricas y las fuertes melodías.. Justamente, se trataba de un álbum que era algo más que solo una buena colección de canciones: “Marcus Garvey”
“Marcus Garvey” llevó a Burning Spear a una reputación internacional sólo alcanzada por Bob Marley hasta el momento. Usando los mejores sesionistas de Kingston, la producción de Jack Ruby tuvo el valor de un cambio sísmico en la música de Burning, no fue fácil., pero el efecto fue positivamente devastador.
Burning Spear, adentrado en el reggae de la mano de Bob Marley, y fiel seguidor de la doctrina de Marcus Garvey, demuestra con este álbum toda la calidad que atesora.
1. Marcus Garvey
2. Slavery Days
3. Invasion, The
4. Live Good
5. Give Me
6. Old Marcus Garvey
7. Tradition
8. Jordon River
9. Red, Gold, And Green
10. Resting Place
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335. Bruce Springsteen – Born to Run (1975)
Con este magistral disco Bruce Springsteen se convirtió en un icono del rock’n’roll estadounidense y no es para menos. Se trata de un trabajo exuberante en su aspecto dramático, posee una fuerza emocional admirable y una madura exposición lírica sobre escapismos de carretera, retratos de evasiones vitales, narraciones románticas, ambientes de perdedores…La pujanza sentimental del LP, con un Bruce pletórico en la composición y en la expresión vocal, está sublimada por una instrumentación que enaltece tal fibrosa y honesta manifestación de emociones. Aquí no hay fingimientos ni lugar para marionetas o fatuos rapsodas.
Es un álbum que parece aunar su primera querencia dylaniana con las pautas dramáticas de Roy Orbison y la intensidad de la producción de Phil Spector, con melodías que asoman su verdadera identidad tras varias audiciones y unas historias de cariz épico que exhiben claramente un talento lírico más allá de la media.
Born to Run cimentó la reputación de Springsteen en el mundo musical y sirvió para establecer su primera base fija de seguidores. Tuvo un gran recibimiento por parte del público, llegando al número tres en el Billboard 200 y alcanzó de igual forma altos lugares en el resto del mundo. Su recepción por la crítica fue muy buena, considerándolo como el mejor trabajo de Springsteen y uno de los más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 18 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En el 2004 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida norteamericana.
1. Thunder Road
2. Tenth Avenue Freeze-Out
3. Night
4. Backstreets
5. Born to Run
6. She's the One
7. Meeting Across the River
8. Jungleland
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336. Emmylou Harris – Pieces of the Sky (1975)
Emmylou Harris es una cantautora country americana, además de su trabajo como solista y componente de algunas bandas, en las que cantaba tanto canciones de otros compositores como suyas propias, también ha trabajado junto con artistas de gran renombre interpretando duetos y coros. Publicado en 1975 "Pieces Of The Sky" supuso el debut de Emmylou Harris para una multinacional, si bien ya había grabado un álbum en 1969 ("Gliding Bird" ) con una compañía independiente y colaborado con el ex-Flying Burrito Brothers Gram Parsons en sus discos en solitario.
“Pieces of the Sky”, una colección impecable formada mayormente por versiones que van desde Merle Haggard a The Beatles. Producido por Brian Ahern, que marcaría los siguientes diez discos de Harris (así como convertirse en su segundo marido) el segundo single de Pieces of the Sky, una rendición del original de los Louvin Brothers “If I Could Only Win Your Love” se convirtió en su primer disco en colocarse en la lista de los cinco primeros. “Light of the Stable” un single navideño con coros de Dolly Parton, Linda Ronstadt y Neil Young le siguió; Harris les devolvió el favor cantando en el disco de Linda Ronstadt “The Sweetest Gift” y en el disco de Neil Young “Star of Bethlehem”.
1.Bluebird Wine
2.Too Far Gone
3.If I Could Only Win Your Love - (with Herb Pedersen)
4.Boulder to Birmingham
5.Before Believing
6.Bottle Let Me Down
7.Sleepless Nights
8.Coat of Many Colors
9.For No One
10.Queen of the Silver Dollar
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337. Dion – Born to Be With You (1975)
Estamos ante un álbum sobre amor, religión y droga, con Dion DiMucci, el que fuera rey del doo-wop a finales de los 50 y principios de los 60, encontrándose con la megalomanía de Phil Spector y su “muro de sonido”. Los dos, hijos del Bronx neoyorquino. Los dos, ángeles caídos en desgracias, víctimas de demonios personales y de la incomprensión del pop posterior a The Beatles.
Dion aporta esa suma de intimidad más convencimiento del que parece que la noche anterior a entrar en el estudio haya descubierto el camino que conduce hacia el cielo. Será por eso que el que hiciera de eslabón entre Frank Sinatra y el rock’n’roll canta aquí con una aureola celestial, en plan gospel-pop, que engatusa tanto como cuando soltaba himnos de delincuente con corbata y brillantina.
Spector renace en la cabina. En los momentos álgidos nada tiene que envidiar a aquellos temas que empaquetó para The Ronettes, The Crystals o The Righteous Brothers. De las ocho canciones produjo seis. En las otras dos sólo dirigió la orquesta: diez guitarristas, dos bajistas, dos baterías, una sección de viento de ocho músicos, una orquesta entera para las cuerdas y abundancia de coristas.
El disco fue apabullado por la crítica, que lo llegó a calificar de demasiado fúnebre y/o reverente.
Es la obra de un hombre arrepentido y casi reconvertido. Eso es lo que hace grande a este disco de pop entre el gospel de incieso psicodélico y la balada sixtie: la fricción que transmite. Por un lado está el individuo que se confiesa (Dion) y por otro la multitud que lo celebra (Phil y su majestuosa cortina de sonidos orquestales), dentro el instinto y la fe (Dion) y fuera la extravagancia hedonista (Phil), aquí el humilde sobrio (Dion) y enfrente un megalómano de sí mismo (Phil).
1. Born to Be With You
2. Make the Woman Love Me
3. Your Own Back Yard
4. Whole World in His Hands, (He's Got the)
5. Only You Know
6. New York City Song
7. In and Out of the Shadows
8. Good Lovin' Man
9. Baby Let's Stick Together - (bonus track)
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338. Joni Mitchell – Hissing of Summer Lawns (1975)
Vuelve Joni Mitchell, cantante y pintora canadiense, a esta lista. The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos ("Edith and the Kingpin" ) a las mujeres con maridos ricos aburridas ("The Hissing of Summer Lawns" y "Harry's House/Centerpiece" ).
El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas harmonías vocales junto a percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación "The Jungle Line" ).
Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing como su obra favorita de Mitchell, no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró "The Worst Album of The Year" (el "Peor Álbum del Año" ); pero en realidad solo fue denominado el peor "título" para un álbum . Mitchell y la revista Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un "árbol" que ilustraba todos los supuestos amantes de Mitchell, principalmente compuesto por otros músicos.
Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1997. En 1995 recibió el "Century Award" de Billboard. En el 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada. También recibió el premio "Grammy Lifetime Achievement Award" en 2002, acompañado de una mención que la describía como "una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock" y "una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad."
1. In France They Kiss on Main Street
2. Jungle Line
3. Edith and the Kingpin
4. Don't Interrupt the Sorrow
5. Shades of Scarlett Conquering
6. Hissing of Summer Lawns
7. Boho Dance
8. Harry's House -- Centerpiece
9. Sweet Bird
10. Shadows and Light
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339. Tom Waits – Nighthawks At The Diner (1975)
Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, abrigado a la escritura de Charles Bukowsky y de la generación beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac, y a los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental. Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos henchidos de alcohol y humo. Su música es una mezcla de jazz y blues, en donde el principal instrumento es su voz. La voz suena como una extraña vibración oscura que expresa desesperación, lamentacion y furia. Sus cuerdas vocales dan la sensación de estar quejándose por sentirse gastadas por los numerosos cigarrillos y el abundante alcohol. Tom Waits juega con ellas para contar crónicas callejeras, leyendas contemporáneas de personajes marginales. Para todos ellos tiene una canción, tragedias cotidianas de la vida marginal.
En “Nighthawks at the dinner” (1975) traslada el ambiente en directo de club al estudio, conformando un doble álbum jazz en vivo con sabor a alcohol y olor a nicotina y canciones que son clásicos inmortales como “Warm beer and cool women”, “Nighthawk postcards” o “Eggs and sausage”. También escribía varios cortes junto a otro personaje afín a la lírica beatnik, Chuck Weiss. En la actuación, grabada ante un puñado de amigos, también aparecía una stripper llamada Dwana y un grupo de músicos de acompañamiento, como Jim Hughart del bajo, Pete Christlieb del saxo, Bill Goodwyn de la batería y Melvoin a los teclados. Una verdadera obra maestra, que no sería la única del maestro Waits....
1. Emotional Weather Report
2. On a Foggy Night
3. Eggs and Sausage (In a Cadillac with Susan Michelson)
4. Better Off Without a Wife
5. Nighthawk Postcards (From Easy Street)
6. Warm Beer and Cold Women
7. Putnam County
8. Spare Parts I (A Nocturnal Emission)
9. Nobody
10. Big Joe and Phantom 309
11. Spare Parts II and Closing
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340. Rahul Dev Burman – Shalimar (Soundtrack) (1975)
Burman es uno de los compositores más reconocidos de la edad de oro de la música boolywoodiense. “Shalimar” es tal vez el álbum más funk que podría salir de la mente de un hindú. Rahul Dev Burman aka Pancham da fue uno de los habituales de las bandas sonoras con más de 330 películas acreditadas.
Shalimar es una de las mejores muestras de la música de Bollywood que se han realizado. Este Bollywood OST ofrece la prima de funk "Title Music", el sofisticado eje de balancín pista de baile "Dance Baby Let's Stay Together", el jazz, la música tradicional de la India. En total, Rahul Dev Burman se superó a sí mismo con esta amplia gama de música de buen gusto.
Desde el inicio se siente el funk oscuro y duro, especialmente en la forma que se va generando y luego cambia rápidamente, sólo para continuar con más y mejor que antes, con golpes de tambores y trompetas siniestras. Muchos diferentes tipos de personas que pueden encontrar algo en su producción exuberante. ¿Quién se podrá resistir a esas trompetas? Un excelente disco, nada convencional.
1. Title Music
2. Usha Uthup & Chorus: One Two Cha Cha Cha
3. Kishore Kumar & Chorus: Hum Bewafa Hargiz Na Thay
4. Countess' Caper (Music)
5. Mohd. Rafi & Chorus: Naag Devta
6. Lata Mangeshkar: Aaina Wohi Rehta Hai
7. Kittu: Baby Let's Dance Together
8. Romantic Theme
9. Asha Bhosle: Mera Pyar Shalimar
10. Kishore Kumar & Chorus: Hum Bewafa Hargiz Na Thay (Happy)
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341. Neil Young – Tonight’s the Night (1975)
Uno de los mejores discos de Neil Young, un hombre con una extensa carrera plagada de obras maestras.
Depara un estremecedor recorrido emocional por el alma de un personaje lleno de sensibilidad y dolorido por la muerte de dos de sus mejores amigos, el roadie Bruce Berry y el guitarrista de los Crazy Horse, Danny Whitten, ambos fallecidos a causa de sendas sobredosis.
Triste, pesaroso, melancólico o desesperanzado son algunos de los calificativos aplicables a este excepcional trabajo, en el que además de colaborar los restantes Crazy Horse, auxilian en el lamento sonoro del canadiense grandes músicos como Nils Lofgren y Ben Keith.
El importe de las drogas y la existencia y angustia vital en once temas de conmovedora, emocionante y desnuda factura vocal e instrumental que edifican una obra maestra incontestable sin desperdicio alguno, que incluye la canción en directo co-escrita con Whitten "Come on Baby, let's go downtown", el tema de tonalidad más jubilosa de un disco imprescindible.
El álbum alcanzó el puesto 25 en las listas de álbumes pop de Billboard. En 2003, fue situado en el puesto 331 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone.
1.Tonight's the Night
2.Speakin' Out
3.World on a String
4.Borrowed Tune
5.Come on Baby Let's Go Downtown
6.Mellow My Mind
7.Roll Another Number (For the Road)
8.Albuquerque
9.New Mama
10.Lookout Joe
11.Tired Eyes
12.Tonight's the Night (Part II)
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342. Bob Dylan – Blood on the Tracks (1975)
Este parece un disco de un Bob Dylan distinto. Aquí no nos enfrentamos al dueño de ese intelecto descomunal, a esa inteligencia desbordante y hábil, casi malévola en su capacidad para el sarcasmo y la crítica. Ni al profeta moral, que nos mostraba el camino a través del desierto. Contemplamos en realidad al dueño de un corazón desnudo y roto, al ser humano de carne y hueso, capaz de demostrar sentimientos, dolor, vulnerabilidad. Este es un completo tratado sobre el (des)amor, como pocos ha producido la historia del rock.
Claro que afirmar todo esto sería partir de una premisa falsa: ignorar todo el inmenso y valioso legado de canciones de amor que hasta entonces había ofrecido Dylan, que ya había escrito algunas de las más bellas y clarividentes baladas de todos los tiempos. Y es que esa inteligencia, ese sentido crítico, le permite comprender y expresar sus circunstancias de un modo mucho más articulado, reflexivo y realista de lo que los demás se pueden permitir.
Obra musicalmente precisa y coherente con su temática, en la que Dylan se reencuentra con el blues más puro, pero en el que también aparecen algunas de las melodías y arreglos más excitantes de su repertorio, parece construida sobre una interpretación tan llena de dolor, que el propio Dylan ha afirmado que no entiende cómo se puede disfrutar de un disco así. Entonces, ¿por qué seguimos escuchando esta única historia?. Tal vez, porque es nuestra propia y única historia, pero necesitamos que alguien nos la cuente mucho mejor de cómo nos la contamos a nosotros mismos todos los días. Ese alguien fue una vez Bob Dylan. Y esa vez está grabada.
"Blood On The Tracks" es un firme candidato a mejor álbum de la carrera de Dylan. Y ya sabemos dónde coloca esta condición a un disco dentro del escalafón de la historia del rock.
1.Tangled up in Blue
2.Simple Twist of Fate
3.You're a Big Girl Now
4.Idiot Wind
5.You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6.Meet Me in the Morning
7.Lily, Rosemary and the Jack of Hearts
8.If You See Her, Say Hello
9.Shelter From the Storm
10.Buckets of Rain
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343. Patti Smith – Horses (1975)
Una de las grandes poetas Rock de los 70. La gran feminista del movimiento Punk que tuvo su momento de esplendor con este disco de mediados de aquélla década. Rompiendo moldes ya con la portada, cortando con la imagen de niña mona y vestida como un hombre, Patti Smith provocó una llamada de atención tan brutal que aún hoy sigue siendo referente, a pesar de lo que han cambiado las cosas.
Si hay un grupo que en el Nueva York de los 70 pudiera quedar absolutamente perdido con la etiqueta de punk ese era el Patti Smith Group, o como mínimo si entendemos el punk desde un punto de vista estrictamente musical, sin tener en cuenta todas sus connotaciones (anti)culturales como movimiento.
"Horses" se grabó en los estudios Electric Lady, y fue un disco que la gente esperó con expectación porque Patti Smith se había apoderado por entonces de los clubes nocturnos neoyorquinos, donde compartía escenario con los Ramones, Television, Talking Heads y demás tropa Punk.
"Horses" es uno de los grandes discos de los 70, un disco que combina el rock'n'roll ("Gloria", "Free money", "My Generation" ) con los delirios poéticos ("Land", "Birdland" ), una mezcla que poca gente a excepción de Patti Smith podría llevar a cabo. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción "Gloria" de Van Morrison, y las palabras de Smith: "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos".
Patti Smith, personaje andrógino inclasificable. ¿Punk? ¿Rock Star? ¿Poeta? Cualquier etiqueta se quedaría corta. En 2005, fue nombrada Comandante de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.
1.Gloria
2.Redondo Beach
3.Birdland
4.Free Money
5.Kimberly
6.Break It Up
7.Land: Horses / Land Of A Thousand Dances / La Mer (De)
8.Elegie
9.My Generation
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344. Pink Floyd – Wish You Were Here (1975)
Tras el multimillonario "Dark Side of The Moon", Pink Floyd retrotrae la mirada a su primer líder, Syd Barrett, y le dedican desde su privilegiado estatus estelar este nuevo trabajo, un gran disco de rock progresivo de extensos y hechizantes temas rock con ligero soporte blues y opulentas texturas sónicas, expandidas con lacrimosas guitarras, etéreos teclados, flemáticos ritmos, atmosféricos sintetizadores y emotivas letras traspasadas con emocional vocalidad.
El tributo a su antiguo compañero con las magistrales y cautivadores suites halladas en las dos partes de "Shine your crazy diamond" es un canto al talento de Syd Barrett y al desplome de su salud mental; canción melancolica, trepidante, pausada y absolutamente genial prueba del grado de perfección alcanzado por la banda.y la hermosa melodía acústica de "Wish you were here" junto a una visión ácida de la industria discográfica encontrada en las dos canciones de menor impacto del Lp, como son la afligida "Welcome to the machine" (recargada con sintetizadores y efectos para identificar la maquinaria criticada, el tema brilla por la pesarosa forma de interpretar el texto) o la sarcástica y bluesy "Have a cigar", la pieza más floja del disco que está cantada por Roy Harper, son las materias desarrolladas por la banda británica, que consolidaron con este album su patronazgo del rock sinfónico.
Wish You Were Here alcanzó el primer en lugar de ventas en ambos lados del Atlántico. Se dice que ni David Gilmour ni Roger Waters volvieron a ser los mismos después de este álbum...Quizás, nosotros tampoco tampoco. Un álbum imprescindible del Rock
1.Shine on You Crazy Diamond (Part One)
2.Welcome to the Machine
3.Have a Cigar
4.Wish You Were Here
5.Shine on You Crazy Diamond (Part Two)
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345. Queen – A Night at the Opera (1975)
Fantástico álbum de Queen con título de película de los hermanos Marx. Bajo tonalidad socarrona, suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, logrado en sus melodías y bastante ecléctico en la esencia de sus composiciones, con sonidos que van desde el hard-rock hasta el pop pasando por el cabaret y sus particulares remedos operísticos. La clave de su éxito recae en la sabia combinación desde una postura teatral entre elementos rockeros con la ópera y el music-hall.
El acierto en la edificación melódica y la sugestiva grandilocuencia en sus incursiones vocales hacen de la música de Queen una accesible escucha, lo que provocó su gigantesco y longevo éxito epitomizado en este intachable trabajo, que contiene grandes canciones como "Death on two legs", "Lazing on a sunday afternoon", "You're my best friend", "'39", "Seaside Rendezvous", "I'm in love with my car", "The prophet song", "Love of my life" y, por supuesto, "Bohemian Rapsody", prontuario máximo de su sonoridad. "Bohemian Rhapsody". Es una canción de seis minutos en la que se tocan varios estilos,desde el rock hasta la opera. Es, sin lugar a dudas, la canción más compleja de Queen. En realidad se trata de 3 canciones en una; una balada, una ópera y una parte de hard-rock. Pero lo más complicado fue la parte de ópera. Duró siete días y en cada sesión se grababa entre 10 y 12 horas. Se mezclaron 180 voces con fragmentos de guitarra, piano, bajo y batería. En definitiva, se tardó en grabar la canción completa 3 semanas. Pero el esfuerzo valió la pena, ya que el single "Bohemian Rhapsody" estuvo nueve semanas seguidas en el número uno, batiendo todos los records.
Queen hizo historia en este disco, ya que fue el primer grupo en utilizar un videoclip para promoción. El video se rodó tan solo en 4 horas y costo 4500 libras, y en él aparecen los cuatro componentes de la banda con un estilo parecido al de la portada del disco Queen II. Dos años más tarde de la edición de este vídeo, la MTV empezó a emitir videoclips de manera regular.
Fue lanzado por EMI en el Reino Unido. En Estados Unidos lo publicó inicialmente Elektra Records, pero la discográfica Hollywood Records lo volvió a publicar en septiembre de 1991. El álbum llegó al número 4 en este país y ha sido certificado como triple platino (tres millones de copias vendidas). Este álbum fue nombrado por channel 4 como el mejor decimo tercer álbum de todos los tiempos. Este fue el primer disco número uno de Queen, y fue el disco más vendido del año 1975 en diversos países.
1.Death on Two Legs (Dedicated to...)
2.Lazing on a Sunday Afternoon
3.I'm in Love With My Car
4.You're My Best Friend
5.'39
6.Sweet Lady
7.Seaside Rendezvous
8.Prophet's Song, The
9.Love of My Life
10.Good Company
11.Bohemian Rhapsody
12.God Save the Queen
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346. Willie Nelson – Red Headed Stranger (1975)
Willie Nelson era uno de los proscritos originales de música country, y uno de sus compositores de canciones más influyentes.
Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito Bloody Mary Morning. Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema Blue Eyes Crying in the Rain (compuesto por Fred Rose en 1945) que perpetuó la imagen entonces popular del muchacho de country de pelo largo.
1.Time of the Preacher
2.I Couldn't Believe It Was True
3.Time of the Preacher Theme
4.Blue Rock Montana / Red Headed Stranger
5.Blue Eyes Crying in the Rain
6.Red Headed Stranger
7.Time of the Preacher Theme
8.Just as I Am
9.Denver
10.O'er the Waves
11.Down Yonder
12.Can I Sleep in Your Arms
13.Remember Me (When the Candle Lights Are Gleaming)
14.Hands on the Wheel
15.Bandera
16.Bach Minuet in G
17.I Can't Help It (If I'm Still in Love With You
18.A Maiden's Prayer
19.Bonaparte's Retreat
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347. Earth, Wind & Fire – That’s the Way of the World (1975)
El mejor disco del grupo fue la banda sonora que escribieron para la película del mismo título protagonizada por un joven Harvey Keitel. Para los que no los conozcáis, la música de Earth Wind & Fire, es una mezcla de sonido Philly, funk y jazz. Maurice White, fundador y cerebro del grupo (prácticamente todas las canciones son suyas) era un curtido músico de sesión que había participado como batería en discos de Etta James, Fontanella Bass (la batería de su "Rescue me" es de White), Billy Stewart y muchos otros. También había ejercido de director musical en el debut de Minnie Ripperton, una obra maestra y el mejor disco de la malograda vocalista de registro estratosférico. Su participación más longeva antes de formar los EWF fue con Ramsey Lewis donde tomó contacto con el jazz y principalmente, la fusión de éste con otras músicas (que le daría magníficos resultados en su propio grupo) y se inició en el uso de instrumentos africanos como la kalimba. Este contacto con el continente madre le inspirarían hasta estéticamente como podéis observar en las portadas del grupo, repletas de simbología egipcia y africana.
Este disco no es especialmente distinto a los demás de la misma época, excepto su debut, más escorado hacia el rock afroamericano, a Parliament y demás, y precisamente el disco más laureado por los coleccionistas. Pero el caso es que por los factores que fueran, las cosas fluyen con especial gracia aquí y componen su mejor colección de canciones. Este disco tiene la gracia de que captura a la banda en plena forma, recogiendo los mejores momentos en su mítico álbum "That's the Way of The World". Un período en que el grupo estaba derribando fronteras entre los géneros musicales y estableciendo su propia sonoridad, con este álbum Earth, Wind & Fire llegaba a los primeros lugares y tocaba el cenit por primera vez . Ganador de 3 Discos de Platino. Altamente recomendable.
1.Shining Star
2.That's the Way of the World
3.Happy Feelin'
4.All About Love
5.Yearnin', Learnin'
6.Reasons
7.Africano
8.See the Light
9.Shining Star (Future Star)
10.All About Love (First Impressions)
11.Happy Feelin' (Anatomy of a Groove)
12.Caribou Chaser (Jazzy Jam)
13.That's the Way of the World (Latin Expedition)
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348. Curtis Mayfield – There’s No Place Like America Today (1975)
Curtis Mayfield no es tan conocido como James Brown o Marvin Gaye, por citar a algunos de los nombres esenciales de la música negra, pero en algunos aspectos les supera con creces. Su inconfundible voz, con un delicioso falsete que le hace identificable a la primera, la crónica social de sus textos, ya fueran de temática social o bien simples (y maravillosas) canciones de amor, su labor como compositor, productor y arreglista y su entereza ante las adversidades (un incendio arrasó su casa, en 1990 sufrió un accidente que le dejó paralizado de cuello para abajo), le otorgan un puesto de honor entre los más grandes. Y, además, es uno de los escasos músicos que figuran por partida doble en el Rock & Roll Hall Of Fame, una por su carrera en el seno de los Impressions y otra por su trayectoria en solitario.
There's No Place Like America Today, fue el ataque más fiero de Mayfield a las injusticias sociales americanas, con una banda sonora rotunda. Este disco de 1975, publicado en su propio sello Curtom, permanece como testamento de su genio creativo. Junto al dulce single “So in Love” aparecen otros favoritos como la apertura anti-armas “Billy Jack”’, la inspiración gospel “Jesus” y “Hard times”, la mirada del autor a la cultura contemporanea americana.
1.Billy Jack
2.When Seasons Change
3.So In Love
4.Jesus
5.Blue Monday People
6.Hard Times
7.Love To The People
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349. Tom Petty & The Heartbreakers - Tom Petty & the Heartbreakers (1976)
El inicio discográfico de Tom Petty & The Heartbreakers es un impetuoso muestrario de membrudo rock'n'roll de naturaleza bar-band, influenciado por los Byrds, Rolling Stones, Bruce Springsteen, Bob Dylan y los primigenios pioneros del género, como Elvis, Gene Vincent o Chuck Berry.
El rock de Petty bebe de sonoridades country, blues y folk, elaborando también algunas melodías cercanas al power-pop, no en vano colaboran en coros nombres claves del género como Dwight Twiley y Phil Seymour.
El nivel compositivo del disco, producido por Denny Cordell, es de tono afligido y pesaroso, siendo su resultado bastante meritorio si exceptuamos la anémica y lánguida "Fooled again (I don't like it)".
Su faceta más rockera florece en "Rockin' around (with you)", una pujante pieza co-escrita con el guitarrista Mike Campbell de gran viveza rítmica y atractivas armonías vocales 60's, al igual que la excitante "Anything that's rock'n'roll", deudora de los Rolling Stones, la magnífica "Strangered in the night", o "American Girl", el clásico de la banda inspirado en la guitarra de Roger McGuinn (Byrds).
"Breakdown" es un logrado blues de elegante y jaggeriana ejecución, "Hometown blues", es un tema de vívido compás y de nuevo aroma de los Stones de la etapa "Exile on Main Street", mientras que "Mystery Man" es una correcta canción de sabor country que recuerda en pasajes a Van Morrison.
En "The wild one, forever" expone con talento su ascendencia springsteeniana y antes de cerrar con "American Girl", nos maravilla con la escritura de una joya poco valorada, "Luna", magistral balada con una sugerente atmósfera, cimentada en los teclados de Benmont Tench, una contemplativa letra y un sinuoso tempo.
El álbum tardó un año en tener éxito en su país natal. En 1977, la canción "Breakdown" fue relanzada en las radios y se convirtió en un éxito del Top 40 después de que se supiese que la banda estaba siendo muy bien recibida en Inglaterra.
1.Rockin' Around (With You)
2.Breakdown
3.Hometown Blues
4.Wild One, Forever
5.Anything That's Rock 'N' Roll
6.Strangered in the Night
7.Fooled Again (I Don't Like It)
8.Mystery Man
9.Luna
10.American Girl
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350. Modern Lovers – Modern Lovers [Rec 1972, not released until 1976] (1976)
Jonathan Richman, el eterno adolescente, dejaba plasmada su afición por la inmediatez del Rock de los cincuenta, el espíritu juvenil de los grupos de principios de los sesenta, y sobre todo, por el sonido de la Velvet Underground (Jonh Cale produce este fenomenal trabajo).
El disco empieza con el clásico "Roadrunner" (muy similar a "Sister Ray" de la Velvet) para dar paso a una colección de clásicos atemporales; "Astral Plane", "Dignified and Old", "She Cracked", "Some I Care About" o "Modern Word", donde el órgano de Jerry Harrison (posteriormente en Talking Heads) y la guitarra velvetiana de Richman nos muestran unas historias en las que los coches, la nostalgia al viejo mundo y las frustraciones adolescentes están a la orden del día.
Disco denostado e infravalorado en su tiempo por no adecuarse a los cánones del momento, recordemos que la mayoría de canciones de este álbum fueron grabadas en 1973, año donde predominaban las producciones megalómanas y la ampulosidad instrumental de bandas como Genesis, Yes o Pink Floyd, pero que será fundamental para entender el devenir de estilos como la Nueva Ola o el Punk (los Sex Pistols les rendirán tributo años más tarde versionando con acierto "Roadrunner" ) e incluso actualmente la influencia de los de Boston es palpable en bandas de éxito internacional como los Strokes.
Disco imprescindible en el resurgir del Rock'n'Roll a finales de los setenta y por extensión en la historia de la música popular.
1. Sea Song
2. Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road
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Excepcional disco continuación de su imprescindible "GP" editado en enero de 1974, cuatro meses después de su muerte. En el cual la triste sensibilidad de Gram Parsons emborracha unos temas de gran calado emocional y melancólico, edificados desde un tributo a la tradición country pero con mentalidad y poso rockero.
Melodías propias realizadas con esmerada arquitectura compositiva e imponente factura vocal como "Return of the grievous angel", "Brass buttons", "$1000 Wedding", "Ooh Las Vegas", "In my hour of darkness" y "Hickory wind" (tema compuesto para los Byrds del que incluye una versión en directo), junto a conmovedoras versiones de "Hearts on fire", "I can't dance" y sobre todo "Love Hurts", el famoso tema de Boudleaux Bryant que aquí conoció su ejecución definitiva.
La guitarra acústica y voz de Parsons vuelve a contar con unos acompañantes de lujo. De nuevo las ensoñadora armonías de Emmylou Harris, la steel de Al Perkins, el fiddle de Byron Berline y la guitarra eléctrica de James Burton son parte esencial de su sonido junto al bajo de Emory Gordy, el piano de Glen D. Hardin o la batería de Ronnie Tutt.
La maravillosa voz femenina que suena junto a Gram y Emmylou en la memorable "In my hour of darkness" es la de otra importante figura mujeril del género, Linda Ronstadt.
Hace más de 35 años en The Joshua Tree falleció Gram Parsons. Sólo tenía 26 años. Dejó un legado musical inmenso que, a día de hoy, sigue siendo reivindicado por cantidad de músicos.
1. Return of the Grievous Angel
2. Hearts on Fire
3. I Can't Dance
4. Brass Buttons
5. $1000 Wedding
6. Cash on the Barrelhead
7. Hickory Wind
8. Love Hurts
9. Ooh Las Vegas
10. In My Hour of Darkness
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327. Brian Eno – Another Green World (1975)
Pocos estarían dispuestos a negar la influencia de Brian Eno, uno de los más importantes innovadores de la música contemporánea, utilizando la electrónica como un recurso para la transformación de las emociones producidas por los sonidos.
Un accidente automovilístico en 1975 dejó a Brian Eno en cama por varios meses, lapso en el cual tuvo la portentosa iluminación de la música ambient: imposibilitado para moverse y encender el aparato de música y sentir el fondo de la lluvia, se dio cuenta de que la música podría asumir similares propiedades a las de la luz y el color, para mezclarse por toda una atmósfera creada, sin alterar el balance ambiental.
La continuación lógica de Here come the Warm Jets, Another Green World alcanza un grado de rara perfección en 14 pistas donde se conjugan de manera brillante temas de raigambre pop (St Elmo's Fire, I'll come running) con piezas puramente instrumentales de quieto e introspectivo lirismo (Another Green World, Little Fishes). Editado en noviembre de 1975 por el sello EG, anticipa -sobre todo en las pequeñas miniaturas instrumentales, donde el nivel de los arreglos, a base de sintetizadores, alcanza un nivel superlativo- los territorios donde Eno, en trabajos como Music for Films y Ambient #2, consolidará una sonoridad de notable peso e influencia en el quehacer musical contemporáneo.
En este disco del 75 podemos ver un Eno todavía acústico con muchos pianos, guitarras y baterías reales. Aunque el toca casi todos los instrumentos en la mayoria los temas tenemos la magnífica colaboración de su inseparable Robert Fripp (tracks: 3, 6, 10,), violero de King Crimson, entre otros.
Un disco excelente e imprescindible sin lugar a dudas.
1. Sky Saw
2. Over Fire Island
3. St. Elmo's Fire
4. In Dark Trees
5. Big Ship, The
6. I'll Come Running
7. Another Green World
8. Sombre Reptiles
9. Little Fishes
10. Golden Hours
11. Becalmed
12. Zawinul / Lava
13. Everything Merges With The Night
14. Spirits Drifting
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328. Dictators – Go Girl Crazy! (1975)
The Dictators Go Girl Crazy! es el primer álbum de la banda de proto-punk neoyorkina The Dictators publicado en 1975. Editado originalmente por el sello Epic Records.
En su crítica, All Music precisa que mientras que el álbum fue confuso para el público en el momento de su publicación, con el tiempo se convirtió en inspiración para docenas de grupos que les siguieron, con su mezcla de punk rock y heavy metal. La revista de rock'n'roll Trouser Press añade que la banda merece el reconocimiento por mezclar la esencia de la cultura basura con rock'n'roll rápido, creando un nuevo tipo musical. Según un artículo aparecido en el periódico neoyorkino Village Voice, el mal gusto, humor y desafío del álbum sentó un precedente que ha sido repetido en los trabajos de bandas como Ramones y Beastie Boys.
Además de influir a otros músicos, el álbum fue uno de los factores que provocó la creación de la revista Punk, que daría nombre al nuevo estilo musical, del crítico Legs McNeil. En el libro Por favor, mátame, McNeil cuenta que el álbum le causó tanta impresión a él y a sus amigos que comenzaron la revista únicamente para poder salir con The Dictators.
Este es un disco imprescindible para cualquier amante de la música rock -no sólo para los más punks- ya que influenció a miles de músicos, cambió la faz del rock para mejor y es una joya que nunca ha tenido todo el reconocimiento que se merece. Además que las líricas de Handsome Dick Manitoba son excelentes , de un inigualable humor y los riffs de Ross The Boss son de los más notables de la historia de esta noble actividad que llamamos rock&rol.
1. Next Big Thing, The
2. I Got You Babe
3. Back to Africa
4. Master Race Rock
5. Teengenerate
6. California Sun
7. Two Tub Man
8. Weekend
9. Cars and Girls, (I Live For)
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329. Neu! – ‘75 (1975)
Neu! '75 (o NEU! 75) es el tercer álbum de estudio de la banda alemana de rock experimental Neu!, perteneciente a la escena krautrock. El álbum fue grabado con el productor Konrad Plank y fue lanzado en 1975. Este álbum es considerado por muchos críticos como el mejor del grupo.
El dúo (conformado por Michael Rother y Klaus Dinger) se había separado temporalmente antes de la grabación de este álbum. Neu! 75 fue su último álbum hasta que se reunieron entre 1985 y 1986 para grabar Neu! 4. En Neu! 75 cuentan con Thomas Dinger (hermano de Klaus) y Hans Lempe en batería, quienes conformarían La Düsseldorf junto a Klaus Dinger.
El álbum está dividido claramente en dos mitades: las primeras tres canciones son más cercanas al ambient y están más relacionadas con la visión de Rother, y contiene canciones como "Isi", que es considerada un ejemplo del ritmo "motorik" característico del grupo, aunque contiene una mayor presencia de sintetizadores. El segundo lado, en cambio, está más inspirado por la visión de Dinger, con canciones como "Hero" y "After Eight" que han sido consideradas precursoras del punk y han sido en ocasiones comparadas con el garage rock de bandas como The Velvet Underground y The Stooges.
Neu! 75 estuvo fuera de impresión por mucho tiempo, y durante los años 80 solo estaba disponible en forma de bootleg (por medio de un sello llamado Germanofon), al igual que los dos álbumes anteriores del grupo.
El arte de tapa del álbum, diseñado por el baterista Klaus Dinger, es similar a la de los dos álbumes anterior, pero con el nombre del grupo en blanco sobre un fondo negro.
1. Isi
2. Seeland
3. Leb' Wohl
4. Hero
5. E-Musik
6. After Eight
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330. Led Zeppelin – Physical Graffiti (1975)
Physical Graffiti es el nombre del sexto álbum de estudio de la banda británica Led Zeppelin. Fue publicado el 24 de febrero de 1975, siendo la primera publicación del grupo su propio sello, denominado Swan Song Records.
Se trata de su primer álbum doble. Varias de las canciones del disco, sobre todo Kashmir y My Time Of Dying, se convirtieron en indispensables en los conciertos. Por todo el disco se pueden ver tonos funky en la composición rock, como en Trampled Under Foot.
Se ha convertido, con 15 millones de copias vendidas, en el séptimo álbum con más ventas de los años 70´s. Es el segundo álbum más vendido de la banda, tras Led Zeppelin IV. Led Zeppelin colocó simultáneamente este disco en el primer puesto de las listas estadounidenses y británicas y, poco después, sus seis discos publicados estuvieron de forma simultánea en la lista de los 200 mejores álbumes, algo que nunca antes había sucedido. Esta magistral obra mostraba de nuevo tanto su excepcional calidad como instrumentistas como su diversidad compositiva y búsqueda de nuevos espectros sonoros sin perder sus conocidas referencias.
CD 1
1. Custard Pie
2. The Rover
3. In My Time of Dying
4. Houses of the Holy
5. Trampled Under Foot
6. Kashmir
CD 2
1. In the Light
2. Bron-Yr-Aur
3. Down by the Seaside
4. Ten Years Gone
5. Night Flight
6. The Wanton Song
7. Boogie with Stu
8. Black Country Woman
9. Sick Again
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331. Keith Jarrett – Köln Concert (1975)
Posiblemente es el mejor concierto en directo de la historia del jazz, un hito que marcó un antes y un después de las grabaciones en vivo, y que representó el culmen de una forma moderna de ver el jazz, abierto a distintas tendencias y estilos.
Poca presentación debería hacer falta para introducirnos en la música de uno de los mejores pianistas de jazz (y de la música) de todos los tiempos, un genio capaz de transmitir sentimientos sonoros de inconmensurable belleza. Estamos ante una de las grabaciones más importantes de la historia de la música del siglo XX: The Köln Concert (Concierto de Colonia), de ECM.
interpretado en directo en el año 1975 y grabado tal cual fue ejecutado, sin eliminar ni aportar nada que no sea el propio sonido del piano y del propio Keith o los aplausos del público, The Köln Concert es el resultado final de uno de los mejores trabajos de improvisación, por no decir el mejor, de todos los tiempos.
Lo increíble de este concierto radica en que la música va surgiendo sin la cerrazón de la partitura original, sin las limitaciones de una libreto cerrado; la música fluye según sale del interior de Keith Jarrett, con una belleza e intensidad que provoca primero el asombro y después el éxtasis.
Pese a ser un disco en el que sólo hay un instrumento, un piano de cola, no hace falta ninguno más: el sonido lo llena todo, el ritmo y la composición inunda el espacio con una presencia impactante. Keith pulsa las teclas, acariciándolas, o las aporrea con dulce violencia, o saca sonidos imposibles a las tres cuerdas que golpea el mazo de cada tecla, o pisa los pedales con rabia, o lo hace con dulzura, o taconea el escenario siguiendo el ritmo...
Jarrett se lamenta y se alegra con el sonido; podemos oír pequeños grititos al pulsar las teclas o sus tarareos acompañando algunos momentos del concierto. The Köln Concert es el resultado de 66 minutos y 10 segundos de autentico placer, de efervescencia creativa. Son 3970 segundos imposibles de olvidar.
1. Part I
2. Part Iia
3. Part Iib
4. Part Iic
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332. Aerosmith – Toys in the Attic (1975)
"Aerosmith" uno de los grupos más importantes en la historia del Hard Rock, concebido en Boston - Massachusetts en los inicios de la mágica década del ´70, y que aún goza de una envidiable vigencia, banda americana por excelencia del genero, poseedora de una discografía tan amplia y enorgullecedora, además de una creciente cantidad de fans y millones de discos vendidos alrededor del mundo.
Sus influencias stoneanas y zeppelianas se combinaron en los ´70 para formar un nuevo, fuerte y vigoroso sonido de rock pesado, amparado en un line-up de lujo, que más allá de ciertas idas y vueltas, ha permanecido intacto por más de 35 años. Una formación tan aceitada, que hace de sus potentes directos su principal aliado.
Toys in the Attic, editado en 1975, es el tecer Lp del grupo, y podría definirse como el disco en donde definitivamente Arosmith desplegaría sus famosas alas, un disco que los ubicó en lo más alto de la escena, al lado de sus grandes ídolos. Aerosmith, un clásico que brilla por sobre los grupos más clásicos del hard rock. No se podía esperar menos, ya que corrió siempre con ventaja por contar entre sus filas con uno de los más carismáticos y talentosos cantantes de la historia del rock: Steven Tyler.
Pero lo más importante a tener en cuenta es que ninguna agrupación permanece junta y vigente por más de 35 años, si la química entre sus integrantes no es única y si lo que tienen para ofrecer no es un producto genuino dotado de gran calidad. Y “Toys In The Attic” no es ni más ni menos que una de las primeras muestras de ello.
1. Toys in the Attic
2. Uncle Salty
3. Adam's Apple
4. Walk This Way
5. Big Ten Inch Record
6. Sweet Emotion
7. No More No More
8. Round and Round
9. You See Me Crying
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333. David Bowie – Young Americans (1975)
Young Americans es uno de los discos más exitosos y emblemáticos del camaleónico artista británico David Bowie, publicado en 1975.
David Bowie se encontraba presentando su album Diamond Dogs por EEUU, cuando en Agosto de 1974 se encierra en los estudios de grabación Sigma en Filadelfia con el productor Tony Visconti para comenzar la grabación de un nuevo disco orientado totalmente a la música soul.
Con este disco Bowie tomaba una nueva dirección musical, deshechando ya por completo su etapa glam rock y explorando el sonido soul de Filadelfia, incluyendo entre sus coristas a un jovencísimo Luther Vandross. Este disco contiene el primer número uno en las listas Norteamericanas de Bowie, el tema "Fame", coescrito con John Lennon (que también contribuyó con su guitarra y coros).
Young Americans consagraría a David Bowie en EEUU vendiendo en poco tiempo más de medio millón de copias sólo en el mercado americano y otorgándole su primer número 1 en las listas de singles de USA. El disco se mantendría entre los trabajos más vendidos la friolera de un año entero.
1. Young Americans
2. Win
3. Fascination
4. Right
5. Somebody up There Likes Me
6. Across the Universe
7. Can You Hear Me
8. Fame
9. John, I'm Only Dancing (Again)
10. Who Can I Be Now?
11. It's Gonna Be Me (With Strings)
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334. Burning Spear – Marcus Garvey (1975)
Winston Rodney más conocido como Burning Spear es una leyenda musical indiscutible, un profeta y un visionario musical. Nació el 1º de Marzo de 1945, en St. Ann’s Bay, misma zona dónde tan sólo 22 días antes había nacido Bob Marley, y 58 años antes Marcus Garvey. Era frecuente que Winston se encontrara con Bob en el barrio, y así fue como supo quién y dónde podrían audicionarlo (Clement Dodd de Studio One)
La separación de Dodd ocurre en 1974, no fue algo mordaz pero había llegado el momento de graduarse de “la escuela”. Se fue dejando una de las marcas más impresionantes en lo que a obras de Studio One se refiere, quedando como una de las fundaciones del reggaemusic, elevándolo a un plano profundamente espiritual.
Poco tiempo después de la ruptura con Studio One, Jack Ruby se acerca y le ofrece a Spear trabajar juntos, aunque Burning ya tenía las buenas líricas y las fuertes melodías.. Justamente, se trataba de un álbum que era algo más que solo una buena colección de canciones: “Marcus Garvey”
“Marcus Garvey” llevó a Burning Spear a una reputación internacional sólo alcanzada por Bob Marley hasta el momento. Usando los mejores sesionistas de Kingston, la producción de Jack Ruby tuvo el valor de un cambio sísmico en la música de Burning, no fue fácil., pero el efecto fue positivamente devastador.
Burning Spear, adentrado en el reggae de la mano de Bob Marley, y fiel seguidor de la doctrina de Marcus Garvey, demuestra con este álbum toda la calidad que atesora.
1. Marcus Garvey
2. Slavery Days
3. Invasion, The
4. Live Good
5. Give Me
6. Old Marcus Garvey
7. Tradition
8. Jordon River
9. Red, Gold, And Green
10. Resting Place
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335. Bruce Springsteen – Born to Run (1975)
Con este magistral disco Bruce Springsteen se convirtió en un icono del rock’n’roll estadounidense y no es para menos. Se trata de un trabajo exuberante en su aspecto dramático, posee una fuerza emocional admirable y una madura exposición lírica sobre escapismos de carretera, retratos de evasiones vitales, narraciones románticas, ambientes de perdedores…La pujanza sentimental del LP, con un Bruce pletórico en la composición y en la expresión vocal, está sublimada por una instrumentación que enaltece tal fibrosa y honesta manifestación de emociones. Aquí no hay fingimientos ni lugar para marionetas o fatuos rapsodas.
Es un álbum que parece aunar su primera querencia dylaniana con las pautas dramáticas de Roy Orbison y la intensidad de la producción de Phil Spector, con melodías que asoman su verdadera identidad tras varias audiciones y unas historias de cariz épico que exhiben claramente un talento lírico más allá de la media.
Born to Run cimentó la reputación de Springsteen en el mundo musical y sirvió para establecer su primera base fija de seguidores. Tuvo un gran recibimiento por parte del público, llegando al número tres en el Billboard 200 y alcanzó de igual forma altos lugares en el resto del mundo. Su recepción por la crítica fue muy buena, considerándolo como el mejor trabajo de Springsteen y uno de los más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 18 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En el 2004 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida norteamericana.
1. Thunder Road
2. Tenth Avenue Freeze-Out
3. Night
4. Backstreets
5. Born to Run
6. She's the One
7. Meeting Across the River
8. Jungleland
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336. Emmylou Harris – Pieces of the Sky (1975)
Emmylou Harris es una cantautora country americana, además de su trabajo como solista y componente de algunas bandas, en las que cantaba tanto canciones de otros compositores como suyas propias, también ha trabajado junto con artistas de gran renombre interpretando duetos y coros. Publicado en 1975 "Pieces Of The Sky" supuso el debut de Emmylou Harris para una multinacional, si bien ya había grabado un álbum en 1969 ("Gliding Bird" ) con una compañía independiente y colaborado con el ex-Flying Burrito Brothers Gram Parsons en sus discos en solitario.
“Pieces of the Sky”, una colección impecable formada mayormente por versiones que van desde Merle Haggard a The Beatles. Producido por Brian Ahern, que marcaría los siguientes diez discos de Harris (así como convertirse en su segundo marido) el segundo single de Pieces of the Sky, una rendición del original de los Louvin Brothers “If I Could Only Win Your Love” se convirtió en su primer disco en colocarse en la lista de los cinco primeros. “Light of the Stable” un single navideño con coros de Dolly Parton, Linda Ronstadt y Neil Young le siguió; Harris les devolvió el favor cantando en el disco de Linda Ronstadt “The Sweetest Gift” y en el disco de Neil Young “Star of Bethlehem”.
1.Bluebird Wine
2.Too Far Gone
3.If I Could Only Win Your Love - (with Herb Pedersen)
4.Boulder to Birmingham
5.Before Believing
6.Bottle Let Me Down
7.Sleepless Nights
8.Coat of Many Colors
9.For No One
10.Queen of the Silver Dollar
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337. Dion – Born to Be With You (1975)
Estamos ante un álbum sobre amor, religión y droga, con Dion DiMucci, el que fuera rey del doo-wop a finales de los 50 y principios de los 60, encontrándose con la megalomanía de Phil Spector y su “muro de sonido”. Los dos, hijos del Bronx neoyorquino. Los dos, ángeles caídos en desgracias, víctimas de demonios personales y de la incomprensión del pop posterior a The Beatles.
Dion aporta esa suma de intimidad más convencimiento del que parece que la noche anterior a entrar en el estudio haya descubierto el camino que conduce hacia el cielo. Será por eso que el que hiciera de eslabón entre Frank Sinatra y el rock’n’roll canta aquí con una aureola celestial, en plan gospel-pop, que engatusa tanto como cuando soltaba himnos de delincuente con corbata y brillantina.
Spector renace en la cabina. En los momentos álgidos nada tiene que envidiar a aquellos temas que empaquetó para The Ronettes, The Crystals o The Righteous Brothers. De las ocho canciones produjo seis. En las otras dos sólo dirigió la orquesta: diez guitarristas, dos bajistas, dos baterías, una sección de viento de ocho músicos, una orquesta entera para las cuerdas y abundancia de coristas.
El disco fue apabullado por la crítica, que lo llegó a calificar de demasiado fúnebre y/o reverente.
Es la obra de un hombre arrepentido y casi reconvertido. Eso es lo que hace grande a este disco de pop entre el gospel de incieso psicodélico y la balada sixtie: la fricción que transmite. Por un lado está el individuo que se confiesa (Dion) y por otro la multitud que lo celebra (Phil y su majestuosa cortina de sonidos orquestales), dentro el instinto y la fe (Dion) y fuera la extravagancia hedonista (Phil), aquí el humilde sobrio (Dion) y enfrente un megalómano de sí mismo (Phil).
1. Born to Be With You
2. Make the Woman Love Me
3. Your Own Back Yard
4. Whole World in His Hands, (He's Got the)
5. Only You Know
6. New York City Song
7. In and Out of the Shadows
8. Good Lovin' Man
9. Baby Let's Stick Together - (bonus track)
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338. Joni Mitchell – Hissing of Summer Lawns (1975)
Vuelve Joni Mitchell, cantante y pintora canadiense, a esta lista. The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos ("Edith and the Kingpin" ) a las mujeres con maridos ricos aburridas ("The Hissing of Summer Lawns" y "Harry's House/Centerpiece" ).
El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas harmonías vocales junto a percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación "The Jungle Line" ).
Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing como su obra favorita de Mitchell, no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró "The Worst Album of The Year" (el "Peor Álbum del Año" ); pero en realidad solo fue denominado el peor "título" para un álbum . Mitchell y la revista Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un "árbol" que ilustraba todos los supuestos amantes de Mitchell, principalmente compuesto por otros músicos.
Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1997. En 1995 recibió el "Century Award" de Billboard. En el 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada. También recibió el premio "Grammy Lifetime Achievement Award" en 2002, acompañado de una mención que la describía como "una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock" y "una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad."
1. In France They Kiss on Main Street
2. Jungle Line
3. Edith and the Kingpin
4. Don't Interrupt the Sorrow
5. Shades of Scarlett Conquering
6. Hissing of Summer Lawns
7. Boho Dance
8. Harry's House -- Centerpiece
9. Sweet Bird
10. Shadows and Light
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339. Tom Waits – Nighthawks At The Diner (1975)
Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, abrigado a la escritura de Charles Bukowsky y de la generación beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac, y a los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental. Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos henchidos de alcohol y humo. Su música es una mezcla de jazz y blues, en donde el principal instrumento es su voz. La voz suena como una extraña vibración oscura que expresa desesperación, lamentacion y furia. Sus cuerdas vocales dan la sensación de estar quejándose por sentirse gastadas por los numerosos cigarrillos y el abundante alcohol. Tom Waits juega con ellas para contar crónicas callejeras, leyendas contemporáneas de personajes marginales. Para todos ellos tiene una canción, tragedias cotidianas de la vida marginal.
En “Nighthawks at the dinner” (1975) traslada el ambiente en directo de club al estudio, conformando un doble álbum jazz en vivo con sabor a alcohol y olor a nicotina y canciones que son clásicos inmortales como “Warm beer and cool women”, “Nighthawk postcards” o “Eggs and sausage”. También escribía varios cortes junto a otro personaje afín a la lírica beatnik, Chuck Weiss. En la actuación, grabada ante un puñado de amigos, también aparecía una stripper llamada Dwana y un grupo de músicos de acompañamiento, como Jim Hughart del bajo, Pete Christlieb del saxo, Bill Goodwyn de la batería y Melvoin a los teclados. Una verdadera obra maestra, que no sería la única del maestro Waits....
1. Emotional Weather Report
2. On a Foggy Night
3. Eggs and Sausage (In a Cadillac with Susan Michelson)
4. Better Off Without a Wife
5. Nighthawk Postcards (From Easy Street)
6. Warm Beer and Cold Women
7. Putnam County
8. Spare Parts I (A Nocturnal Emission)
9. Nobody
10. Big Joe and Phantom 309
11. Spare Parts II and Closing
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340. Rahul Dev Burman – Shalimar (Soundtrack) (1975)
Burman es uno de los compositores más reconocidos de la edad de oro de la música boolywoodiense. “Shalimar” es tal vez el álbum más funk que podría salir de la mente de un hindú. Rahul Dev Burman aka Pancham da fue uno de los habituales de las bandas sonoras con más de 330 películas acreditadas.
Shalimar es una de las mejores muestras de la música de Bollywood que se han realizado. Este Bollywood OST ofrece la prima de funk "Title Music", el sofisticado eje de balancín pista de baile "Dance Baby Let's Stay Together", el jazz, la música tradicional de la India. En total, Rahul Dev Burman se superó a sí mismo con esta amplia gama de música de buen gusto.
Desde el inicio se siente el funk oscuro y duro, especialmente en la forma que se va generando y luego cambia rápidamente, sólo para continuar con más y mejor que antes, con golpes de tambores y trompetas siniestras. Muchos diferentes tipos de personas que pueden encontrar algo en su producción exuberante. ¿Quién se podrá resistir a esas trompetas? Un excelente disco, nada convencional.
1. Title Music
2. Usha Uthup & Chorus: One Two Cha Cha Cha
3. Kishore Kumar & Chorus: Hum Bewafa Hargiz Na Thay
4. Countess' Caper (Music)
5. Mohd. Rafi & Chorus: Naag Devta
6. Lata Mangeshkar: Aaina Wohi Rehta Hai
7. Kittu: Baby Let's Dance Together
8. Romantic Theme
9. Asha Bhosle: Mera Pyar Shalimar
10. Kishore Kumar & Chorus: Hum Bewafa Hargiz Na Thay (Happy)
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341. Neil Young – Tonight’s the Night (1975)
Uno de los mejores discos de Neil Young, un hombre con una extensa carrera plagada de obras maestras.
Depara un estremecedor recorrido emocional por el alma de un personaje lleno de sensibilidad y dolorido por la muerte de dos de sus mejores amigos, el roadie Bruce Berry y el guitarrista de los Crazy Horse, Danny Whitten, ambos fallecidos a causa de sendas sobredosis.
Triste, pesaroso, melancólico o desesperanzado son algunos de los calificativos aplicables a este excepcional trabajo, en el que además de colaborar los restantes Crazy Horse, auxilian en el lamento sonoro del canadiense grandes músicos como Nils Lofgren y Ben Keith.
El importe de las drogas y la existencia y angustia vital en once temas de conmovedora, emocionante y desnuda factura vocal e instrumental que edifican una obra maestra incontestable sin desperdicio alguno, que incluye la canción en directo co-escrita con Whitten "Come on Baby, let's go downtown", el tema de tonalidad más jubilosa de un disco imprescindible.
El álbum alcanzó el puesto 25 en las listas de álbumes pop de Billboard. En 2003, fue situado en el puesto 331 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone.
1.Tonight's the Night
2.Speakin' Out
3.World on a String
4.Borrowed Tune
5.Come on Baby Let's Go Downtown
6.Mellow My Mind
7.Roll Another Number (For the Road)
8.Albuquerque
9.New Mama
10.Lookout Joe
11.Tired Eyes
12.Tonight's the Night (Part II)
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342. Bob Dylan – Blood on the Tracks (1975)
Este parece un disco de un Bob Dylan distinto. Aquí no nos enfrentamos al dueño de ese intelecto descomunal, a esa inteligencia desbordante y hábil, casi malévola en su capacidad para el sarcasmo y la crítica. Ni al profeta moral, que nos mostraba el camino a través del desierto. Contemplamos en realidad al dueño de un corazón desnudo y roto, al ser humano de carne y hueso, capaz de demostrar sentimientos, dolor, vulnerabilidad. Este es un completo tratado sobre el (des)amor, como pocos ha producido la historia del rock.
Claro que afirmar todo esto sería partir de una premisa falsa: ignorar todo el inmenso y valioso legado de canciones de amor que hasta entonces había ofrecido Dylan, que ya había escrito algunas de las más bellas y clarividentes baladas de todos los tiempos. Y es que esa inteligencia, ese sentido crítico, le permite comprender y expresar sus circunstancias de un modo mucho más articulado, reflexivo y realista de lo que los demás se pueden permitir.
Obra musicalmente precisa y coherente con su temática, en la que Dylan se reencuentra con el blues más puro, pero en el que también aparecen algunas de las melodías y arreglos más excitantes de su repertorio, parece construida sobre una interpretación tan llena de dolor, que el propio Dylan ha afirmado que no entiende cómo se puede disfrutar de un disco así. Entonces, ¿por qué seguimos escuchando esta única historia?. Tal vez, porque es nuestra propia y única historia, pero necesitamos que alguien nos la cuente mucho mejor de cómo nos la contamos a nosotros mismos todos los días. Ese alguien fue una vez Bob Dylan. Y esa vez está grabada.
"Blood On The Tracks" es un firme candidato a mejor álbum de la carrera de Dylan. Y ya sabemos dónde coloca esta condición a un disco dentro del escalafón de la historia del rock.
1.Tangled up in Blue
2.Simple Twist of Fate
3.You're a Big Girl Now
4.Idiot Wind
5.You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6.Meet Me in the Morning
7.Lily, Rosemary and the Jack of Hearts
8.If You See Her, Say Hello
9.Shelter From the Storm
10.Buckets of Rain
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343. Patti Smith – Horses (1975)
Una de las grandes poetas Rock de los 70. La gran feminista del movimiento Punk que tuvo su momento de esplendor con este disco de mediados de aquélla década. Rompiendo moldes ya con la portada, cortando con la imagen de niña mona y vestida como un hombre, Patti Smith provocó una llamada de atención tan brutal que aún hoy sigue siendo referente, a pesar de lo que han cambiado las cosas.
Si hay un grupo que en el Nueva York de los 70 pudiera quedar absolutamente perdido con la etiqueta de punk ese era el Patti Smith Group, o como mínimo si entendemos el punk desde un punto de vista estrictamente musical, sin tener en cuenta todas sus connotaciones (anti)culturales como movimiento.
"Horses" se grabó en los estudios Electric Lady, y fue un disco que la gente esperó con expectación porque Patti Smith se había apoderado por entonces de los clubes nocturnos neoyorquinos, donde compartía escenario con los Ramones, Television, Talking Heads y demás tropa Punk.
"Horses" es uno de los grandes discos de los 70, un disco que combina el rock'n'roll ("Gloria", "Free money", "My Generation" ) con los delirios poéticos ("Land", "Birdland" ), una mezcla que poca gente a excepción de Patti Smith podría llevar a cabo. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción "Gloria" de Van Morrison, y las palabras de Smith: "Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos".
Patti Smith, personaje andrógino inclasificable. ¿Punk? ¿Rock Star? ¿Poeta? Cualquier etiqueta se quedaría corta. En 2005, fue nombrada Comandante de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.
1.Gloria
2.Redondo Beach
3.Birdland
4.Free Money
5.Kimberly
6.Break It Up
7.Land: Horses / Land Of A Thousand Dances / La Mer (De)
8.Elegie
9.My Generation
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344. Pink Floyd – Wish You Were Here (1975)
Tras el multimillonario "Dark Side of The Moon", Pink Floyd retrotrae la mirada a su primer líder, Syd Barrett, y le dedican desde su privilegiado estatus estelar este nuevo trabajo, un gran disco de rock progresivo de extensos y hechizantes temas rock con ligero soporte blues y opulentas texturas sónicas, expandidas con lacrimosas guitarras, etéreos teclados, flemáticos ritmos, atmosféricos sintetizadores y emotivas letras traspasadas con emocional vocalidad.
El tributo a su antiguo compañero con las magistrales y cautivadores suites halladas en las dos partes de "Shine your crazy diamond" es un canto al talento de Syd Barrett y al desplome de su salud mental; canción melancolica, trepidante, pausada y absolutamente genial prueba del grado de perfección alcanzado por la banda.y la hermosa melodía acústica de "Wish you were here" junto a una visión ácida de la industria discográfica encontrada en las dos canciones de menor impacto del Lp, como son la afligida "Welcome to the machine" (recargada con sintetizadores y efectos para identificar la maquinaria criticada, el tema brilla por la pesarosa forma de interpretar el texto) o la sarcástica y bluesy "Have a cigar", la pieza más floja del disco que está cantada por Roy Harper, son las materias desarrolladas por la banda británica, que consolidaron con este album su patronazgo del rock sinfónico.
Wish You Were Here alcanzó el primer en lugar de ventas en ambos lados del Atlántico. Se dice que ni David Gilmour ni Roger Waters volvieron a ser los mismos después de este álbum...Quizás, nosotros tampoco tampoco. Un álbum imprescindible del Rock
1.Shine on You Crazy Diamond (Part One)
2.Welcome to the Machine
3.Have a Cigar
4.Wish You Were Here
5.Shine on You Crazy Diamond (Part Two)
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345. Queen – A Night at the Opera (1975)
Fantástico álbum de Queen con título de película de los hermanos Marx. Bajo tonalidad socarrona, suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, logrado en sus melodías y bastante ecléctico en la esencia de sus composiciones, con sonidos que van desde el hard-rock hasta el pop pasando por el cabaret y sus particulares remedos operísticos. La clave de su éxito recae en la sabia combinación desde una postura teatral entre elementos rockeros con la ópera y el music-hall.
El acierto en la edificación melódica y la sugestiva grandilocuencia en sus incursiones vocales hacen de la música de Queen una accesible escucha, lo que provocó su gigantesco y longevo éxito epitomizado en este intachable trabajo, que contiene grandes canciones como "Death on two legs", "Lazing on a sunday afternoon", "You're my best friend", "'39", "Seaside Rendezvous", "I'm in love with my car", "The prophet song", "Love of my life" y, por supuesto, "Bohemian Rapsody", prontuario máximo de su sonoridad. "Bohemian Rhapsody". Es una canción de seis minutos en la que se tocan varios estilos,desde el rock hasta la opera. Es, sin lugar a dudas, la canción más compleja de Queen. En realidad se trata de 3 canciones en una; una balada, una ópera y una parte de hard-rock. Pero lo más complicado fue la parte de ópera. Duró siete días y en cada sesión se grababa entre 10 y 12 horas. Se mezclaron 180 voces con fragmentos de guitarra, piano, bajo y batería. En definitiva, se tardó en grabar la canción completa 3 semanas. Pero el esfuerzo valió la pena, ya que el single "Bohemian Rhapsody" estuvo nueve semanas seguidas en el número uno, batiendo todos los records.
Queen hizo historia en este disco, ya que fue el primer grupo en utilizar un videoclip para promoción. El video se rodó tan solo en 4 horas y costo 4500 libras, y en él aparecen los cuatro componentes de la banda con un estilo parecido al de la portada del disco Queen II. Dos años más tarde de la edición de este vídeo, la MTV empezó a emitir videoclips de manera regular.
Fue lanzado por EMI en el Reino Unido. En Estados Unidos lo publicó inicialmente Elektra Records, pero la discográfica Hollywood Records lo volvió a publicar en septiembre de 1991. El álbum llegó al número 4 en este país y ha sido certificado como triple platino (tres millones de copias vendidas). Este álbum fue nombrado por channel 4 como el mejor decimo tercer álbum de todos los tiempos. Este fue el primer disco número uno de Queen, y fue el disco más vendido del año 1975 en diversos países.
1.Death on Two Legs (Dedicated to...)
2.Lazing on a Sunday Afternoon
3.I'm in Love With My Car
4.You're My Best Friend
5.'39
6.Sweet Lady
7.Seaside Rendezvous
8.Prophet's Song, The
9.Love of My Life
10.Good Company
11.Bohemian Rhapsody
12.God Save the Queen
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346. Willie Nelson – Red Headed Stranger (1975)
Willie Nelson era uno de los proscritos originales de música country, y uno de sus compositores de canciones más influyentes.
Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito Bloody Mary Morning. Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema Blue Eyes Crying in the Rain (compuesto por Fred Rose en 1945) que perpetuó la imagen entonces popular del muchacho de country de pelo largo.
1.Time of the Preacher
2.I Couldn't Believe It Was True
3.Time of the Preacher Theme
4.Blue Rock Montana / Red Headed Stranger
5.Blue Eyes Crying in the Rain
6.Red Headed Stranger
7.Time of the Preacher Theme
8.Just as I Am
9.Denver
10.O'er the Waves
11.Down Yonder
12.Can I Sleep in Your Arms
13.Remember Me (When the Candle Lights Are Gleaming)
14.Hands on the Wheel
15.Bandera
16.Bach Minuet in G
17.I Can't Help It (If I'm Still in Love With You
18.A Maiden's Prayer
19.Bonaparte's Retreat
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347. Earth, Wind & Fire – That’s the Way of the World (1975)
El mejor disco del grupo fue la banda sonora que escribieron para la película del mismo título protagonizada por un joven Harvey Keitel. Para los que no los conozcáis, la música de Earth Wind & Fire, es una mezcla de sonido Philly, funk y jazz. Maurice White, fundador y cerebro del grupo (prácticamente todas las canciones son suyas) era un curtido músico de sesión que había participado como batería en discos de Etta James, Fontanella Bass (la batería de su "Rescue me" es de White), Billy Stewart y muchos otros. También había ejercido de director musical en el debut de Minnie Ripperton, una obra maestra y el mejor disco de la malograda vocalista de registro estratosférico. Su participación más longeva antes de formar los EWF fue con Ramsey Lewis donde tomó contacto con el jazz y principalmente, la fusión de éste con otras músicas (que le daría magníficos resultados en su propio grupo) y se inició en el uso de instrumentos africanos como la kalimba. Este contacto con el continente madre le inspirarían hasta estéticamente como podéis observar en las portadas del grupo, repletas de simbología egipcia y africana.
Este disco no es especialmente distinto a los demás de la misma época, excepto su debut, más escorado hacia el rock afroamericano, a Parliament y demás, y precisamente el disco más laureado por los coleccionistas. Pero el caso es que por los factores que fueran, las cosas fluyen con especial gracia aquí y componen su mejor colección de canciones. Este disco tiene la gracia de que captura a la banda en plena forma, recogiendo los mejores momentos en su mítico álbum "That's the Way of The World". Un período en que el grupo estaba derribando fronteras entre los géneros musicales y estableciendo su propia sonoridad, con este álbum Earth, Wind & Fire llegaba a los primeros lugares y tocaba el cenit por primera vez . Ganador de 3 Discos de Platino. Altamente recomendable.
1.Shining Star
2.That's the Way of the World
3.Happy Feelin'
4.All About Love
5.Yearnin', Learnin'
6.Reasons
7.Africano
8.See the Light
9.Shining Star (Future Star)
10.All About Love (First Impressions)
11.Happy Feelin' (Anatomy of a Groove)
12.Caribou Chaser (Jazzy Jam)
13.That's the Way of the World (Latin Expedition)
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348. Curtis Mayfield – There’s No Place Like America Today (1975)
Curtis Mayfield no es tan conocido como James Brown o Marvin Gaye, por citar a algunos de los nombres esenciales de la música negra, pero en algunos aspectos les supera con creces. Su inconfundible voz, con un delicioso falsete que le hace identificable a la primera, la crónica social de sus textos, ya fueran de temática social o bien simples (y maravillosas) canciones de amor, su labor como compositor, productor y arreglista y su entereza ante las adversidades (un incendio arrasó su casa, en 1990 sufrió un accidente que le dejó paralizado de cuello para abajo), le otorgan un puesto de honor entre los más grandes. Y, además, es uno de los escasos músicos que figuran por partida doble en el Rock & Roll Hall Of Fame, una por su carrera en el seno de los Impressions y otra por su trayectoria en solitario.
There's No Place Like America Today, fue el ataque más fiero de Mayfield a las injusticias sociales americanas, con una banda sonora rotunda. Este disco de 1975, publicado en su propio sello Curtom, permanece como testamento de su genio creativo. Junto al dulce single “So in Love” aparecen otros favoritos como la apertura anti-armas “Billy Jack”’, la inspiración gospel “Jesus” y “Hard times”, la mirada del autor a la cultura contemporanea americana.
1.Billy Jack
2.When Seasons Change
3.So In Love
4.Jesus
5.Blue Monday People
6.Hard Times
7.Love To The People
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349. Tom Petty & The Heartbreakers - Tom Petty & the Heartbreakers (1976)
El inicio discográfico de Tom Petty & The Heartbreakers es un impetuoso muestrario de membrudo rock'n'roll de naturaleza bar-band, influenciado por los Byrds, Rolling Stones, Bruce Springsteen, Bob Dylan y los primigenios pioneros del género, como Elvis, Gene Vincent o Chuck Berry.
El rock de Petty bebe de sonoridades country, blues y folk, elaborando también algunas melodías cercanas al power-pop, no en vano colaboran en coros nombres claves del género como Dwight Twiley y Phil Seymour.
El nivel compositivo del disco, producido por Denny Cordell, es de tono afligido y pesaroso, siendo su resultado bastante meritorio si exceptuamos la anémica y lánguida "Fooled again (I don't like it)".
Su faceta más rockera florece en "Rockin' around (with you)", una pujante pieza co-escrita con el guitarrista Mike Campbell de gran viveza rítmica y atractivas armonías vocales 60's, al igual que la excitante "Anything that's rock'n'roll", deudora de los Rolling Stones, la magnífica "Strangered in the night", o "American Girl", el clásico de la banda inspirado en la guitarra de Roger McGuinn (Byrds).
"Breakdown" es un logrado blues de elegante y jaggeriana ejecución, "Hometown blues", es un tema de vívido compás y de nuevo aroma de los Stones de la etapa "Exile on Main Street", mientras que "Mystery Man" es una correcta canción de sabor country que recuerda en pasajes a Van Morrison.
En "The wild one, forever" expone con talento su ascendencia springsteeniana y antes de cerrar con "American Girl", nos maravilla con la escritura de una joya poco valorada, "Luna", magistral balada con una sugerente atmósfera, cimentada en los teclados de Benmont Tench, una contemplativa letra y un sinuoso tempo.
El álbum tardó un año en tener éxito en su país natal. En 1977, la canción "Breakdown" fue relanzada en las radios y se convirtió en un éxito del Top 40 después de que se supiese que la banda estaba siendo muy bien recibida en Inglaterra.
1.Rockin' Around (With You)
2.Breakdown
3.Hometown Blues
4.Wild One, Forever
5.Anything That's Rock 'N' Roll
6.Strangered in the Night
7.Fooled Again (I Don't Like It)
8.Mystery Man
9.Luna
10.American Girl
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350. Modern Lovers – Modern Lovers [Rec 1972, not released until 1976] (1976)
Jonathan Richman, el eterno adolescente, dejaba plasmada su afición por la inmediatez del Rock de los cincuenta, el espíritu juvenil de los grupos de principios de los sesenta, y sobre todo, por el sonido de la Velvet Underground (Jonh Cale produce este fenomenal trabajo).
El disco empieza con el clásico "Roadrunner" (muy similar a "Sister Ray" de la Velvet) para dar paso a una colección de clásicos atemporales; "Astral Plane", "Dignified and Old", "She Cracked", "Some I Care About" o "Modern Word", donde el órgano de Jerry Harrison (posteriormente en Talking Heads) y la guitarra velvetiana de Richman nos muestran unas historias en las que los coches, la nostalgia al viejo mundo y las frustraciones adolescentes están a la orden del día.
Disco denostado e infravalorado en su tiempo por no adecuarse a los cánones del momento, recordemos que la mayoría de canciones de este álbum fueron grabadas en 1973, año donde predominaban las producciones megalómanas y la ampulosidad instrumental de bandas como Genesis, Yes o Pink Floyd, pero que será fundamental para entender el devenir de estilos como la Nueva Ola o el Punk (los Sex Pistols les rendirán tributo años más tarde versionando con acierto "Roadrunner" ) e incluso actualmente la influencia de los de Boston es palpable en bandas de éxito internacional como los Strokes.
Disco imprescindible en el resurgir del Rock'n'Roll a finales de los setenta y por extensión en la historia de la música popular.
1. Sea Song
2. Last Straw
3. Little Red Riding Hood Hit the Road
4. Alifib
5. Alife
6. Little Red Robin Hood Hit the Road
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