376. Stranglers – Rattus Norvegicus (1977)
Los Stranglers siempre supieron, unas veces más afortunadas que otras, especialmente en su primera y fenomenal etapa, pero casi siempre con interés, acomodarse a las tendencias sonoras del momento.
Así, con influencias de la Velvet Underground, Television, los Kinks, Zappa, los Stones, los Doors o, en general, el garage-rock/proto-punk 60’s, pasaron con facilidad del pub rock al punk, la new wave o al pop de sintetizadores, en una larga carrera principiada a mediados de los años 70.
Llamados originalmente The Guildford Stranglers, Jet Black (batería) fundó el grupo en 1974, junto a Hugh Cornwell (vocalista y guitarrista), Jean-Jacques Burnel (vocalista y bajista) y Hans Wärmling (tecladista y guitarrista) , que fue pronto sustituido por Dave Greenfield (tecladista). Orientados en un principio hacia el pre-punk y el psychedelic rock y el sonido de los Doors, no fue hasta 1976 cuando se les identificó como uno de los pioneros del punk británico, tras telonear a los Ramones y a Patti Smith.
En 1977, y bajo la tutela de Martin Rushent, grabarán en una semana y como un live set su disco debut Rattus Norvegicus, que, publicado por United Artists, llegará al número 4 en las listas de venta británicas. El album, originalmente llamado Dead On Arrival, se convertiría en uno de los discos más vendidos de la era punk en el Reino Unido. Sus singles serían "(Get A) Grip (On Yourself)" (número 44 en la lista de singles) y "Peaches" (que llegó al número 8, a pesar de resultar censurado por la BBC.). Otras canciones destacadas son "Sometimes", "Hanging Around" y "London Lady".
1.Sometimes
2.Goodbye Toulouse
3.London Lady
4.Princess of the Streets
5.Hanging Around
6.Peaches
7.(Get A) Grip on Yourself
8.Ugly
9.Down in the Sewer
Download__________________________________________________ 377. Clash – Clash (1977)
Uno de los grupos esenciales surgidos del punk británico, un estilo caracterizado por una astrosa y provocativa estética, el retorno a las raíces del rock'n'roll, pero encolerizando su sonoridad y desplegando un sentimiento de rabia, rebeldía y reivindicación social. Fue el puntal izquierdista de esta hornada de excitantes formaciones inglesas, influenciadas por grupos americanos como Ramones, Stooges o New York Dolls.
En sus vigorosas composiciones, impregnadas de postulados líricos que ponían de manifiesto su descontento sociopolítico y las ansias de transformación juvenil, se vislumbraba un enorme talento musical, más elevado y ecléctico que la mayoría de sus colegas generacionales.
Se pusieron bajo las órdenes del mánager Bernard Rhodes que les consiguió un acuerdo con la CBS en donde publicaron el estupendo "The Clash" (1977) su primer disco grande producido por Mickey Foote que supuso un considerable triunfo británico (el disco fue publicado en EEUU hasta 1979). CBS Records había considerado que en Norteamérica el álbum difícilmente tendría éxito y, por ende, decidió no emitirlo allí. Sin embargo, durante el período de 1977 a 1978 el disco se convirtió en el más importado del año vendiendo más de 100.000 copias. La producción de este álbum costó en total solo £4.000 y alcanzó la 12ª posición en las listas Británicas.
1.Clash City Rockers
2.I'm So Bored With the U.S.A.
3.Remote Control
4.Complete Control
5.White Riot
6.(White Man) In Hammersmith Palais
7.London's Burning
8.I Fought the Law
9.Janie Jones
10.Career Opportunities
11.What's My Name
12.Hate & War
13.Police & Thieves
14.Jail Guitar Doors
15.Garageland
Download__________________________________________________ 378. David Bowie – Low (1977)
La máxima estrella del momento se encuentra deprimida, abrumada por su propio éxito, por sus glorias recientes y por el peso de las expectativas creadas, harta de la imagen que todos tiene de él. Y responde refugiándose en sí mismo, creando un disco repleto de referencias al avant garde, influido por el kraut rock alemán y por las corrientes de electrónica más avanzadas de su momento. El disco en cuestión sorprende al gran público, pero restablece sus credenciales artísticas entre la crítica.
Dejando cínicos paralelismos históricos al margen, y reconociendo la importancia capital que los colaboradores externos tuvieron en una de las declaraciones estéticas más personales y atrevidas de la carrera de David Bowie, siempre es algo más que sorprendente comprobar la intacta modernidad de “Low”, el primero y probablemente el mejor disco de la trilogía Berlinesa del dúo Bowie-Eno. Inmerso de un periodo de depresión personal, paranoia y excesos definitivamente preocupantes con la cocaína, partiendo de Paris y rematando la faena en Berlín, Bowie en “Low” llevó aún más allá el concepto de funk espacial de “Station to Station”, recogiendo por el camino nuevas e insospechadas influencias. Reclutando a Brian Eno, recuperando a Tony Visconti y manteniendo a Carlos Alomar como guitarrista estrella, la gestación de “Low” comenzó con unas intenciones radicales. Dividido el disco en una Cara A, enmarcada en dos instrumentales dinámicos, y compuesta de canciones vocales y dinámicas (pero para nada convencionales) y una Cara B cais por completo instrumental, de “ambient” extravagante y con gran influencia teutona, Bowie terminaba de exhibir su ensimismamiento personal, pero sobre todo su temerario talento artístico.
Tan moderno hoy como el ya lejano día de su creación, es la clase de obra que reconcilia con la capacidad de algunos pocos para hacer del rock una fuerza vital y aparentemente inmortal. En definitiva cuando hablamos de “Low” hablamos de una verdadera obra maestra.
1.Speed of Life
2.Breaking Glass
3.What in the World
4.Sound and Vision
5.Always Crashing in the Same Car
6.Be My Wife
7.New Career in a New Town, A
8.Warszawa
9.Art Decade
10.Weeping Wall
11.Subterraneans
Download __________________________________________________ 379. Steely Dan – Aja (1977)
El grupo pionero de pop/jazz Steely Dan ya contaba con cinco álbumes en los 40 principales estadounidenses antes de la publicación de Aja en 1977. No obstante, Aja ha demostrado ser uno de los álbumes de jazz/rock más destacables de la historia de la música popular.
Aja, (pronunciado “asia”), es el sexto disco de Steely Dan, y es considerado como la cumbre de su carrera. Se grabó entre enero y julio, y se publicó en septiembre de 1977. El álbum contó con una producción excepcional así como con la colaboración de los mejores músicos de sesión de la época, destacan especialmente nombres como Victor Feldman, Wayne Shorter, Pete Christlieb, Steve Gadd, Larry Carlton o Lee Ritenour.
El primer single extraído del álbum fue “Peg” que apoyado en su irresistible ritmo funky llegó al undécimo puesto de las listas norteamericanas. En el trabajo más vendido de Steely Dan destaca de forma especial el tema homónimo del disco, ocho minutos que constituyen una pequeña sinfonía dedicada a la mística de Oriente. La canción se desarrolla como un sueño delicado tejido por el saxo de Wayne Shorter, que se transforma paulatinamente en un potente poema épico donde sobresale la magistral batería de Steve Gadd.
La creación de esta leyenda es un vivo retrato de una grabación de los setenta, que sigue siendo hoy tan actual y memorable como en el momento de su publicación hace más de treinta años.
1.Black Cow
2.AJA
3.Deacon Blues
4.Peg
5.Home at Last
6.I Got the News
7.Josie
Download__________________________________________________ 380. Wire – Pink Flag (1977)
Banda post-punk británica compuesta por el cantante y guitarra Colin Newman, el guitarrista Bruce Gilbert, el bajista y vocalista Graham Lewis y el batería Robert Gotobed.
Formados en 1976 debutaron un año después en el sello Harvest con el magnífico "Pink Flag" , publicado originalmente en 1977 una verdadera joya del punk rock progresivo, esta grabación de corte minimalista seria remasterizada en los años noventa y es ésta última remasterización la que les hago llegar. Un excelente disco con una calidad de sonido difícilmente logrado por los grupos punk de la época y que ha influenciado gran variedad de bandas y estilos de la música rock, especialmente sobre grupos como Elastica, Menswe@r, The Urinals, The Minutemen, R.E.M. (que versionó "Strange" en su álbum Document ) y más recientemente Bloc Party, The Futureheads y Franz Ferdinand. Ian MacKaye de la banda de punk hardcore Minor Threat es también un gran seguidor de Wire, y su grupo versionó una de sus canciones, "12XU," en su álbum Complete Discography. Big Black interpretó el "Heartbeat" de Wire en dos ocasiones, una en versión de estudio, publicada como single (el single fue también incluido en el disco recopilatorio Rich Man's Eight Track Tape), y también como versión en vivo incluida en el video del álbum Pigpile.
1. Reuters
2. Field Day For the Sundays
3. Three Girl Rhumba
4. Ex Lion Tamer
5. Lowdown
6. Start to Move
7. Brazil
8. It's So Obvious
9. Surgeon's Girl
10. Pink Flag
11. Commercial, The
12. Straight Line
13. 106 Beats That
14. Mr. Suit
15. Strange
16. Fragile
17. Mannequin
18. Different to Me
19. Champs
20. Feeling Called Love
21. 12XU
22. Options
Download__________________________________________________ 381. John Martyn – One World (1977)
Este impresionante personaje de origen escocés nacido el 11 de septiembre de 1948,ha grabado la friolera de 24 discos y colaborado con músicos tan ilustres como Eric Clapton, Steve Winwood y David Gilmour. Un hombre con una dura vida en lucha contra el alcohol, en 2006 debido a un quiste se le amputo una pierna, lo que no hizo que se alejara de los escenarios. Su particular estilo, una mezcla de folk y jazz cercano a artistas como Tim Buckley Y Nick Drake nos han dejado una buena dosis de genialidad y personal estilo a traves de discos como "Solid Air","Grace And Danger","Inside Out" y el que aquí nos ocupa "One world". Unos de sus discos más experimentales con atmosferas muy espaciales, mezcladas con sutileza a ritmos jazz y reggae colaborando en la obra gente tan dispar como Lee Perry y Steve Winwood.Un disco para saborear en un momento de relajación sin llegar al adormecimiento. Todo ello coronado por una magnifica portada de "Tony Wright" creador de portadas míticas para Traffic,Bob Marley o Bob Dylan entre otros.
1. Dealer
2. One World
3. Smiling Stranger
4. Big Muff
5. Could'nt Love You More
6. Certain Surprise
7. Dancing
8. Small Hours
Download__________________________________________________ 382. Talking Heads – 77 (1977)
Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos son los Talking Heads, ejemplo arquetípico de banda neoyorquina de rock intelectual y esnob. Esta banda fue una de las más representativas bandas de rock new wave, con elementos de estilos como el punk rock y el funk predominante en el ambiente británico, el cual influenció y sigue influenciando la música popular.
Encabezado por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos. Puede resumirse su estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme "Stop Making Sense", que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.
77 es un disco muy representativo de lo que se dio en llamar new wave, de inspiradas melodías construidas sobre un sencillo pero vitamínico acompañamiento musical a base de guitarra, bajo, batería y teclados que incorporaba unas letras irónicas de regusto arty escupidas por el neurótico de David Byrne. Eran los tiempos de la new wave, de los conciertos en el CBGB, del punk y de los Ramones.
De esta forma iniciaba esta banda que lograría adoptar un estilo muy original y distinto a lo habitual del período, codeándose con grupos de New Wave como The Police y consiguiendo éxito mayor en la década de los ochenta.
1. Uh-Oh, Love Comes to Town
2. New Feeling
3. Tentative Decisions
4. Happy Day
5. Who Is It?
6. No Compassion
7. Book I Read, The
8. Don't Worry About the Government
9. First Week/Last Week...Carefree
10. Psycho Killer
11. Pulled Up
Download__________________________________________________ 383. Fleetwood Mac – Rumours (1977)
Rumours es un álbum conceptual de rock and roll, grabado por Fleetwood Mac en 1977, que continuó con el éxito obtenido con el disco homónimo Fleetwood Mac (el primero que se grabó con estos miembros). El álbum fue grabado el 3 de marzo de 1976, mientras la banda promocionaba el sencillo Rhiannon, aunque publicado casi un año después.
Con "Rumours" alcanzaron su punto más álgido, un Lp que no sorprende por su inventiva ni originalidad, pero que indudablemente contiene once piezas óptimamente trabajadas a nivel compositivo, generalmente de basamento agridulce y de cómoda escucha, lo que explica su tremendo éxito en todo el mundo, especialmente en los Estados Unidos. Las canciones del álbum reflejan las tensiones personales que existían dentro del grupo, cuando Buckingham y Nicks por un lado, y los MacVie por otro, estaban en proceso de separación. Para 2006 este disco había vendido 19 millones de copias, siendo fue certificado por la Recording Industry Association of America como el tercer álbum con más ventas en los años 1970. Rumours ganó el premio Grammy en 1978 como mejor álbum del año, y se mantuvo por 31 semanas en la cartelera norteamericana Billboard
1.Second Hand News
2.Dreams
3.Never Going Back Again
4.Don't Stop
5.Go Your Own Way
6.Songbird
7.Chain, The
8.You Make Loving Fun
9.I Don't Want to Know
10.Oh Daddy
11.Gold Dust Woman
Download__________________________________________________ 384. David Bowie – Heroes (1977)
David Bowie dejando atrás su período glam y su autodenominada fase de plastic soul para profundizar y experimentar en los sonidos electrónicos junto a su amigo Brian Eno, ex componente de Roxy Music. La mejor ciudad para inspirarse en este tipo de universos sónicos sin duda era Berlín, capital germana y patria de los Kraftwerk, en donde grabó la denominada "trilogía de Berlín", comenzada con "Low" y finalizada con "Lodger". En medio, se encuentra "Heroes".
Este es un disco dividido entre seis canciones y cuatro piezas instrumentales, que claramente definen la aportación de cada artista en el disco. El álbum se inicia con dos canciones techno-pop tituladas "Beauty and the beast" y"Joe the lion", dos temas de ritmos bailables y letras un tanto absurdas en unas composiciones musicales bastante mediocres e iterativas, destacadas por el tratamiento en las texturas sónicas.
El mejor corte del Lp es su tercer corte, "Heroes", una excelente y romántica balada convertida en gran clásico dentro del extenso repertorio del camaleón, con un tempo hipnótico y una intensa emocionalidad. Otros temas de este sobrevalorado disco son "Sons of the silent age", un disfrutable pero tema menor con logradas armonías de Bowie, Tony Visconti, Brian Eno y Antonia Maas y "Blackout", una intrascendente canción con un buen tratamiento a la guitarras de Robert Fripp y Carlos Alomar.
El recorrido de este Lp está plagado de sintetizadores interpretados por Eno, cuyo sonido encantará a los aficionados a este tipo de instrumentos, pero puede dejar indiferente al degustador del Bowie en su etapa Ziggy Stardust. La última canción del disco es "The secret life of arabia", elegante aunque poco destacada melodía pop con ramalazos funk y coros de Antonia Maas.
La aportación principal de Brian Eno se encuentra en la segunda mitad del álbum, co-escrita en buena parte entre Bowie y el ex Roxy Music (al igual que "Heroes" ). Ofertan un tributo a Florian Schneider (miembro de Kraftwerk) con "V-2 Schneider" y desarrollan valiosos pasajes ambientales a lo largo de estimables piezas atmosféricas de corte futurista y apocalíptico como "Sense of doubts" o "Moss Gardens". A destacar el fenomenal trabajo en todo el album del guitarrisa Robert Fripp, líder de los King Crimson, quien eleva en ciertos pasajes la flojedad de muchas composiciones. La producción está compartida por Bowie (quien también se luce a veces con el saxo) y Tony Visconti.
Si bien “Low” mantuvo el filón comercial del artista, tanto este como “Heroes” no destacaron en lo comercial, aunque fueron inmensamente alabados por la crítica oficial y serían un eslabón decisivo entre la electrónica y la música pop por venir en la década de los 80. Bandas y solistas pioneros como Gary Numan, Joy Division, Bauhaus, o posteriormente Nine Inch Nails, reconocerían la directa influencia e inspiración de estos álbumes.
1. Beauty and the Beast
2. Joe the Lion
3. Heroes
4. Sons of the Silent Age
5. Blackout
6. V-2 Schneider - (German)
7. Sense of Doubt
8. Moss Garden
9. Neukoln
10. The Secret Life of Arabia
11. Abdulmajid
12. Joe The Lion
Download__________________________________________________ 385. Dennis Wilson – Pacific Ocean Blue (1977)
Dennis Wilson fue el hermano mediano de los Wilson y batería de los Beach Boys, uno de los grupos más influyentes de la música popular de todos los tiempos, en una época dorada, los 60, en que Rock and Roll y Pop eran uña y carne, pero posteriormente, a partir de los 70, ambos estilos se distancian, y salvo honrosas excepciones, los grupos o hacían Pop o hacían Rock, y la magia poco a poco se desvaneció, con la consiguiente pérdida de la inocencia de una música que en su día puso el mundo patas arriba a base de enérgicas canciones con la mirada puesta en el estribillo y la melodía perfecta.
Diez años después de la obra magna de Beach Boys, “Pet Sounds” un Dennis Wilson que siempre había pasado desapercibido parapetado tras la batería, sentía la necesidad de escribir sus propias canciones y volar en solitario, y de la noche a la mañana el espíritu libre de los Beach Boys, el más salvaje, el indolente “punk” que jugueteó con la familia Manson (amigo íntimo de Charles Manson por algún tiempo) siempre a la búsqueda de la fiesta sin final, pasó de estar eclipsado por el enorme talento de su hermano mayor (Brian), a elevarse como un músico, cantante e intérprete único, capaz de emocionar con su ronca voz y sus asombrosas canciones repletas de alegría, tristeza, amor, desamor y en definitiva, canciones repletas de vida.
En 1977 sale a la luz “Pacific Ocean Blue”, no solo el primer LP de Dennis Wilson, también es el primer disco de un Beach Boy en solitario, y el resultado impresiona a la primera escucha. Es un trabajo elaborado, con ricos arreglos, pero al mismo tiempo suena tan fresco y accesible como el disco de Rock and Roll más directo. “Pacific Ocean Blue” se grabó en los estudios del sello Brother (propiedad de los hermanos Wilson) en California, colaboraron viejos amigos y compañeros (su hermano menor Carl Wilson, Greg Jakobson, Bruce Johnston...), Dennis escoge a los mejores músicos de sesión (Hal Blaine de la Wrecking Crew de Phil Spector, Ed Carter, Jamie Jamerson...). Las canciones están llenas de suntuosos arreglos de vientos, percusiones, delicados teclados, e incluso hay un coro gospel que ensalza las canciones. A pesar de todo, los arreglos no abruman, no hay “lifting” musical alguno, y todo suena con una naturalidad apabullante. Son 12 temas que tocan la fibra sensible, desde la inicial “River song” con esas sensibles notas iniciales de piano, la entrada del coro al completo, y la voz de un Dennis Wilson que es un torrente de emoción pura. Más festiva resulta “What's wrong”, sobre una portentosa sección de vientos Dennis, en sus propias palabras, nos hace creer en el Rock and Roll. Con canciones como “Thoughts of you”, una de las mejores bandas actuales como Wilco, venderían su alma al diablo. Aunque Dennis tiene su propio estilo único y verdadero, ha tomado buena nota de su genial hermano mayor Brian Wilson, y “Time” es una buena prueba de ello, de una desnudez y belleza poco frecuentes. En definitiva, todas las canciones tienen su universo propio, crean adicción y muestran nuevos matices en cada nueva escucha, que varían según el cambiante estado de ánimo. “Pacific Ocean Blue”, unánimemente fue aclamado por lo crítica especializada. Había vendido 300.000 copias, y llego a puesto #96 en U.S., sin embargo estuvo agotado e imposible de conseguir durante más de una década, excepto como un artículo de coleccionistas caro o de contrabando. El 17 de junio del 2007, se lanzó una versión por el aniversario 30, por la discográfica Sundazed.
1.River Song
2.What's Wrong
3.Moonshine
4.Friday Night
5.Dreamer
6.Thoughts Of You
7.Time
8.You And I
9.Pacific Ocean Blues
10.Farewell My Friend
11.Rainbows
12.End Of The Show
Download__________________________________________________ 386. Suicide – Suicide (1977)
Alan Vega y Martin Rev se conocen en 1971, al frecuentar los círculos artísticos de la Gran Manzana. Con las mínimos elementos –algún teclado, algo para generar ritmos y ruido..., forman un dúo con mayor vocación expresionista que musical. Sus shows suelen ser recibidos con sonoros abucheos, dado el sonido poco convencional del proyecto, bautizado como Suicide. La explosión del punk a mediados de la década promueve la escena de bandas locales, por lo que el dúo consigue grabar su primer álbum. El resultado es ‘Suicide’ (1977), una obra de referencia en la historia del rock que capta el espíritu transgresor de aquellos días desde una óptica más plástica.
Suicide nunca obtuvo el éxito comercial, pero siempre conto con el beneplácito de la crítica, mientras su influencia se deja notar en toda la estirpe tecno-pop durante los ochenta, así como en las chirriantes huestes del rock industrial y otros conceptos musicales extremos.
La influencia de Suicide se puede percibir en el post punk, el indie rock, la música industrial y el dance. Entre otros, Henry Rollins, Soft Cell, The Fleshtones y R.E.M. han mencionado a Suicide como una de sus principales influencias. Por otro lado, la huella de Suicide es perceptible en canciones de Springsteen como "Mr State Trooper", del álbum "Nebraska". También es muy conocida la amistad de Alan Vega con el líder del grupo gótico británico The Sisters Of Mercy, Andrew Eldritch: en el "run-out groove inscription" de los simples de los Sisters hay varias dedicatorias a Vega, como "for Alan Vega". En 1986 Alan Vega participò en "Gift", un E.p. de The Sisterhood, el grupo de Andrew Eldritch.
1. Ghost Rider
2. Rocket U.S.A.
3. Cheree
4. Johnny
5. Girl
6. Frankie Teardrop
7. Che
8. Cheree - (remix)
9. I Remember
10. Keep Your Dreams
Download__________________________________________________ 387. Iggy Pop –The Idiot (1977)
Seductora colaboración entre David Bowie (en faceta de producción y composición) e Iggy Pop, en la cual se aprecian los sofisticados tanteos sónicos que estaba realizando el primero en la ciudad de Berlín junto a su buen amigo Brian Eno ("The Idiot" fue asimismo grabado en la capital germana).
La ferocidad punk-rockera y el estilo vocal de Iggy en los Stooges se ve modificada en este disco por unos temas de texturas electrónicas con ecos de Kraftwerk, iterativos pero fascinantes ritmos tapizados por una calma, elegante y profunda voz de modalidad barítona.
Este fue el álbum debut de Iggy Pop como solista (Ex The Stooges), la música (principalmente de Bowie) y las letras (a cargo de Iggy) exponen el estado de experimentación de ambos personajes, captando una insinuante, decadente y sombría atmósfera, desarrollada en sensacionales piezas como "Nightclubbing", "Funtime", "Baby", "Dum Dum Boys", "Sister midnight" o la famosa "China Girl", posteriormente revisitada en los años 80 por el propio Bowie en el Lp "Let's dance".
A pesar de su ánimo lúgubre y sombrío, la resurrección de Iggy Pop está aquí, en “The Idiot, una obra en la que, después de perder la guerra del rock, la cordura y las emociones, el cantante admite no tener nada en el mundo, pero, al mismo tiempo, nada que perder. Este disco prefigura los experimentos formales que Bowie desarrolló a finales de la década del 70, además del postpunk inglés desde Wire hasta Joy Division.Pero, antes que nada, "The Idiot" es un disco donde el dolor más profundo se convierte en un pretexto más para seguir creando y, en consecuencia, seguir viviendo. Canciones perfectas para perder una guerra y volver a casa con una botella de cerveza bajo el brazo y una sonrisa torcida en la cara.
Cómo dato de morbo, este disco era escuchado por Ian Curtis, cantante y compositor del grupo Joy Division, mientras se suicidaba.
1.Sister Midnight
2.Nightclubbing
3.Funtime
4.Baby
5.China Girl
6.Dum Dum Boys
7.Tiny Girls
8.Mass Production
Download__________________________________________________ 388. Peter Gabriel – Peter Gabriel 1 (Car) (1977)
En Febrero de 1977, en plena eclosión Punk Rock, Peter Gabriel iniciaba en Toronto su brillante carrera como solista. El prolífero y trascendente productor Bob Ezrin sería el encargado de plasmar en un álbum las ideas musicales de uno de los más originales y grandes músicos de la historia. Su liderazgo en una de las bandas de rock progresivo más importantes de los 70’s como Genesis, eran historia pasada. Los sonidos, la estética y el concepto musical habían cambiado mucho en esta etapa de transición hacia la nueva década.
Inquieto artísticamente, sagaz e inspirado, Peter Gabriel no entraría al estudio a reproducir el sonido Genesis de ninguna manera. Ezrin fue el catalizador de su particular arte, una marca registrada para cualquier oyente que al instante de escuchar unas pocas notas y su primera frase lo reconoce rápidamente. Solo Peter Gabriel suena a Peter Gabriel, sin medias tintas.
Tony Levin, Robert Fripp y Larry Fast, uno de los magos más importantes de la construcción sonora con sintetizadores, son algunos de los músicos de Elite que acompañan a Gabriel en el disco. Para tomar la real dimensión circundante a Gabriel, todos estos talentos estaban coordinados por la persona que un año antes del glorioso debut de Peter, produjo Destroyer de Kiss, y un año después, The Wall junto a Waters y Gilmour. Nada menos!
Peter Gabriel 1, o “Car”, como lo llaman sus fans, es una verdadera obra maestra del Rock. Un disco que el mismo Gabriel jamás pudo superar, aunque en los 80’s se cansara de vender discos con “Sledgehammer” de la mano de Daniel Lanois. Tambien incursionara en la World Music de manera muy distintiva y siempre nos entregara discos de altísima calidad, pero nunca volvió a conjugar “Arte, estética, y sonido” como en este álbum.
1. Moribund The Burgermeister
2. Solsbury Hill
3. Modern Love
4. Excuse Me
5. Humdrum
6. Slowburn
7. Waiting For The Big One
8. Down The Dolce Vita
9. Here Comes The Flood
Download__________________________________________________ 389. Television – Marquee Moon (1977)
Marquee Moon de Television es uno de esos llamados discos de culto, incluido innumerables veces entre los mejores de la historia y uno de los pocos que grabó el grupo, de efímera existencia.
Su líder, Tom Verlaine, pianista y guitarrista, se trasladó a New York desde su natal New Jersey y se integró al ambiente artístico contracultural del este de esa ciudad. Conoció a Patti Smith y colaboró con ella en varios proyectos. Posteriormente formó Television con Richard Lloyd, también guitarrista, Fred Smith, bajista y cantante, y Billy Ficca, baterista. Con esta formación se grabó el disco.
El sonido de Television es esencialmente punk, pero la influencia cultural de New York los acercó al art rock, concepto que tiene que ver con la multidisciplina en el arte, abriendo todas las posibilidades de fusión de elementos de este. Podría decirse que Andy Warhol, es el precursor de esta idea del arte.
El álbum está dotado de un sonido que se basa en el entrecruzamiento de las guitarras de Verlaine y Lloyd, la voz lastimera y sarcástica de Tom, una base rítmica consistente y unas letras de alta calidad poética.
Entre los cortes destacan la abridora See No Evil, punk enérgico sostenido en las guitarras y la voz que no dejan espacios para el silencio; Venus, con el sonido típico del grupo, rock semilento que permite incluir la métrica difícil de la poesía de Verlaine; Marquee Moon, la clásica con que se reconoce al grupo; Elevation, muy influida por los sonidos del glam rock, Roxy Music en especial; Prove It, con evidente influencia de Lou Reed, pero con la voz de Verlaine y Torn Curtain, el del cierre, punk bluseado, en donde la voz de Tom se aprecia a plenitud.
Verlaine realmente se apellida Miller, pero como admirador de Paul Verlaine, el poeta maldito francés, tomo prestado el nombre. Siguió una carrera solista que resulta de sumo interés, alejado del punk. Desarrolló propuestas vanguardistas que vale la pena explorar.
“Marquee Moon” es uno de los discos debut más importantes de la historia del rock, aparece en la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 128, si bien al momento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en el chart británico, el álbum no ha vendido muchas unidades en Estados Unidos, haciendo de Marquee Moon, sin embargo, un álbum de culto y uno de los más importantes de la escena de Nueva York.
En 2003 el álbum fue considerado por el New Musical Express como el cuarto mejor disco de todos los tiempos, en el mismo año la cadena televisiva VH1 lo colocó en puesto número 83 de los mejores discos de la historia. Pitchfork Media lo colocó como el tercer mejor disco de la década del 70.
01. See No Evil
02. Venus
03. Fiction
04. Marquee Moon
05. Elevation
06. Guiding Light
07. Prove It
08. Torn Curtain
Download__________________________________________________ 390. Meat Loaf – Bat Out of Hell (1977) 
Bat out of Hell es un álbum de 1977 del cantante Meat Loaf, del escritor Jim Steinman y del productor Todd Rundgren que se ha convertido en uno de los discos más vendidos a nivel mundial.
El álbum surgió a partir de un musical, Neverland, una adaptación de estilo ciencia ficción de la historia de Peter Pan, la cual Steinman escribió para un taller llevado a cabo en el Centro John F. Kennedy en 1977. Steinman y Meat Loaf, quienes se encontraban viajando con el espectáculo de la revista National Lampoon, sintieron que tres canciones del musical eran "excepcionales" y Steinman comenzó a desarrollarlas como parte de un proyecto de siete canciones que querían transformar en un álbum. Las tres canciones eran "Bat out of Hell", "Heaven Can Wait" y "The Formation of the Pack", la cual sería renombrada "All Revved Up With No Place to Go".
En 1993, Steinman expresó que el álbum es "eterno en el sentido de que no cabía dentro de ninguna tendencia. Nunca ha sido parte de lo que está pasando. Podrías lanzar el disco en cualquier época y estaría fuera de lugar"
Hasta 2007, había vendido un estimado de 34 millones de copias, y continúa vendiendo aproximadamente 200.000 por año. La revista Rolling Stone lo colocó en la posición 343 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Su estilo musical está influenciado por la apreciación de Steinman de Richard Wagner, Phil Spector y Bruce Springsteen.
En 2006 obtuvo la novena posición en una encuesta realizada por Australian Broadcasting Corporation para descubrir cuál era el álbum más popular de Australia. En noviembre de 2007, Meat Loaf fue galardonado con el premio al Álbum Clásico en la Lista de Honor del Rock Clásico de Classic Rock.
1.Bat Out of Hell
2.You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night)
3.Heaven Can Wait
4.All Revved up With No Place to Go
5.Two Out of Three Ain't Bad
6.Paradise by the Dashboard Light
7.For Crying Out Loud
Download__________________________________________________ 391. Elvis Costello – My Aim is True (1977) 
Un británico, nacido musicalmente en los 70, en plena New Wave, lleva la música en las venas. Costello es uno de esos tipos que te sorprende de vez en cuando con un disco nuevo y diferente a lo que ha grabado anteriormente.
"My aim is true" es uno de los discos más rockeros de Elvis Costello, uno de los últimos grandes genios que ha dado el rock en las últimas décadas. En este álbum,, detectamos ritmos del genuino rock de los años 50 ("Mystery dance" ), otros típicos de guateques de los 60, algunos guitarreos blueseros, guiños country e incluso un tema reggae ("Watching the detectives" ). Pero básicamente, "My aim is true" es mucho rock.
Elvis Costello parece sumarse al carro del estilo que encabeza entre otros, Springsteen, con "The wild, the innocent & the E Street Shuffle" (1973), o el ya posterior "The river"(1980). ("Miracle man", "No dancing", "I´m not angry", entre otros.)
"Welcome to the working week", "Miracle man", "Allison", "Less than zero"... son un buen señuelo para poner nuestra atención en una de las perlas de Costello, en la que el polémico y singular incendiario de mentes ermitañas, se pone al nivel de los mejores, en cada estilo que interpreta. Este su álbum debut tuvo un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top 40 en Estados Unidos) Siempre a la vanguardia, con todos ustedes, Elvis Costello, uno de los imprescindibles.
1.Welcome to the Working Week
2.Miracle Man
3.No Dancing
4.Blame It on Cain
5.Alison
6.Sneaky Feelings
7.(The Angels Wanna Wear My) Red Shoes
8.Less Than Zero
9.Mystery Dance
10.Pay It Back
11.I'm Not Angry
12.Waiting For the End of the World
13.Watching the Detectives
Download__________________________________________________ 392. Iggy Pop – Lust for Life (1978) 
Tras su anterior grabación conjunta titulada "The Idiot", la pareja David Bowie y uno de sus grandes ídolos musicales, Iggy Pop, el ex líder de los Stooges, vuelven al estudio de grabación para realizar uno de los mejores trabajos de la más famosa iguana de Ypsilanti.
Gracias a la producción y composición musical en muchos temas de Bowie, que también colabora en piano y coros, el ejemplar dúo rítmico de Tony y Hunt Sales y las guitarras de Carlos Alomar y Ricky Gardiner, Iggy Pop graba un cimbreante disco de sobresaliente ejecución vocal, abierto con el vertiginoso compás del clásico "Lust for life", al que siguen arrebatadoras canciones pop de tenue maquillaje rock, como la sensual, dominada por un pegadizo riff, "Sixteen", el rock de abrumadora carga energética de "Some Weird Sin", el hipnótico recorrido del clásico "The Passenger", "Tonight", pieza que posteriormente el camaleónico artista británico versionaría junto a Tina Turner (en una adaptación inferior a la de Iggy) o la canción que cierra el disco de alegre y sugerente ritmo de teclado, cantada con un gran cinismo por Iggy y titulada "Fall in love with me".
De Iggy Pop este álbum es el más reconocido por los críticos, además de ser el álbum más comercialmente popular hasta la fecha, y sigue siendo su mayor referente en las listas de ventas en Reino Unido. La canción que da título al álbum atrajo nuevamente los reflectores dos décadas más tarde, cuando apareció en la banda sonora de la película Trainspotting (1996).
1.Lust For Life
2.Sixteen
3.Some Weird Sin
4.The Passenger
5.Tonight
6.Success
7.Turn Blue
8.Neighborhood Threat
9.Fall in Love With Me
Download__________________________________________________ 393. Ian Dury – New Boots & Panties!! (1977) 
Ian Dury, nacido en Essex en 1942, figura de culto del rock & roll, y padre de uno de sus más celebrados eslóganes (“sexo, droga y rock and roll”). De niño sufrió la polio, lo que condicionó su capacidad física. Pero a pesar de los consejos médicos, decidió primero estudiar arte y después fundar grupos de rock.
Con el apoyo de Charlie Gillet, inició sus primeras grabaciones, que desembocarían en un contrato con Stiff Records, sello clave de los 70 en el Reino Unido. Y en 1977 grabó, junto a su grupo The Blockheads, este New boots and panties!!, un disco ecléctico, (rock’n’roll, pop new wave, music hall, que adelantaba la new wave como alternativa al punk.) y simpático (el sentido del humor de Dury es siempre apreciable en su escritura) que se convirtió en un gran éxito en Inglaterra gracias a temas como “Sweet Gene Vincent” o “Wake up and make love to me”, cortes escritos por Dury junto a Chaz Jankel, habitual colaborador en la composición y ex componente también de Kilburn and The High Roads.
Fuera del LP (en reediciones posteriores se añadirían a los discos como bonus tracks) y en formato single, Ian editó singles como “What a Waste” (número 5 en Inglaterra), el mítico y bailable tema “Sex and drugs and rock’n’roll”, “Hit me with your rhythm stick”, canción que llegó al número 1 en Gran Bretaña, o “Reason to be cheerful” (número 3). Las canciones de este álbum fueron grabadas por conocidos artistas británicos e irlandeses como homenaje a Ian Dury, que falleció en 2000 tras una larga enfermedad.
1. Wake up and Make Love With Me
2. Sweet Gene Vincent
3. I'm Partial to Your Abracadabra
4. My Old Man
5. Billericay Dickie
6. Clevor Trever
7. If I Was With a Woman
8. Blockheads
9. Plaistow Patricia
10. Blackmail Man
11. Sex and Drugs and Rock and Roll
12. Razzle in My Pocket
13. You're More Than Fair
14. England's Glory - (live)
15. What a Waste
Download__________________________________________________ 394. Sex Pistols – Never Mind the Bollocks, Here’s the… (1977) 
Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue el primer y único álbum de estudio de la legendaria banda punk Sex Pistols. A día de hoy es considerado uno de los trabajos musicales más influyentes del punk y el rock and roll en general.
El álbum fue editado en el Reino Unido el 28 de octubre de 1977 por la discográfica Virgin Records causando inmediatamente controversia por la inclusión de la palabra "Bollocks" (testículos en inglés británico informal) en el título. Sin embargo, mucho mayor fue la controversia generada por las letras de "Anarchy in the U.K." y "God Save the Queen", así como el arte de portada de Jamie Reid para el sencillo de esta última. Ambas canciones fueron marcadas como insultos a la sociedad civil y a la monarquía y particularmente "God Save the Queen" hacia la reina Isabel II. Ante esto, el vocalista Johnny Rotten y el gutarrista Steve Jones insistieron en afirmar que el ataque no era hacia la reina en particular sino que hacia el gobierno británico en general. De cualquier manera, la controversia no hizo más que aumentar las ventas del álbum.
Never Mind the Bollocks también marcó un punto de inflexión en el punk rock por la producción musical. Llegó pronto al # 1 en la lista británica de álbumes más vendidos, sin embargo, en la lista estadounidense de Billboard solo llegó al # 106. En 1998, los lectores de la Revista Q lo votaron como mejor álbum de la historia, mientras que en 2000 la misma revista lo colocó # 10 en su lista de los 100 mejores discos británicos de todos los tiempos. En 2001, el canal VH1 lo colocó # 17 en una lista similar. Por su parte, Rolling Stone lo calificó en 1987 como el segundo álbum más importante de los últimos 20 años, por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles y lo posicionó # 41 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de 2003. Finalmente, los lectores de Kerrang! lo calificaron como el mejor álbum de la historia del punk.
En general, gran parte de los críticos y músicos consideran a Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols como uno de los discos más importantes de la historia del punk rock.
1.Holidays in the Sun
2.Bodies
3.No Feelings
4.Liar
5.Problems
6.God Save the Queen
7.Seventeen
8.Anarchy in the U.K.
9.Sub-Mission
10.Pretty Vacant
11.New York
12.EMI
13. Streets Of London
Download__________________________________________________ 395. Pere Ubu – Modern Dance (1978) 
Pere Ubu , una de las bandas más grandes (y más creativas) de todos los tiempos, con David Thomas, uno de los vocalistas más grandes (y más excéntricos) de todos los tiempos, The Modern Dance (1978), una de las grabaciones más importantes en historia de la música rock, fue, antes que nada, el fresco de una civilización a la orilla del colapso. También fue la banda sonora del colapso nervioso, tanto individual como colectivo.
Pere Ubu lanzó un bacanal ensordecedor de eslóganes crípticos, vocales agonizantes, golpes discordantes, distorsiones electrónicas y pulsaciones primitivas. El "baile moderno" era el baile grotesco de cuerpos poseídos por los espasmos de la alineación industrial y el letargo posindustrial. La carga visceral crítica de música tribal antigua fue transpuesta al ambiente y a la cadencia de la fábrica. Las canciones eran orquestadas con interludios en forma libre, grupos de sonido "concretos" y electrónicos, y explosiones repentinas de ruido, pretendiendo evocar el movimiento cíclico, las ráfagas humeantes y el rugido amenazante de las máquinas, así como los lamentos inorgánicos del grupo de trabajadores y el decaimiento apático de sus mentes. El vibrato demente y llanto sonámbulo de Thomas, que parecía la burla al estilo enfático de la protesta, aumentaba el sentimiento de locura. Su ferviente balbuceo (abarcando la gama desde el estilo de Frank Sinatra al falsete de Marvin Gaye al rugido de Howling Wolf al delirio de Captain Beefheart) pintaba el retrato de una psique atormentada. Mientras tanto, Allen Ravenstine fermentaba el rol de los teclados en la música rock, trayendo una revolución comparable a la que empezó Brian Eno unos cuantos años atrás. Su estilo anti sensacionalista se basaba en una atmósfera más que en técnica, un sonido "sucio" preferente y no ortodoxo sobre la melodía. Las canciones más estructuradas fundaron un nuevo tipo de lied absurdo. Las canciones menos estructuradas estaban en la frontera entre la música de cámara para utensilios de cocina, líneas de sintetizador discordantes y sobredosis psicodélicas. Esto es música folk para la edad industrial, una síntesis extrema de los Velvet Underground, Pink Floyd y los héroes locales los Stooges.
Su atractivo surge de esa tirantez entre el rock más primitivo y el art-rock más futurista. Este disco escenificaba una tensión no resuelta entre el horror y la atracción frente al paisaje urbano, en cualquier caso, esto es futurismo rock, excelente, de superior calidad.
1. Nonalignment Pact
2. Modern Dance
3. Laughing
4. Street Waves
5. Chinese Radiation
6. Life Stinks
7. Real World
8. Over My Head
9. Sentimental Journey
10. Humor Me
Download__________________________________________________ 396. Kraftwerk – Man Machine (1978) 
En mayo de 1978 Kraftwerk lanzó The Man-Machine, El álbum fue grabado en Kling Klang. Durante la grabación del álbum, el grupo se sentaría detrás de la consola de mezclas de Kling Klang y dejaron los secuenciadores y el equipamiento del estudio tocando melodías. Florian Schneider se levantaría y se movería hacia un secuenciador y lanzaría otra secuencia musical. Este fue el estilo de improvisación de Kraftwerk. Este proceso se repetiría hasta que las pistas se acumularon en canciones. Debido a la complejidad de la grabación, el álbum fue mezclado en Rudas Studio, en Düsseldorf. Los dos ingenieros de mezclas Joschko Rudas y Leanard Jackson, desde Los Ángeles, fueron encargados para mezclar el álbum. La portada del nuevo álbum fue producido en blanco, negro y rojo, el arte de portada estaba inspirado por el arista ruso, El Lissitzky. La imagen del grupo en la portada fue fotografiada por Gunther Frohling. Mostraba al grupo vestido con camisas rojas y corbatas rojas. Siguiendo el lanzamiento de The Man-Machine, Kraftwerk no lanzaría otro álbum hasta otros tres años más.
La influencia de Krafwerk en la música no sólo techno sino pop europeo desde los años 1970´s y 80´s es indiscutible. Los grandes alquimistas del pop rock europeo tuvieron que reconocerlo por la fascinación que les causaba la banda de Ralf Hütter y Florian Schneider. David Bowie dedicó un track a Scheider en su disco experimental de aquellos años, "Heroes"; Brian Eno también, entre otros como Siousxie and the banshees. Con el auge del post-punk vino el Industrial que siempre fue música muy under que a lo sumo se bailaba en discos under y sólo algunos djs entendidos exportaron durante fines de los 80´s y 90´s a estas tierras. Si no hubiera sido por Kraftwerk muchos géneros no existirían.
1. The Robots
2. Spacelab
3. Metropolis
4. The Model
5. Neon Lights
6. The Man-Machine
Download__________________________________________________ 397. Blondie – Parallel Lines (1978) 
De origen neoyorquino, el grupo inició su andadura musical en 1975 junto a otras bandas locales como The Ramones, dentro del recién surgido movimiento punk-rock. Sus primeros conciertos en la sala CBGB supusieron una plataforma para dar a conocer a la banda en Nueva York.
Tras editar un par de álbumes ("Blondie", "Plastic Letters" ) con singles de modesto éxito ("X offender","In the flesh" o la popular "Denis", que les abrió las puertas del mercado europeo) en 1978 sale a la venta su tercer trabajo, el álbum Parallel Lines: un compendio de sonidos a medio camino entre el punk rock, el Soft Rock y el sonido de la música disco que por aquel entonces comenzaba a causar furor a ambos lados del Atlántico. El éxito de este álbum a nivel mundial, y particularmente en Gran Bretaña, Estados Unidos y Japón, se debió a la popularidad de algunas de sus canciones, tales como: "Heart of Glass" (que alcanzó simultáneamente el número 1 en las listas inglesas y estadounidenses), "Sunday girl", "Picture This" o One Way or Another. Destacar también su tema "Hanging on the telephone", versión de The Nerves.
"Heart of glass", el tema estrella de "Parallel lines", abrió una nueva vía en el sonido de la banda: Clem Burke, batería del grupo, ha comentado que lo que comenzó siendo una melodía con ritmo reggae terminó convirtiéndose en un tema disco, cuya base rítmica imitó a partir de algunos cortes de la banda sonora de Saturday Night Fever. Por su parte, Jimmy Destri, tecladista de la banda, admitió que los integrantes del grupo estaban entusiasmados con los experimentos electrónicos de los alemanes de Kraftwerk, y que en "Heart of glass" intentaron exponer las posibilidades ofrecidas por los sintetizadores. Lo cierto es que "Heart of glass" alcanzó el puesto más alto de las listas de éxitos. Semejante éxito sacó a la banda del anonimato: Blondie pasó a convertirse en uno de los conjuntos musicales más célebres y admirados por el público joven, y su carismática vocalista y líder, Deborah Harry, comenzó a acaparar las portadas de numerosas revistas con su imagen sexy, atrevida y su carácter gélido.
Parallel Lines es el gran disco Pop del Punk antes de que las grandes discográficas descubrieran que el éxito comercial de Sex Pistols, Blondie, The Stranglers y tantos otros no había sido casualidad.
1.Hanging on the Telephone
2.One Way or Another
3.Picture This
4.Fade Away and Radiate
5.Pretty Baby
6.I Know But I Don't Know
7.11:59
8.Will Anything Happen?
9.Sunday Girl
10.Heart of Glass
11.I'm Gonna Love You Too
12.Just Go Away
Download__________________________________________________ 398. Elis Regina – Vento de Maio (1978) 
Elis Regina es la voz femenina de Brasil. Nacida musicalmente a mediados de la década de los años sesenta en el período post bossa nova, pronto comenzó a incorporar a su repertorio la música de los jóvenes músicos de la MPB en cuyas canciones bullía un compromiso social y cultural que la bossa nova había dejado de lado. A través de sus discos, Elis impulsó las carreras de compositores como Milton Nascimento, Gilberto Gil, Joao Bosco o Ivan Lins. Mujer de vida agitada, impetuosa, temperamental, ambiciosa y de difícil trato, recibió justificados apodos tales como Pimentinha o Furaçao. Pero por encima de todo su voz de intensidad y carácter inigualable le convirtieron en un icono de la música popular brasileña. Su prematura muerte por sobredosis en el año 1.982, con 36 años de edad, contribuyó finalmente a convertirla en un mito venerado hasta nuestros días. Elis dejó tras de sí un legado artístico de enorme profundidad emocional que ha marcado a varias generaciones de cantantes brasileñas y a millones de fans de todo el mundo.
Vento de Maio es la única grabación de Elis para Emi. Brillante registro nunca publicado en compacto, aunque reeditado por la discográfica tras su muerte, junto con otros temas extraídos de álbumes de otros músicos con colaboraciones estelares de Elis. Inolvidables los temas "Vento de Maio" grabado con Lô Borges, un simpatiquísimo dúo con Adoniran Barbosa en el tema "Tiro ao Alvaro", Outro Cais y por supuesto otro tema de Lô Borges ligado para siempre a Elis, O Trem Azul (con permiso de Milton Nascimento y de Tom Jobim que también grabaron inolvidables versiones del mismo).
1. Vento de Maio [May Wind]
2. Sai Dessa [Get Off It]
3. Tiro Ao Alvaro [Hit the Bull's Eye]
4. Só Deus É Quem Sabe [God Only Knows]
5. Que Foi Feito Devera [De Vera]
6. Nova Estação [New Season]
7. Calcanhar de Aquiles [Achilles' Heel]
8. Outro Cais [Another Pier]
9. Rebento [Explode]
10. Trem Azul [The Blue Train]
11. Medo de Amar É O Medo de Ser Livre [The Fear of Loving Is the Fear of Being Free]
12. Se Eu Quiser Falar Com Deus [If I Would Speak with God]
13. Aprendendo Jogar [Learning to Play]
Download__________________________________________________ 399. Pere Ubu – Dub Housing (1978) 
Desde su irrupción en el “underground” norteamericano su huella ha quedado marcada en varias generaciones de músicos. De la mano del desenfadado Thomas, la banda rapidamente se ganó un lugar dentro del naciente movimiento punk, a base de demenciales letras, frenéticos pasajes vocales, guitarras llenas de urgencia, contundentes bases rítmicas y una actitud decididamente libre.
Este es el segundo disco de la banda estadounidense de post punk y art rock Pere Ubu. Tapa con una foto muy buena que da una idea del ambiente en el que se mueve el disco.
Las diez canciones que presenta el disco muestran la cima creativa del post-punk americano y el underground, y en su conjunto marcó una notable influencia en el rock alternativo en Estados Unidos. Destacan los temas "Navvy", "On The Surface", "Caligari´s Mirror", "Ubu Dance Party" y "Codex".
Dub Housing es la obra maestra de Pere Ubu que fue parte fundamental para colocar a la banda como piedra angular del art-punk.
1. Navvy
2. On The Sunrise
3. Dub Housing
4. Caligari's Mirror
5. Thriller!
6. I Will Wait
7. Drinking Wine Spodyody
8. Ubu Dance Party
9. Blow Daddy-O
10. Codex
Download__________________________________________________ 400. Only Ones – Only Ones (1978) 
Peter Perrett merecería un capítulo aparte dentro de la época del punk y la new wave inglesa, sin embargo, su nombre no suele aparecer en las antologías del género, pero es que quizá tampoco sería justo incluirle dentro de estas etiquetas.
Probablemente uno de los motivos por los que no se le ha valorado en su justa medida fuera el desaparecer rápidamente de la escena debido a sus adicciones, principalmente a la heroína, las cuales, tras tres brillantes LPs con The Only Ones, le hicieron estar prácticamente quince años fuera del mundo, una historia que le emparenta con el Syd Barrett de los primeros Pink Floyd, el cual, por cierto, fue una gran influencia para él, hasta el punto de lucir una estética similar.
Volviendo con The Only Ones, este excelente disco de debut homónimo debió merecer mayor atención. La voz de Perrett podría remitir por igual tanto al punk como a Lou Reed o al Bob Dylan de la época de Rolling Thunder Revue, que también se hallan entre sus principales influencias. En cuanto a las canciones, destacar Another girl another planet, intenso tema sobre el amor no correspondido y fácilmente comercializable, que se encuentra entre lo mejor de aquellos años, pero también otros más sofisticados como la cambiante Breaking down, con un intermedio casi propio del jazz rock, la casi "rollingstoniana" City of Fun, o Language problem, que recuerda la ironía pop de los mejores momentos de The Kinks.
"The Only Ones" es uno de esos discos mágicos que engancha desde la primera escucha. La voz lánguida, lacónica de Peter Perret y las cuidadas y melódicas líneas de guitarra de John Perry son quizá los ingredientes esenciales de esta montaña rusa de emociones, donde subidas, bajadas y momentos de relax se pasean sobre la lírica de Perrett, fuertemente marcada por su adicción a la heroína, y se unen a un romanticismo exacerbado, más propio de los poetas del siglo XVIII y XIX que de un yonki del XX.
Con todo, "The Only Ones" es pura expresión musical, haciendo honor al nombre de la banda como seres únicos en su especie y dejando para la historia, en cambio, una progenie de bandas influenciadas de lo más variada.
1. Whole of the Law
2. Another Girl Another Plan
3. Breaking Down
4. City of Fun
5. Beast
6. Creature of Doom
7. It's the Truth
8. Language Problem
9. No Place For the Wicked
10. Immortal Story
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