domingo, septiembre 20, 2009

1001 discos que debes escuchar antes de morir x mediafire parte 15


351. David Bowie – Station to Station (1976)



David Bowie edita en 1976 uno de los mejores discos de su carrera, y uno de los más laureados por la crítica y los fans: el épico “Station to Station”, algo así como “De estación en estación”. En este disco Bowie se baja de las naves espaciales, y se pierde de estación en estación, con los pies en la tierra pero la cabeza quién sabe dónde, descubriendo su nuevo alter ego, "Thin White Duke” (El Delgado Duque Blanco).
El disco lleno de canciones refinadas y arreglos complejos, mezcla rock, soul americano, funk, art-rock y vanguardia; fue co-producido con Harry Maslin y compuesto íntegramente por David Bowie.
Por aquellos días de 1976 Bowie estaba completamente enganchado con las drogas, siendo atacado por su alto consumo de estupefacientes por los medios británicos, quienes también comenzaron a increpar al artista por su supuesta simpatía por el nazismo y el fascismo. Esta querencia política sería contradicha por el mismo Bowie luego, atribuyendo sus supuestas “posturas” a un efecto alienador de las drogas.
“Station to Station” cuenta solo con 6 temas y no dura más de 40 minutos, pero como todos los clásicos, en cada segundo asombra y deja asomar la grandeza musical y el talento de David Bowie.
“Station to Station”es un buen disco para los que quieren comenzar a escuchar a Bowie porque es un disco con sonidos muy contemporáneos. Este Bowie ya había tocado el cielo y se había hecho clásico con “Space Odity”, y a mediados de los 70 estaba perdido entre tantos excesos. Tóxico, melódico, disco, ambiguo, funky, cocainómano, poético, vanguardista, clásico. Simplemente “Station to Station” de David Bowie.

1.Station to Station
2.Golden Years
3.Word on a Wing
4.Tvc 15
5.Stay
6.Wild Is the Wind

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352. Joni Mitchell – Hejira (1976)



Ya bastante entrados los 70s, la Mitchell empieza a hacer coquetear su estilo folk predominante desde sus inicios, con el jazz. Para esto reclutò a una serie de "amiguitos" músicos, a saber: el gran Jaco Pastorius, Neil Young, el guitarrista Larry Carlton entre muchos màs.
El disco goza de una suavidad única, con cierta complejidad propia del jazz y un fluir muy peculiar entre tema y tema. Mitchell le dà especial importancia a sus letras, creándoles ambientes, de ahí a que muchas de ellas tengan largos relatos calzando perfectamente con el clima musical.
Comercialmente, a este álbum no le fue tan bien como sus dos predecesores, aunque alcanzó el # 13 en la lista del Billboard 200, pero no pudo conseguir éxito significativo en la radio comercial. Fundamentalmente, el álbum en ese momento no fue bien recibido, pero desde entonces ha sido generalmente reconocido como uno de las mejores producciones en la carrera de Mitchell. En el año 2000, críticos de la revista alemana Spex lo eligieron como el 55 mejor álbum del siglo 20. Por otra parte, su portada fue elegida como la número 11 de las mejores, por la revista Rolling Stone en 1991.
Tremendo discazo... de esos que uno no se cansa de escuchar.


1.Coyote
2.Amelia
3.Furry Sings the Blues
4.Strange Boy, A
5.Hejira
6.Song For Sharon
7.Black Crow
8.Blue Motel Room
9.Refuge of the Roads

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353. Boston – Boston (1976)



El grupo Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varias demos, el batería Jim Masdea deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo.
Es así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica en 1976 su primer álbum titulado simplemente "Boston", saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico "More Than a Feeling" y con "Peace Of Mind". El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática "Hitch a Ride", una de las piezas más completas del disco. La voz de Delp es, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.
¿Que es lo que dio tanto éxito a estos chicos con un sólo disco? La revista Rolling Stone dijo: "Los Boston son una combinación altísima de alta tecnología más el sonido de una guitarra metálica y ganchos vocales que les han convertido en la piedra angular de los que se llamo Rock Comercial o Pegadizo.
La amplia difusión radiofónica que el disco consiguió, con el sencillo "More Than A Feeling", los catapultó a la fama en poco tiempo, logrando los puestos 5 y 22 en las listas Americanas y de Gran Bretaña respectivamente. Estamos ante el cuarto álbum más vendido en los años 70’s. Un disco de mérito.

1.More Than a Feeling
2.Peace of Mind
3.Foreplay / Long Time
4.Rock & Roll Band
5.Smokin'
6.Hitch a Ride
7.Something About You
8.Let Me Take You Home Tonight

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354. The Eagles – Hotel California (1976)



Todo un clásico del country-rock comercial y especialmente del soft-rock de los años 70, el quinto LP del grupo Eagles, que incluye el famoso tema homónimo (y el mejor de la carrera de la banda) que titula el disco, número 1 en listas de singles al igual que el álbum y "New kid in town", una estimable balada soft-rock.
Hotel California toca diversos asuntos, incluyendo la inocencia (y su pérdida), adicción a las drogas, muerte, los peligros, tentaciones, y la fugaz naturaleza de la fama, relaciones turbulentas, divorcios y la pérdida del amor, los resultados finales de la Doctrina del destino manifiesto, y el "Sueño Americano". Es el primer álbum del grupo sin su miembro fundador Bernie Leadon, y el primero con Joe Walsh.
Desde su publicación en 1976 ha vendido más de 16 millones de copias solamente en los Estados Unidos, siendo su álbum con material original con mejores ventas. Permaneció como número uno en ventas durante ocho semanas, no consecutivas, entre finales de 1976 y principios de 1977, e incluía dos sencillos que se convirtieron en número uno de las listas de éxitos de Billboard Hot 100: "New Kid in Town", el 26 de febrero de 1977, y "Hotel California", el 7 de mayo de 1977.
En 2001 la cadena de televisión por cable VH1 nominó a Hotel California como el trigésimo octavo más importante álbum de todos los tiempos. En otra encuesta de la cadena de televisión británica Channel 4 obtuvo el puesto 95 entre los 100 álbumes más importantes de la historia.
"Hotel California" de los Eagles, es uno de los discos imprescindibles. ¿Quién se atrevería a decir que nunca ha escuchado un tema de este álbum?

1. Hotel California
2. New Kid in Town
3. Life in the Fast Lane
4. Wasted Time
5. Wasted Time - (Reprise)
6. Victim of Love
7. Pretty Maids All in a Row
8. Try and Love Again
9. The Last Resort

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355. ABBA – Arrival (1976)



ABBA fue un grupo sueco de música pop, el de más éxito en su país y en Europa, de notable significado dentro del pop y el grupo de más éxito comercial de la década de 1970. Saltó a la fama tras triunfar en el Festival de la Canción de Eurovisión 19742 y estuvo en activo entre los años 1972 y 1982.
El nombre "ABBA" es un acrónimo formado por las primeras letras del nombre de cada miembro (Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid)
Combinemos dos atractivas féminas de agradable voz, dos talentosos compositores que presentaron un gran puñado de melódicas y pegadizas canciones de inmejorable construcción pop, un envoltorio marcado por el estallido colorista y parafernalia discotequera del dance setentero y obtendremos como resultado al conjunto más importante en ventas de los años 70 en todo el mundo, ABBA. Tanta popularidad a nivel internacional no se había visto desde la época de los Beatles.
Arrival es el nombre del cuarto álbum de estudio del grupo y fue lanzado en octubre de 1976. El álbum contiene la canción más exitosa del grupo, "Dancing Queen", así como los éxitos de "Fernando", "Knowing Me, Knowing You" y "Money, Money, Money".
Arrival fue un álbum número uno en más de diez países de distintos continentes, convirtiéndose en el primer álbum número uno de ABBA en un país de América. También fue su primer álbum que llegó al Top 20 del Billboard 200 en Estados Unidos, y su primer álbum de estudio número uno en el Reino Unido.
Arrival es uno de los álbumes de estudio más vendidos del grupo, recibiendo trece certificaciones por sus ventas en distintas partes del mundo. Junto a cifras dadas por Oricon (644,680)9 y por la revista ABBA Express (54,000)10 las ventas del álbum ascienden a más de 5.3 millones de copias.

1. 1.When I Kissed the Teacher
2. 2.Dancing Queen
3. 3.My Love, My Life
4. 4.Dum Dum Diddle
5. 5.Knowing Me, Knowing You
6. 6.Money, Money, Money
7. 7.That's Me
8. 8.Why Did It Have to Be Me
9. 9.Tiger
10. 10.Arrival
11. 11.Fernando
12. 12.Happy Hawaii

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356. Kiss – Destroyer (1976)



Los Kiss con este disco y el anterior "Alive" convirtiéndose en auténticos héroes e iconos de gran parte de la juventud americana y mundial, amantes del hard directo y contundente y de letras inherentes al universo adolescente y al mundo del rock. Así, la temática generacional, conflicto entre padres e hijos por sus aficiones melómanas, la diversión y hedonismo juvenil, y sobre todo, las groupies deseosas de complacer sexualmente a sus ídolos maquillados son los asuntos favoritos en el tratamiento lírico.
Destroyer es el cuarto album de estudio de la banda de Hard Rock norteamericana Kiss, lanzado el 15 de marzo de 1976. Fue el segundo disco consecutivo de Kiss en llegar al Top 20 en Estados Unidos, además de asegurarse el primer puesto en Alemania y Nueva Zelanda.
Destroyer se convirtió en una de sus producciones más ambiciosas y elaboradas de la década de los 70s. Destroyer es también el primer álbum de Kiss en contar con apoyo de músicos extra, entre los que se encuentra la New York Philharmonic-Symphony Orchestra, además de un músico que no fue acreditado: Dick Wagner, el cual era parte de la banda de Alice Cooper
Aun así, incluyen inmortales clásicos rockeros de la banda como "Detroit rock city", "Shout it oud loud" "King of the night time world" o "God of thunder", tema compuesto por Paul Stanley y cantado de forma demoniaca por Gene Simmons.
Las mejores tonadas del Lp son "Do you love me?", una gran canción que cuenta en su parte final con unos hipnóticos acompañamientos vocales en falsete y la extraordinaria balada "Beth", un bello tema compuesto por Peter Criss adornado con acertados arreglos de viento y cuerda.
Los otros temas, son buenas piezas rock ("Sweet pain" o "Flaming youth" ) y baladas con estribillos cuasi operísticos ("Great expectations" ).
El álbum fue certificado Disco de Oro el 22 de abril del mismo año y Disco de Platino el 11 de noviembre de 1976 también. Fue producido por Bob Ezrin, reconocido por su trabajo con bandas como Pink Floyd.

1.Detroit Rock City
2.King of the Night Time World
3.God of Thunder
4.Great Expectations
5.Flaming Youth
6.Sweet Pain
7.Shout It Out Loud
8.Beth
9.Do You Love Me

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357. Rush – 2112 (1976)



Rush es una banda canadiense de rock progresivo, musicalmente, el estilo de Rush ha evolucionado a lo largo de los años, desde el heavy metal con inspiración en el blues de sus primeros álbumes, pasando por el hard rock y el rock progresivo, además de un período dominado por los sintetizadores. Han influenciado a una gran cantidad de artistas como Metallica, The Smashing Pumpkins y Primus, además de bandas de metal progresivo como Dream Theater y Symphony X.
2112 es el título del cuarto álbum grabado en estudio. El álbum comienza con la suite de veinte minutos, pero no es un álbum conceptual; las letras de las demás canciones no tienen relación con la historia del tema titular. La banda, aún bajo la presión de la compañía discográfica (Mercury Records) de no realizar otro álbum conceptual, prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero de Rush en figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977. El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "Moving Pictures".
2112: Una de las mejores suites progresivas de todos los tiempos, con un mensaje a favor de la libertad individual de pensamiento y acción. Con dos personajes: los sacerdotes (representados por poderosos riffs de guitarra eléctrica y una agudísima voz de Lee -aún más de lo acostumbrado-) y el hombre (representado por suaves acordes de guitarra acústica y una voz más suave y cálida). Este álbum marca los límites entre sus primeros años y la siguiente era de su música con la genial voz de Geddy Lee y el vituoso baterista Neil Peart, conocido como uno de los mejores en la batería.

1. 2112
2. Passage To Bangkok, A
3. Twilight Zone, The
4. Lessons
5. Tears
6. Something For Nothing

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358. Jorge Ben – África Brasil (1976)



Jorge Ben ha sido poco valorado a lo largo de su carrera, a pesar de ser uno de los talentos más superdotados de la música brasileña. El mantenerse alejado de la fama del star system, le ha impulsado siempre a trabajar con enorme modestia y honestidad, hecho que en cierta manera ha beneficiado la calidad de su obra y la diversidad de estilos al tener poco que perder. Aunque África Brasil sea un disco tremendamente animado, lleno de pelotazos en clave de funk, rock, y ritmos tribales, no desdeña la sensibilidad de un hombre que afronta cada canción como algo único. Y eso es algo que se nota en la elevada calidad de un disco que compite sin sonrojarse con los mejores de la historia de la música bailable.
Africa Brasil fue el disco en que Jorge Ben electrifico su música, un cambio de rumbo en sus composiciones, incluyendo sonidos funk, soul y ritmos africanos. Considerado por toda la crítica como uno de los mejores trabajos de la historia de la música brasileña.

1. Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)
2. Hermes Trimegisto Escreveu
3. O Filósofo
4. Meus Filhos, Meu Tesouro
5. O Plebeu
6. Taj Mahal
7. Xica da Silva
8. História de Jorge
9. Camisa 10 da Gávea
10. Cavaleiro Do Cavalo Imaculado
11. África Brasil (Zumbi)

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359. Joan Armatrading – Joan Armatrading (1976)



Joan Armatrading, nacida en el Caribe pero residente en Gran Bretaña, fusionó el folk, rhythm'n'blues, gospel y reggae en Joan Armatrading (1976), mientras mantenía la forma austera e introspectiva de Joni Mitchell.
El tercer álbum de Joan Armatrading, discretamente titulado sólo con el nombre de la autora, es de toda su carrera es el que mejor resume el pulso de su voz y el que reúne las diez canciones que mejor la definen. Empezando por la potente “Down To Zero” e incluyendo la exitosa “Love And Affection” (además de baladas como “Save Me” y “Somebody Who Loves Me”, o ejercicios de estilo como “Tall In The Saddle”, “People” y “Lake Fire”).
El disco es también referencia para entender la atmósfera de mediados de los 70, cuando el rock cedía el cetro radiofónico al pop, new wave, reggae y la música disco. Folk urbano, rock mestizo o soul de cámara: ninguna etiqueta abarca completamente el contenido de esta gran obra.

1.Down to Zero
2.Help Yourself
3.Water With the Wine
4.Love and Affection
5.Save Me
6.Join the Boys
7.People
8.Somebody Who Loves You
9.Like Fire
10.Tall in the Saddle

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360. Aerosmith – Rocks (1976)



Rocks es el cuarto álbum hecho por la banda americana de hard rock Aerosmith, fue lanzado en el año de 1976, Rocks es uno de los discos más "hard" de Aerosmith, para muchos fanaticos el "Mejor"
Con un sonido ya definido en su anterior álbum, “Toys in the attic”, los bostonianos de Aerosmith doblaron la apuesta con un trabajo que para muchos –entre los que me incluyo- los hizo tocar la perfección.
La fórmula, en el papel, se escribe simple: riffs crudos y sabrosos sobre un colchón de bajo y batería capaz de amortiguar los saltos más osados y los chillidos a ratos histéricos de Steven Tyler. En la letra chica, sin embargo, habría que apuntar inspiración, talento y locura, todo brotando en un periodo en el que su popularidad en alza los tenía embarcados en giras interminables y nadando en dólares, drogas y mujeres, ingredientes que a cualquiera podrían haberle hecho perder la cabeza. Y, claro, grabar una porquería de disco.
Pero basta apretar play para darse cuenta de que las cosas en verdad funcionaron. El disco salió al mercado en mayo de 1976. Si Toys in The Attic definió el sonido de Aerosmith este disco lo perfeccionó. Con un gran éxito comercial llegando muy rápidamente al platino, y coronando la explosión de la banda.
Rocks fue señalado como uno de sus álbumes favoritos en palabras del mismo Kurt Cobain. Sin duda, un gran álbum de clásicos con lo mejor del rock de mediados de los 70´s.


1.Back in the Saddle
2.Last Child
3.Rats in the Cellar
4.Combination
5.Sick as a Dog
6.Nobody's Fault
7.Get the Lead Out
8.Lick and a Promise
9.Home Tonight

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361. Parliament – Mothership Connection (1976)



Pocos intérpretes han contribuido más a la innovación y expansión de la música en los últimos 30 años como George Clinton. Además de sus grupos musicales “Parliament y Funkadelic”, como artista en solitario o con bandas diferentes, George Clinton marcó tendencias que siguen sonando en la música pop hoy en día. Desde artistas como Prince y los Red Hot Chili Peppers a raperos como Public Enemy y Dr. Dre han usado loops, bucles o rendido homenaje en algún momento a este pionero del funk.
Tras un enfrentamiento con el sello Revilot, perdió los derechos del nombre Parliaments y en 1968 formó un grupo nuevo llamado Funkadelic con su antigua banda.
Posteriormente formó una nueva banda llamada Parliament con los mismos componentes de Funkadelic, con quienes grabó varios álbumes de funk más accesible que fueron muy bien recibidos, a la vez que seguía produciendo música instrumental más salvaje con Funkadelic.
El colectivo Parliament/Funkadelic realizó amplias giras y sacó unos diez discos. Entre ellos se encuentra “Mothership Connection” (1976) cuarto álbum de la banda, este álbum conceptual de la mitología P- Funk es generalmente considerado como uno de los mejores de Parliament. Fue el primer álbum P-funk con colaboración de Maceo Parker y Fred Wesley, quienes habían dejado The JB's, banda de acompañamiento de James Brown. "Mothership Connection" se convirtió en el primer álbum de Parliament en ser certificado como disco oro y posteriormente platino por sus altas ventas.

1.P. Funk (Wants to Get Funked up)
2.Mothership Connection (Star Child)
3.Unfunky UFO
4.Supergroovalisticprosifunkstication
5.Handcuffs
6.Give up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)
7.Night of the Thumpasorus Peoples

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362. Penguin Café Orchestra – Music from the Penguin Café (1976)



La Penguin Cafe Orchestra fue una unión libre de músicos encabezada por el guitarrista clásico, compositor y arreglista Simon Jeffes (Sussex, Inglaterra, 1949-1997). Sólo Jeffes y la cellista co-fundadora Helen Liebmann eran miembros permanentes y núcleo del grupo. Otros músicos eran incorporados por los requerimientos de piezas musicales concretas o de "performances". Su música no tiene una fácil clasificación, pero tiene elementos de la música folk y una estética minimalista con reminiscencias ocasionales de Philip Glass. Tocaban música étnica con elegancia de un ensamble de cámara y el languor decadente del cafe`-concerto.
En la era del punk-rock, el grupo de violonchelo, violín, ukulele y guitarra nostálgico y aristocrático fue cuando grabaron Music From The Penguin Cafe (1976) era una contradicción a la época. Las viñetas, haciendo referencia a los estilos de la música barroca y renacentista, exploraban en las islas caribeñas, África y el Mediterráneo. Los patrones repetitivos favorecidos por compositores minimalistas y agregaban una calidad surrealista a cada uno de esos bocetos. Esas tarjetas postales de exóticas tierras dejaban impresión de recuerdos imaginarios, que, juntos formaban una memoria imaginaria colectiva de algún edén encantado, un refugio de las tensiones agitadas de la sociedad industrial. La Orquesta ejecutaba un renacimiento, pero era la reconstrucción de una era, no sólo un sonido, y una era que nunca existió, una época que era un estado eterno del subconsciente. Un excelente disco.

1. Penguin Cafe Single
2. From the Colonies
3. In a Sydney Motel
4. Surface Tension
5. Milk
6. Coronation
7. Giles Farnbay's Dream
8. Pigtail
9. Sound of Someone You Love Who's Going Away and It Doesn't Matter, The
10. Hugebaby
11. Chartered Flight

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363. Jean Michel Jarre – Oxygene (1976)



Jean Michel Jarre, es un compositor e intérprete francés de música electrónica. Fue en 1976, cuando este joven de entonces 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygene (considerado el álbum más importante de música electrónica). Este disco es la obra con la cual se identifica a Jarre, en especial el tema Oxygene 4. Fue todo un evento, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.
Jarre debutaba con un álbum de electrónica que sería un pequeño empujón en el hombro a la humanidad. Un disco cargado de sintetizadores análogos que hoy suenan mucho más vivos y frescos. Jarre tenía algo que decir sin palabras, y lo hizo con Oxígeno.

1. Oxygene: Part 1
2. Oxygene: Part 2
3. Oxygene: Part 3
4. Oxygene: Part 4
5. Oxygene: Part 5
6. Oxygene: Part 6

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364. Ramones – Ramones (1976)



Con esta arrolladora obra maestra, los Ramones (bebiendo de eclécticas fuentes como Chuck Berry, Rolling Stones, Stooges, Beach Boys, Beatles, el bubblegum de Buddah Records o T. Rex) iniciaban su extraordinaria discografía que junto a sus poderosos conciertos los llevaron a convertirse en una de las más disfrutables e influyentes bandas de rock/punk de todos los tiempos.
Con un estilo que aúna en un cóctel explosivo géneros tan diversos como el punk, el rock, el bubblegum pop y el surf, la banda de Queens construyó un primer disco lleno de vertiginosas y estimulantes piezas con potentes riffs, estribillos coléricamente infecciosos y unos simpáticos, divertidos y en su mayoría, intrascendentes textos con constantes referencias a la cultura trash y pop. Pioneros y líderes del naciente punk rock, cimentaron las bases de este género musical. Siendo una de las bandas más importantes de la historia del rock, su influencia se percibe en casi todas las formaciones de punk posteriores.
Ramones es el primer álbum del grupo norteamericano de punk del mismo nombre. En el disco se presentan las primeras corrientes de este género musical. Las canciones están inspiradas en porno, surf, y películas de miedo de Serie B, siendo producto de la rebeldía juvenil y del marginamiento que la banda sufría. Los miembros de la banda crearon una música rápida, distorsionada, violenta, aunque a su vez dulce por las influencias del pop chicle.
En este álbum es casi inútil destacar títulos. Los himnos "Blitzkrieg Bop" y "Judy is a punk", al lado de otros incombustibles temazos como "I wanna be your boyfriend", "Chain saw", "I don't wanna go down to the basement", "Loudmouth", "Havana Affair", "Listen to my heart", la versión del clásico de Chris Montez "Let's dance" (escrito para Montez por su productor Jim Lee), o "Today your love, tomorrow the world" son parte de un fabuloso álbum con el que todo el mundo amante de la buena música debería tener el placer de regocijarse.
Este álbum es comúnmente considerado uno de los que más influyeron en el punk y el rock en general y ocupa el puesto 33 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

1. Blitzkrieg Bop
2. Beat on the Brat
3. Judy Is a Punk
4. I Wanna Be Your Boyfriend
5. Chain Saw
6. Now I Wanna Sniff Some Glue
7. I Don't Wanna Go Down to the Basement
8. Loudmouth
9. Havana Affair
10. Listen to My Heart
11. 53rd and 3rd
12. Let's Dance
13. I Don't Wanna Walk Around With You
14. Today Your Love Tomorrow the World
15. I Wanna Be Your Boyfriend (demo - released on a Norton 45 in 1997)
16. Judy Is a Punk (demo - released on a Norton 45 in 1997)
17. I Don't Care - (previously unreleased, demo)
18. I Can't Be - (demo)
19. Now I Wanna Sniff Some Glue - (previously unreleased, demo)
20. I Don't Wanna Be Learned/I Don't Wanna Be Tamed - (demo)
21. You Should Never Have Opened That Door - (previously unreleased, demo)
22. Blitzkrieg Bop - (single version)

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365. Fela Kuti – Zombie (1976)



Vuelve a esta lista Fela Anikulapo Kuti, multi-instrumentista nigeriano, compositor y activista de los derechos humanos. Creador del género afrobeat. En 1977 Fela y África 70 lanzaron uno de sus discos más exitosos Zombie, un ataque directo a los soldados nigerianos, utilizando el término zombie para referirse metafóricamente a los métodos del ejército.
Este impresionante disco, en el que Fela Kuti absorbe el free jazz, el rock y el funk, con los sonidos tradicionales del continente africano, supone uno de los estandartes del afrobeat.
Una línea de bajo de lo más funky, un saxo agresivo y punzante que se clavan como dardos envenenados, lanzados por cerbatanas, directamente al cuello del opresor, directamente al cerebro del oprimido, resultan de lo más estimulante. Con letras duras: "Un zombi no se detiene a menos que se lo ordenes. Un zombi no piensa al menos que se lo ordenes", Kuti se revela contra los vampiros aferrados al poder corrupto, apoyado en el runrun sugestivo de los ritmos africanos.
Los temas, todos alrededor de los 10 minutos, adquieren tintes dramáticos, y épicos, con pocas letras, y unos coros excepcionales. Echadle un poco de paciencia a los diez minutos, y disfrutad del indómito Fela Kuti.
Este disco y su éxito fue el causante de que el gobierno de su país lanzará diversos ataques en contra de Fela y su banda, con redadas y ataques armados a la cooperativa Kalakuta Republic; en uno de ellos 1000 soldados los atacaron y Fela fue herido gravemente y su abuela de 82 años fue lanzada por una ventana, lo que le ocasionó la muerte. El estudio fue destruido totalmente y allí también desaparecieron cientos de grabaciones originales.
Disfruten del ritmo del indómito Fela Kuti, quien paso dos años en cárcel por darle vida a este álbum excepcional.

1. Zombie
2. Mister Follow Follow
3. Observation Is No Crime
4. Mistake (Live At The Berlin Jazz Festival 1978)

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366. Peter Tosh – Legalize It (1976)



Winston Hubert McIntosh, más conocido por su nombre artístico Peter Tosh fue un influyente músico, cantante y compositor de reggae. A principios de los sesenta conoció a Bob Marley y Bunny Wailer a través de su profesor de guitarra, Joe Higgs y enseñó a Bob a tocar la guitarra. Fundador y parte de The Wailers.
"Legalize it”, el primer disco en solitario de Peter Tosh tras abandonar los Wailers, es un auténtico clásico del sonido jamaicano, y muchas de sus canciones sobrevivieron en su repertorio hasta el final. Tirando más al contenido social que otros músicos del ramo como Marley, aquí tenemos una de las muestras definitivas del género, con unas canciones vibrantes y muy negras. La edición original incluía una pegatina con olor a marihuana.
Tosh fue asesinado en su casa durante un robo el 11 de septiembre de 1987. Es recordado por sus letras espirituales, que difundían la doctrina rastafariana, incluyendo la defensa de la marihuana, y de los derechos humanos, especialmente los de los descendientes de esclavos africanos. Su música ha logrado difundirse por todo el mundo en numerosas manifestaciones artísticas, que dieron lugar a muchos subgéneros musicales del reggae. Altamente Recomendado.

1. Legalize It
2. Burial
3. Whatcha Gonna Do
4. No Sympathy
5. Why Must I Cry
6. Igziabeher (Let Jah Be Praised)
7. Ketchy Shuby
8. Till Your Well Runs Dry
9. Brand New Second Hand

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367. Stevie Wonder – Songs in the Key of Life (1976)



Songs in the Key of Life es un triple álbum (dos LPs y un EP) del cantante y compositor estadounidense Stevie Wonder. Publicado en 1976, Wonder tardó más de dos años en sacar este disco, con la consiguiente impaciencia de su discográfica, Motown, con la que acababa de firmar un contrato por siete años y 13 millones de dólares. Este contrato suponía la cantidad más importante de la historia de la música en aquel momento.
Sin embargo, la espera tuvo una buena recompensa: más de 9 millones de copias vendidas, uno de los 15 álbumes de más éxito en ventas de los años 1970. El disco fue el primero de un artista estadounidense en alcanzar el número uno en su país la misma semana en que salía a la venta, en ese puesto continuó durante 14 semanas.
Este trabajo de Wonder tiene 21 canciones divididas en dos discos y un EP con cuatro canciones. Dos de esas canciones (Sir Duke y IWish) alcanzaron el número uno como sencillos y otra más entró en la lista de títulos memorables de Wonder: Isn't She Lovely?, canción de más de seis minutos que Wonder se negó a editar en su salida a sencillo y que está dedicada al nacimiento de su hija (incluye el llanto de la niña al nacer).
El disco obtuvo cuatro premios grammy: Mejor disco del año, Mejor producción, Mejor interpretación masculina vocal pop y Mejor interpretación vocal Rhythm & Blues por I Wish.

DISC 1:
1.Love's in Need of Love Today
2.Have a Talk With God
3.Village Ghetto Land
4.Contusion
5.Sir Duke
6.I Wish
7.Knocks Me Off My Feet
8.Pastime Paradise
9.Summer Soft
10.Ordinary Pain

DISC 2:
1.Isn't She Lovely
2.Joy Inside My Tears
3.Black Man
4.Ngiculela (Es una Historia) - (African Languages, Spanish) :: I Am Singing - (African Languages, ...
5.If It's Magic
6.As
7.Another Star
8.Saturn
9.Ebony Eyes
10.All Day Sucker
11.Easy Goin' Evening

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368. Peter Frampton – Frampton Comes Alive (1976)



Peter Frampton nació en Kent, en Inglaterra, y a los diez años ya había formado su primera banda, nada menos que junto a David Bowie, tocando temas de Buddy Holly.
“Frampton Comes Alive “ Un disco emblemático e imprescindible para cualquier amante del Rock. Durante mucho tiempo fue el álbum en vivo más vendido de la historia de la música (solamente después de los exitazos de Garth Brooks, Bruce Springsteen y The Eagles, éste es el cuarto disco en directo con más copias vendidas de la historia). 16 millones de copias vendidas y contando. Por entonces, todo un milagro para un disco en vivo. Dos álbumes previos bastaron para su proyecto más ambicioso: este álbum doble grabado durante sus directos del ’75. Se publicó en enero de 1976 convirtiéndose casi inmediatamente en el número 1 en ventas. Se quedó con el puesto número uno de Billboard por nada menos que diez largas semanas, y se mantuvo en las listas por 97 semanas, casi dos años. El 14 de Noviembre de 1984 le fue entregado el séxtuple disco de platino por sus ventas.
La técnica del guitarrista inglés dejó sorprendida a toda una generación que aún hoy sigue disfrutando de su música. Peter Frampton es, sin duda, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Deluxe Edition Songs DISC 1
1.Introduction / Something's Happening
2.Doobie Wah
3.Lines on My Face
4.Show Me the Way
5.It's a Plain Shame
6.Wind of Change
7.Just the Time of Year - (previously unreleased)
8.Penny For Your Thoughts
9.All I Want to Be (Is by Your Side)
10.Baby, I Love Your Way
11.I Wanna Go to the Sun

Deluxe Edition Songs DISC 2
1.Nowhere's Too Far (For My Baby) - (previously unreleased)
2.I'll Give You Money
3.Do You Feel Like We Do
4.Shine On
5.White Sugar - (previously unreleased)
6.Jumpin' Jack Flash
7.Day's Dawning - (previously unreleased)

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369. Brian Eno – Before & After Science (1977)



Before and After Science es uno de los más grandes álbumes de canciones de Brian Eno. Con guitarras funkies, capas de teclados y sintetizadores y la colaboración de músicos de la talla de Phil Collins, Robert Fripp, el dúo Cluster, Phil Manzanera, Fred Frith o Dave Mattacks, el bueno de Brian consiguió un disco influyente y vigente como pocos, que hoy se puede percibir en artistas que van desde exponentes de la música electrónica hasta Les Claypool o los Flaming Lips.
Las composiciones van desde instrumentales como Energy Fools the Magician, hasta la uptempo King's Lead Hat o la hermosa Here He Comes. Un aspecto destacable, y que no suele tenerse en cuenta en Eno, son las letras: cantadas con su voz agotada, se asemejan a relatos de ciencia ficción abundantes en descripciones oscuras y desoladoras, pero siempre con espacio para la belleza y la emoción, que de a ratos hacen acordar a los paisajes presentados por Andrei Tarkovsky en su película Stalker.
En el sentido de la belleza y la emoción sobresale una joya, empleada por Nanni Moretti para musicalizar dos escenas de su increíble película La Stanza del Figlio: By This River, co-escrita e interpretada por Achim Roedelius y Möbi Moebius (es decir, Cluster), es una de las canciones más sublimes de Eno, que adquiere una fuerza especial luego de ser apreciada en el contexto de la nombrada película y es de escucha obligada para aquellos que creen que la música electrónica no puede emocionar.

1.No One Receiving
2.Backwater
3.Kurt's Rejoinder
4.Energy Fools the Magician
5.King's Lead Hat
6.Here He Comes
7.Julie With
8.By This River
9.Through Hollow Lands
10.Spider and I

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370. Kraftwerk – Trans-Europe Express (1977)



En 1976, Kraftwerk comenzó a grabar Trans-Europe Express en su estudio. En aquel momento, una innovación técnica estaba ocurriendo en el estudio de Kling Klang. Hütter y Schneider habían comisionado Matten & Wiechers, un estudio de Bonn, basado en sintetizadores, para diseñar y construir un secuenciador musical de dieciséis pistas. El secuenciador musical controlaba el MiniMoog del grupo, creando el sonido rítmico del álbum. Trans-Europe Express fue mezclado en Record Plant Studios en Los Ángeles y buscaron la localización para tener una atmósfera estimulante. Fue por aquel entonces cuando Hütter y Schneider se encontraron con David Bowie en el estudio de Kling Klang. Una colaboración musical fue mencionada por Hütter, pero nunca se materializó. Kraftwerk había sido ofrecido para acompañar a Bowie en la gira Station to Station, pero la rechazaron. El lanzamiento de Trans-Europe Express fue marcado por un viaje en tren usado como una conferencia de prensa por EMI Francia. El álbum fue lanzado en 1977, Trans-Europe Express marcó la transformación completa del grupo a una banda de pop electrónico.
“Trans-Europe Express”, así sería titulado el álbum, supone nuevamente una obra conceptual centrada en una idea. Aquí se aborda de forma generalista la idea de Europa a través de los largos viajes en tren, que en aquella época estaban tan de moda.
En Alemania, país de origen del grupo, el disco fue un tremendo éxito y a nivel continental la banda se fue haciendo un nombre, obteniendo notables triunfos asociados principalmente a ciertos remixes o incluso versiones en francés de “Showroom dummies”, que triunfaron en las pistas de baile de los clubes europeos. Evidentemente hay que entender que el disco se editó originariamente en alemán; he decidido analizar la edición internacional en inglés para hacerles más fácil el acceso al disco. La portada es de sumo regusto clásico, con un montaje fotográfico retocado de una foto de los 4 componentes al estilo de comienzos del siglo XX y que intenta recrear a los viajeros de esos expresos europeos de dicha época.

1. Europe Endless
2. The Hall Of Mirrors
3. Showroom Dummies
4. Trans-Europe Express
5. Metal On Metal
6. Franz Schubert
7. Endless Endless

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371. Billy Joel – The Stranger (1977)



Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares desde 1973 (empezando con el sencillo "Piano Man" ) hasta su retiro para grabar música pop en 1993. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que consiguieron éxitos en el "Top Ten" de los 70, 80, y 90. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de disco en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos, de acuerdo con la RIAA.
The Stranger es el quinto álbum de estudio de Billy Joel, lanzado en septiembre de 1977. Mientras que sus cuatro álbumes anteriores tuvieron un éxito moderado, este rompió la brecha, alcanzando el #2 en la lista de álbumes de Estados Unidos. Permanece como el álbum no compilatorio más vendido hasta la fecha de Billy Joel, con más de 10 millones de copias vendidas y en la lista de los 20 álbumes más vendidos en los años 1970.
Mucho del éxito del álbum es atribuido a la colaboración de Billy Joel con el productor Phil Ramone, cuyos métodos de producción innovadores complementaron las canciones de Billy Joel. Está colaboración fructuosa continuaría por una década.
Algunos sencillos lanzados de este álbum incluyen "Just The Way You Are," la balada acústica "She's Always A Woman," la medianamente controversial "Only The Good Die Young," y "Movin' Out (Anthony's Song)," la cual llego a ser el tema para el musical de Broadway "Movin' Out", basado en las canciones de Billy Joel.
Este álbum alcanzó a Bridge over Troubled Water de Simon and Garfunkel, para llegar a ser el álbum de Columbia Records más vendido en ese tiempo. Fue también el último álbum de Billy Joel que tuvo el logo de "Family Productions", satisfaciendo los términos de su contrato de 1974.
Joel obtuvo dos premios Grammy por este disco, al mejor disco del año y a la mejor canción del año por Just the Way You Are.
Generalmente aclamado como el trabajo más fino de Billy Joel, el álbum fue clasificado en el número 67 en la revista Rolling Stone en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Movin' Out (Athony's Song )
2. The Stranger
3. Just The Way You Are
4. Scenes From An Italian Restaurant
5. Vienna
6. Only The Good Die Young
7. She's Always A Woman
8. Get It Right The First Time
9. Everybody Has A Dream


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372. Bob Marley & The Wailers – Exodus (1977)



Por el año 1977, Marley elige a Junior Marvin como nuevo guitarrista de la banda, siguiendo la recomendación de su representante Blackwell. Inmediatamente la química funciona de manera maravillosa, esta afinidad se vería luego reflejada en su primer trabajo junto al grupo, el álbum “Exodus”. El éxito fue extraordinario y su impacto en el mercado no tuvo precedentes. El álbum trepo inmediatamente a los charts británicos, permaneciendo allí durante 56 semanas. La guitarra de Junior en temas como Waiting in vain, One love/People get Ready y la que diera título al álbum esta en el recuerdo de todos los fanáticos. La verdad que la selección de temas del disco es extraordinaria y sin duda no hay que dejar de mencionar algunos como Natural Mystic y Jamming, los cuales han sido grandes hits a lo largo de la historia del reggae.
Poco antes de editarse el álbum, casi terminan con la vida de Bob, en un atentado que se le atribuye a la CIA, debido a que temían que pudiera desestabilizar la política del Caribe con sus proclamas de libertad e igualdad, palabras poco gratas para los intereses dominantes. Algunos fanáticos aseguran que este hecho fue causante de una especie de “Inspiración” por parte de Marley para lograr este disco, aunque en verdad sale a los pocos meses del atentado, es decir que la mayoría de los temas ya habían sido realizados.
Agasajado por los Rolling Stones adorado por los Beatles con canciones versionadas por Eric Clapton o Stevie Wonder Marley cambio el mundo de la musica popular e inspiro a generaciones de músicos. Exodus representa a Marley en la cúspide de su talento como cantante letrista músico líder filosofo amante e icono popular.
En el año 2001, la prestigiosa revista Time elige este disco como “Mejor álbum del siglo”. Logró ubicarse por encima de toda la industria musical mundial. La BBC, por su parte, nombró el tema One love/People get ready como himno del milenio.

1. Natural Mystic
2. So Much Things to Say
3. Guiltiness
4. Heathen, The - (Patois)
5. Exodus - (Patois)
6. Jamming
7. Waiting in Vain
8. Turn Your Lights Down Low
9. Three Little Birds
10. One Love / People Get Ready
11. Jamming - (long version, bonus track)
12. Punky Reggae Party - (long version, bonus track)

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373. Electric Light Orchestra – Out of the Blue (1977)



Mucho se ha dicho en contra de esta banda por sus excesos de planteamiento, su acomodo a posturas comerciales y el evidente desbarre de alguna de sus propuestas durante la segunda mitad de los 70 y los años 80. No deja de ser una consideración injusta, sesgada y zopenca del legado de una formación histórica, que nos ha brindado algunos de los pasajes más creativos y significativos en el mundo del pop de la década de los 70.
Baste escuchar sin prejuicio discos como "Eldorado", "Face the music", "A new world record" o este album doble, "Out of the blue". Si una cosa es irrefutable es la gigantesca categoría de Jeff Lynne como compositor pop, sin duda uno de los mejores constructores de melodías y estribillos de todos los tiempos, ya desde sus inicios con el recomendable grupo Idle Race.
Encandilado con la música de los Beatles, Lynne siempre intentó en su escritura la búsqueda de la canción pop perfecta, mimando los aspectos de producción y arreglos, quizá cautivos de su contexto temporal, como por ejemplo en este aprovechable trabajo, uno de los más admirados por los seguidores del grupo de Birmingham, de acometimiento técnico excesivamente extremado, con surtidos y recargados arreglos vocales y orquestales aderezando las melodías, como siempre espléndidas.
"Out of the blue" presenta como mínimo diez sobresalientes temas, que crecen y crecen con cada nueva escucha, hasta roturar con insistencia en tu memoria convertidas ya en pequeños clásicos personales, como "Turn to stone", canción de punzante intensidad rítmica y adhesivo estribillo, cuya sencillez nos recuerda la más pura esencia del buen pop, o "Sweet talkin' woman", joya de gloriosa melodía, al igual que "It's Over", remembranza sentimental de un fugaz amor veraniego.
"Night in the city" tiene unas armonías irresistibles, "Stepping' Out" es una preciosa y melancólica balada de búsqueda y expansión personal en donde emplea el cargante vocoder, dispositivo que, sin embargo, funciona de maravilla en "Believe me now", logrando una atractiva atmósfera de modulación taciturna, abatido clima conseguido también en la magnífica "Standin' in the rain", prologada de manera loable por el instrumental "Concerto for a rainy day".
Otros pasajes interesantes de este doble album son "Summer and lightning", una apreciable balada con un estribillo que instiga a la participación del oyente apoyando al coro: "summer and liiiiiiiiiiiighting", al igual que en la excelente "Sweet is the night", con un estribillo con el que es imposible, después de varias escuchas, no compartir voces con Lynne y Kelly Groucott.
"Mr. Blue Sky", por su parte, ejemplifica bien su amor por la obra de los Beatles y evoca, desde una portentosa melodía, los sonidos futuros de su colaboración con George Harrison en el magistral "Cloud Nine".

1. Turn To Stone
2. It's Over
3. Sweet Talkin' Woman
4. Across The Border
5. Night In The City
6. Starlight
7. Jungle
8. Believe Me Now
9. Steppin Out
10. Standin In The Rain
11. Big Wheels
12. Summer And Lighting
13. Mr. Blue Sky
14. Sweet Is The Night
15. The Whale
16. Birmingham Blues
17. Wild West Hero

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374. Weather Report – Heavy Weather (1977)



Weather Report fue un grupo de jazz-rock que estuvo activo entre 1970 y 1985; interesado en general por la fusión y liderado por Joe Zawinul, anticipó y contribuyó a la apertura musical estadounidense a las músicas del mundo.
El grupo se originó como una extensión de las grabaciones electrónicas de Miles Davis, especialmente de sus discos In a Silent Way y Bitches Brew, abiertas a la improvisación colectiva y a la combinación de elementos del jazz, del rock, del funk, de la música latina y de diversas tradiciones musicales étnicas.
El disco más exitoso de WR fue Heavy Weather (1977), en el que se incluye el tema "Birdland", considerado como un estándar del jazz. “Heavy Weather”, el LP más accesible de Weather Report en su larga carrera dedicada a la cristalización de los proyectos fusionistas del Miles Davis tardío. Pastorius ya es miembro de pleno derecho, sustituyendo a Alphonso Johnson que se lleva sus cuatro cuerdas a la banda de Billy Cobham y George Duke. Acuña sigue, pero Zawinul quiere reforzar el concepto rítmico del grupo e incorpora al percusionista latino Manolo Badrena. El resultado es un disco equilibrado y fresco, con una sorprendente pegada comercial, en temas como el archifamoso Birdland o el explosivo y funky Palladium. El Shorter mas elegante regala joyas como Harlequin, conducida por un soprano estremecedor entre las suaves ondas del sintetizador de Zawinul y con el contrapunto melódico del bajo de Pastorius. Pero es en el fulgurante Teen Town donde este último presenta su candidatura al olimpo de las grandes estrellas. Sobre un metronómico ritmo suministrado por la batería de Acuña, Pastorius desarrolla un espectacular solo de bajo, tremendamente innovador por su concepción melódica y tímbrica.

1.Birdland
2.ARemark You Made
3.Teen Town
4.Harlequin
5.Rumba Mama - (Spanish)
6.Palladium
7.The Juggler
8.Havona
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375. Muddy Waters – Hard Again (1977)



En 1976 Johnny Winter convence a su compañía discográfica para grabar un disco con el mito del blues Muddy Waters, que ciertamente estaba algo olvidado y según dicen con problemas económicos (en algún lado he llegado a leer que vivía de la beneficencia). El disco se graba en octubre de 1976, pero no sale a la venta hasta enero de 1977. Entre medias Muddy participa en "The Last Waltz", el concierto de despedida de The Band, con el tema "Mannish Boy" que también está incluido en este "Hard Again".
El disco es la vuelta del genio por todo lo alto. Acompañado de una banda indescriptiblemente buena el maestro Muddy se saca uno de los mejores álbumes de su carrera cuando ya contaba con 64 años. La energía y la rabia electrizante de este disco, que incluye clásicos como "Mannish Boy" o "I Can't be Satisfied", es insuperable y demuestra a las claras que los viejos bluesmen nunca mueren. Este disco supone el resurgir de todo un monstruo del blues.

1.Mannish Boy
2.Bus Driver
3.I Want to Be Loved
4.Jealous Hearted Man
5.I Can't Be Satisfied
6.Blues Had a Baby and They Named It Rock & Roll (#2)
7.Deep Down in Florida
8.Crosseyed Cat
9.Little Girl

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