domingo, septiembre 20, 2009

1001 discos que debes escuchar antes de morir x mediafire parte 12

276. Hawkwind – Space Ritual (1973)



Banda de space rock y hard rock psicodélico formada en Londres a finales de los años 60. De espaciales y eclécticos sonidos, muchas de sus composiciones giraban en torno a la ciencia-ficción. El grupo se formó en 1969 por el cantante y guitarra Dave Brock, el guitarra Huw Lloyd (anteriormente estuvo Mick Slaterry), el bajista y vocalista John Harrison, el saxo, flauta y vocalista Nik Turner, el batería Terry Ollis y el teclista Dik Mik Davies, encargados de crear Group X, un proyecto que finalmente acabó llamándose Hawkwind tras denominarse con anterioridad Hawkwind Zoo. Su actuación en el famoso Festival de la Isla de Wight acrecentó el nombre de Hawkwind entre los amantes del hard rock y la psicodelia.
Se dieron el gusto de hacer en los años 70 canciones perfectamente catalógables como Stoner Rock con décadas de anticipación al boom de ese sonido, además se les considera como los creadores del Space Rock. Los ingleses Hawkwind adoptaron la temática de la ciencia ficción –en colaboración con el escritor Michael Moorcock- para crear la primera space rock opera. Viajes interestelares a través de su rock progresivo apoyado en el que empleo de sinterizadores. Su sonido marciano llegaba a su máxima expresión en directo y de ahí este aclamado trabajo de 86 minutos de duración.

Disco 1
01.- Earth calling
02.- BOrn to go
03.- Down through the night
04.- The awakening
05.- Lord of light
06.- Black Corridor
07.- Space is deep
08.- Electronic n°1
09.- Orgone accumulator
10.- Upside down
11.- 10 Secods of forever
12.- Brainstorm

Disco 2
01.- 7 by 7
02.- Sonic Attack
03.- Time we left this world today
04.- Master of the universe
05.- Welcome to the future
06.- You shouldn´t do that
07.- Master of the universe
08.- Born to go

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277. John Cale – Paris 1919 (1973)



John Davies Cale, músico galés, compositor, multiinstrumentista y productor. Es muy conocido por haber integrado la mítica banda neoyorquina Velvet Underground en la segunda mitad de la década del '60. John Cale, la base y otras cosas de The Velvet Underground, decidió un buen día alejarse de la experimentación y de los discos difíciles, decidido a contarnos trocitos de existencia.
Las canciones se suceden misteriosamente ordenadas, repletas de intensidad, dispuestas a proporcionarte un día estupendo y relajado. Es otro de mis discos preferidos, en este caso por la luz optimista y el buen rollo que desprende, además de la adorable forma de cantar con ese deje galés de Cale y la espectacularidad de los arreglos y la música.
"Paris 1919" es como si un Dylan trajeado hubiera dejado de demostrar con insistencia lo bueno que es y simplemente se diera una vuelta por la vida. "Child Christmas in Wales", "Andalucia" o "Graham Greene" son obras maestras definitivas que todo el mundo debería escuchar por lo menos una vez. Para muchos la obra maestra de John Cale. Un clásico atemporal del decadentismo/romanticismo.

1. Child's Christmas in Wales
2. Hanky Panky Nohow
3. Endless Plain of Fortune, The
4. Andalucia
5. MacBeth
6. Paris 1919
7. Graham Greene
8. Half Past France
9. Antarctica Starts Here

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278. Can – Future Days (1973)



Can fue definido una vez por su teclista, Irmin Schmidt, como “un organismo poderoso y pulsátil”. Sorprende que alguien adquiera la necesaria perspectiva precisamente desde el lugar más difícil: desde dentro. Y de hecho, cabe ir más allá que Schmidt y afirmar que Can ostentaba en su mejor momento una condición de vitalidad tal, de completa organicidad, que no sólo era una banda poderosa y pulsátil, sino también sometida a continua evolución, adaptación y mutación. Can, de rostro reconocible en todo momento, sin embargo pareció transformarse a lo largo de sus discos de manera natural pero siempre sorprendente, variando las texturas y colores de un sonido tan abierto como inconfundible.
“Future Days” es parte de lo mejor de Can, de sus tiempos más gloriosos. La marca inconfundible de Can, esa sensación de música inaprensible, eternamente renovada en cada escucha, capaz de potenciar su uso compulsivo sin terminar de reproducir exactamente las mismas sensaciones, se encuentra presente en otra de sus obras maestras. Con la voz de Suzuki como una aparición fugaz y esquiva, y una mezcla que potencia los teclados de Schmidt, haciendo que una de las mejores secciones rítmicas de todos los tiempos se proyecte de manera menos avasalladora que de costumbre, el sonido de “Future Days” resulta más delicado, tenue, difuso, nocturno y espaciado que en las anteriores ocasiones. Por momentos, semeja como si los Can pretendieran presentar su propia versión del registro casi ambient del Miles Davis de “In a Silent Way”, eliminando la potencia rítmica avasalladora de sus anteriores discos en favor de una embriagadora obsesión atmosférica, mientras Suzuki, dibuja unas melodías que parecen nacer y morir en el subconsciente.
En los mundos de Can todos los confines, e incluso el centro mismo, son tierra incognita, impermeables pero maravillosos misterios, tan resistentes a nosotros como irresistibles para nosotros. Por algo son Can, y no otra cosa. Y por eso mismo, nunca nadie ha sido cómo Can, ni nada que se le parezca.

1. Future Days
2. Spray
3. Moonshake
4. Bel Air

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279. Lou Reed – Berlin (1973)



Uno de los discos más sobrecogedores de la trayectoria discográfica de Lou Reed, quien expone a través de diez atmosféricos temas las tortuosas vivencias de una prostituta alemana llamada Caroline, centrando su desesperación vital en las trágicas consecuencias de su relación amorosa con un yonqui estadounidense de nombre Jim.
Sombrías historias de burdeles, ambientes decadentes, drogas y luchas diarias, narrados por la singular voz y guitarra de Lou Reed, apoyado magníficamente en su afán descriptivo por el bajo de Jack Bruce, los teclados de Steve Winwood, la batería de Aynsley Dunbar y las guitarras de Steve Hunter y Dick Wagner.
La acertada producción de Bob Ezrin ensalza la emoción pesarosa que destilan temas como "Lady Day", embellecido por unos lúcidos arreglos, al igual que la deslumbrante y soberbia "Sad song". Jack Bruce brilla especialmente en otro de los puntos álgidos del disco, "Men of good fortune".
Piezas de potente instrumentación como "How do you think it feels" y "Oh Jim" están convenientemente aderezadas por una esmerada sección de metal.
Geniales y estremecedoras baladas como la acústica "Caroline says II", "The Kids", tema de extrema crudeza donde se escuchan desgarradores gritos infantiles y que fue censurado en su época en varios países, "The Bed", escalofriante evocación del suicidio de la protagonista y la referida "Sad Song" configuran la recta final de esta afligida y amarga obra maestra. Berlin es la obra conceptual más macabra y oscura de Lou Reed y posiblemente de la historia del rock; un álbum oscuro, que no tuvo éxito comercialmente, y que es considerado por muchos como una obra maestra incomprendida.

1. Berlin
2. Lady Day
3. Men of Good Fortune
4. Caroline Says (I)
5. How Do You Think It Feels
6. Oh, Jim
7. Caroline Says (II)
8. Kids, The
9. Bed, The
10. Sad Song

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280. Genesis – Selling England by the Pound (1973)



El famosísimo grupo Genesis comenzó su trayectoria musical dentro del rock progresivo a mediados de los años 60 tras la unión de dos bandas escolares de Surrey denominadas Garden Wall, en la que estaban el cantante Peter Gabriel y el teclista Tony Banks, y Anon, formación compuesta por el guitarrista y cantante Anthony Phillips, y el bajista, guitarra y vocalista Michael Rutherford. Estos cuatro personajes junto al batería Chris Stewart se unirían al productor Jonathan King y elegirían un nuevo nombre para el proyecto conjunto, New Anon, que posteriormente se rebautizaría como Genesis.
Con “Selling England By The Pound” sexto álbum del grupo inglés de rock progresivo y el quinto en estudio, grabado y lanzado en 1973, Genesis le ofrenda al público uno de los álbumes más perfectos, más intensos y más milagrosos jamás concebidos. Hasta aquí las ideas musicales de Genesis eran interesantes, eran innovadoras, eran desafiantes, eso sí. Pero la música de Selling England eleva la cosa a un nivel totalmente nuevo: es íntegramente perfecta, dinámica, repleta de matices que se van descubierdo con cada nueva escucha; inhumanamente compleja y aún así milagrosamente fluida y focalizada; interesante para escuchar y devastadora emocionalmente; extraodrinariamente hermosa y a la vez repleta de energía. Todo lo que el rock progresivo siempre quiso ser y no había logrado. Fue el mayor éxito comercial de la banda con Peter Gabriel, llegando al puesto #3 en los rankings del Reino Unido. Posteriormente se convertiría en disco de oro en EE. UU. en el año 1990.

1. Dancing With The Moonlight Knight
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe)
3. Firth Of Fifth
4. More Fool Me
5. The Battle Of Epping Forest
6. After The Ordeal
7. The Cinema Show
8. Aisle Of Plenty

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281. Marvin Gaye – Let’s Get it On (1973)



"Let´s Get It On", el más carnal de sus discos, tal vez el más carnal que cualquiera haya realizado, cuando ya no caben dudas. Y sin embargo este disco no desarrolla únicamente una dimensión completamente festiva de la pasión y de la atracción animal, aunque esencialmente sea su principal atributo y cualidad, capaz de alterar cualquier atmósfera. Pero también hay sombras acechando en las esquinas, penosos e insospechados castigos, altos precios que pagar en razón del disfrute carnal. Como en la vida real, pocos salen absolutamente indemnes del disfrute físico sin razón de sentimientos, si es que en este disco existe tal cosa.
El sobrecogedor Marvin Gaye ha sido para la Motown uno de los valores más preciados. En estos días, en los que la compañía de Berry Gordy Jr. celebra su 50 aniversario no está mal acordarse de obras maestras del Soul como este "Let's Get It On".
Sensualidad puede ser la palabra que mejor define el sonido de este álbum, que junto a "What's Going On'" supone el clímax artístico de Marvin Gaye.
Janis Hunter, una joven chica de 16 años, le sirvió al artista americano de inspiración, ya que se enamoró completamente de ella antes de grabar este disco. La cosa acabó en matrimonio aunque no duró mucho y fue totalmente desastroso, como casi todo tipo de relación que pasó por su vida.
Pero independientemente de su situación personal, ha quedado su música para la historia. Y las canciones que se incluyen aquí, le han puesto la piel de gallina a más de uno generando una atmósfera de excitación casi inmediata. ¿Quién se resiste a clásicos como "Distant Lover"? ¿O A temas tan contundentes como "You Sure Love To Ball"?
Está claro que pretendientes le han salido muchos, pero hasta el momento ninguno ha igualado la figura de Marvin Gaye.
Ahora podemos por fín confirmar con pruebas que después de una difícil búsqueda llegó a la recompensa para Marvin Gaye en la forma de un disco, que si bien resultaba casi opuesto en intención a "What´s Going On", igualaba sus enormes méritos artísticos y suponía una nueva obra maestra. Un disco sensual, pero secretamente atormentado, insinuante pero tal vez ligeramente arrepentido, lujurioso pero también sentimental. Pero sobre todo, y como los mejores discos de Marvin Gaye, humano. Completamente humano.

1. Let's Get It On
2. Please Stay (Once You Go Away)
3. If I Should Die Tonight
4. Keep Gettin' It On
5. Come Get To This
6. Distant Lover
7. You Sure Love To Ball
8. Just To Keep You Satisfied


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282. John Martyn – Solid Air (1973)



Un disco con la calidad y la magia suficiente para encadenarlo a una tetralogía de obras mayores que mezclan folk, rock, jazz, blues y lo que haga falta, como pueden ser "Astral weeks" (Van Morrison), "Happy sad" (Tim Buckley), "Pink moon" (Nick Drake) y "Rock bottom" (Robert Wyatt).
"Solid air", la canción que titula el álbum, está dedicada a su amigo, Nick Drake, ya desaparecido en aquellos años. Una especie de elegía, conducida por la grave y aterciopelada voz de Martyn, su guitarra acústica y unos juegos entre vibráfono y piano eléctrico, aprovechando la similar sonoridad de ambos instrumentos. Estos instrumentos se intercambian entre sí, siendo dificultoso saber cuando está sonando uno u otro.
Solid Air" el álbum más valorado de su carrera. Un álbum con el que este escocés aceptó bien la etiqueta de "artista de culto" que llevó a sus espaldas prácticamente toda la vida. En enero de este 2009 partió dejando un inmenso vacío entre los grandes compositores, guitarristas Folk-Blues, y obviamente todos nosotros, sus seguidores.

1. Solid Air
2. Over the Hill
3. Don't Want To Know
4. I'd Rather Be the Devil
5. Go Down Easy
6. Dreams By the Sea
7. May You Never
8. Man In the Station, The
9. Easy Blues/The Gentle Blues

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283. Roxy Music – For Your Pleasure (1973)



El matrimonio artístico entre Bryan Ferry y Brian Eno duró tan solo dos discos, el debut homónimo de Roxy Music y este For Your Pleasure, tras el cual la guerra de egos entre uno y otro acabó con Eno fuera del grupo.
Pero el segundo y último trabajo los dos artistas a bordo del mismo proyecto es de aquellos que rozan la perfección. Aquí no hay espacio para canciones de relleno. Los temas que en un primer momento parecen canciones menores -como Beauty Queen, In Every Dream Home A Heartache y Strictly Confidential- acaban convirtiéndose en temas interesantes. Gran parte del mérito es de las atmósferas creadas por Brian Eno, al mando de los teclados y los ruidos, y de la guitarra de Phil Manzanera, uno de esos músicos con un estilo sencillo pero característico.
Tampoco hay temas que destaquen por encima de los otros. For Your Pleasure es un trabajo donde las composiciones de Ferry mantienen siempre un nivel muy alto. Producido por Chris Thomas, John Anthony y los propios Roxy, un disco en el que tocaba el bajo John Porter tras la marcha de Simpson. El glamour ofrecido en sus actuaciones y la espectacular imagen de sus componentes era puntos a favor del éxito del grupo, un éxito que no se volvería a repetir con la misma magnitud.

1. Do the Strand
2. Beauty Queen
3. Strictly Confidential
4. Editions of You
5. In Every Dream Home a Heartache
6. Bogus Man, The
7. Grey Lagoons
8. For Your Pleasure

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284. Faust – IV (1973)



En su esencia, su arte es demasiado academicista e intelectual - demasiado "de autor" - como para considerarlos simples empleados al servicio de una idea (alentada por el mentor y productor de la banda Uwe Nettelbeck). La música de Faust desconcierta y, a su manera heterodoxa, llena al oyente de emociones. Aunque conscientemente calculada - como toda la música experimental - para "ir más allá", al mismo tiempo consigue transmitir una espontaneidad liberadora de la que pocas bandas avant-garde pueden jactarse. El cuarto álbum del grupo, austeramente titulado Faust IV, es tal vez el mejor ejemplo de esta feliz contradicción.
Puede afirmarse que la obra que aquí nos convoca brinda el material más accesible que grabaron los alemanes en su tiempo de gloria. En IV hay verdaderos riffs, hay melodías, hay hasta ¡géneros reconocibles! Tal es así que en su momento los seguidores más radicalizados de la banda catalogaron al álbum como una decepción. Solo el transcurso del tiempo le dio el reconocimiento que, en realidad, merece.
Faust IV logra balancear la osadía del avant-garde propio de la banda con la excitabilidad del rock más familiar y campechano. Patear el tablero con un artistic statement de delirios informes, notas aleatorias y ruido sordo - eso es, simplificando, el disco debut del grupo - requiere más audacia y sed de sangre que verdadera imaginación. En cambio, lograr que una pieza musical desafíe las convenciones y, al mismo tiempo, ofrezca una escucha genuinamente placentera, suele ser más difícil. Mucho más de lo que quienes prefieren manifiestos extremos suelen reconocer. Faust IV no es un manifiesto extremo; lo puede escuchar cualquier vecino sin sobresaltarse ni alarmarse demasiado. Y aún así, si ese vecino decide prestar atención, descubrirá que esta música no se parece mucho a nada que conozca. En ello reside, en suma, la conquista de este gran disco. La sensación que provoca es una de las más aparatosas que pueden vivirse en un disco de rock.

1. Krautrock
2. Sad Skinhead, The
3. Jennifer
4. Just A Second (Starts Lide That!) / Deuxime Thableux / Picnic On A Frozen River
5. Giggy Smile
6. Lauft Heisst das es Lauft Oder es Kommt Bald Lauft
7. It's a Bit of a Pain

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285. Herbie Hancock – Head Hunters (1973)



Head Hunters es uno de los discos de jazz más vendidos de la historia y fue el primero en convertirse en disco de platino debido a sus ventas. Ahora, si nunca escuchaste Head Hunters, te aviso que cuando hablamos de jazz no esperes encontrarte algo en el estilo de Maiden Voyage, Empyrean Isles o ni siquiera de The New Standard. En el '73 Hancock pateó el tablero, armó una banda de funk y grabó este disco repleto de alusiones a Sly Stone y James Brown.
Se dice que Mr. Hancock tuvo, por aquellos tiempos, inquietudes místicas que lo acercaron al budismo. Luego de meditar, decidió dedicar su vida a hacer feliz a su público. Y así lo hizo. Claro que a veces no quedó muy claro quien era "su" público: Hancock tuvo un acercamiento al incipiente techno con sus discos Perfect machine y Sound system a principios de los 80's que no dejaron muy contentos a algunos pero que fueron enormes éxitos de venta. A lo largo de sus cinco décadas de carrera, Herbie Hancock ha sido uno de los músicos de jazz más influyentes y polémicos. Pero sobre todo, Hancock ha sabido cumplir con aquello que se propuso y se ha convertido en uno de los músico más masivos y premiados por la industria.
Acerca de Head Hunters, Hancock dijo que empezó "pensando en Sly Stone y en cuanto amaba su música y en cuan funky era 'Thank You For Letting Me Be Myself'. Estaba escuchando una y otra vez esa canción".
La banda, formada por el bajista Paul Jackson, Harvey Mason en batería, Bill Summers en percusión y Bennie Maupin en los vientos le dan a Hancock una base para que desarrolle sus ideas. Hancock experimenta con el piano eléctrico y los sintetizadores y, lejos de los complejos solos de piano, deja lugar a su banda para darte buen y poderoso funk.

1. Chameleon
2. Watermelon Man
3. Sly
4. Vein Melter

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286. Mott The Hoople – Mott (1973)



Importante grupo de rock que alcanzó su momento de gloria en la era del glam, cuando a punto de escindirse contaron con la estimable ayuda del omnipresente y casi omnipotente David Bowie.
La fuerza vocal y talento compositivo de su líder y teclista Ian Hunter y la capacidad creativa de la guitarra de Mick Ralphs eran los centros neurálgicos de un grupo que mereció más suerte de la que obtuvo. Con "Mott" (1973) consiguieron establecer a la banda como una de las mejores del país, y no sólo eso, las buenas ventas se habían trasladado al difícil mercado norteamericano.
Todo parecía coser y cantar para el grupo, pero la cada vez más importante presencia como líder de Ian Hunter provocó un choque de egos entre él y el guitarra líder, Mick Ralphs, una pieza importantísima dentro del engranaje de Mott que finalmente decidió dejar al grupo para crear junto al ex-Free Paul Rodgers, Bad Company, un gran conjunto hard-rock.
El casi insustituible Ralphs fue finalmente reemplazado por Luther Grosvenor (ex- Spooky Tooth), quien nada más entrar en su nuevo grupo se rebautizó como Ariel Bender (más tarde fue sustituido por Mick Ronson). En 1974, para su tour por los Estados Unidos, Mott the Hoople fue teloneado por la banda Queen. Este tour luego inspiraría la canción de Queen de 1975 "Now I'm Here," que contiene el siguiente fragmento en su letra: "Down in the city, just Hoople and me." (En la ciudad, solo Hoople y yo, haciendo referencia a los conciertos junto a la banda). También les telonearon durante dicha gira, dos grupos que triunfarían poco tiempo después, Kansas y Aerosmith.

1. All the Way From Memphis
2. Whizz Kid
3. Hymn For the Dudes
4. Honaloochie Boogie
5. Violence
6. Drivin' Sister
7. Ballad of Mott the Hoople - (March 26, 1972-Zurich)
8. I'm A Cadillac / El Camino Dolo Roso
9. I Wish I Was Your Mother

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287. Mike Oldfield – Tubular Bells (1973)



Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa.
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

1. Tubular Bells, Part 1
2. Tubular Bells, Part 2

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288. Todd Rundgren – A Wizard, a True Star (1973)



Es A Wizard, A True Star, publicado en 1973 y aclamado universalmente como una de las mayores obras de ingeniería musical de toda la historia. Se trata de un disco larguísimo, compuesto de un sinfín de canciones cortas y multidireccionales que tocan prácticamente todos los palos de la baraja del rock y recubiertas todas ellas por un intenso barniz de sensibilidad y clase que rezuman gloriosos en cada minúscula nota del álbum, que incluye un montón de cortas y bellas baladas vaporosas, homenajes al soul, a Frank Zappa (Dog Fight) o Jimi Hendrix (You Need Your Head), y autenticas maravillas que transmiten instantáneamente mas emociones que toda una semana de reality shows juntos, como en el caso de la sublime Zen Archer. Definitivamente, un disco diez.
Con "A Wizard, a True Star" Rundgren vuelve a romper el molde elaborando un extraño collage sónico que incluía desde psicodelia y soul hasta tonos infantiles que parecían salidos de una película de Disney o incluso vaudeville, este disco confundió bastante a muchos de los fans que se habían acercado a la música de Rundgren luego de "Something/Anything?. Sin embargo, una nueva legión de fans de culto empezaron a tomar a Rundgren como un verdadero genio, adelantado a su tiempo. Rundgren se tomo esto al pie de la palabra casi literalmente cuando se tiño su cabello de todos los colores como si fuera un arco iris, dándole a sus performances en concierto un toque muy especial, lindante con lo "glam". Sin embargo su música se estaba volviendo cada vez más progresiva.

1. International Feel
2. Never Never Land
3. Tic Tic Tic It Wears Off
4. You Need Your Head
5. Rock and Roll Pussy
6. Dogfight Giggle
7. You Don't Have to Camp Around
8. Flamingo
9. Zen Archer
10. Just Another Onionhead / Dada Dali
11. When The Shit Hits The Fan / Sunset Blvd.
12. Le Feel Internacionale
13. Sometimes I Don't Know What to Feel
14. Does Anybody Love You?
15. I'm So Proud / Ooh Baby Baby / La La Means I Love You / Cool Jerk
16. Hungry For Love
17. I Don't Want to Tie You Down
18. Is It My Name?
19. Just One Victory

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289. Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (1973)



En 1973 Elton John se encontraba en su mejor momento artística y comercialmente hablando, así que “Goodbye Yellow Brick Road” vino a ser la cumbre de su edad de oro, no sólo porque sea su gran obra maestra, sino porque es un disco que en sus 76 minutos de duración nos muestra las diversas facetas de Elton, en cuanto a creatividad es sin duda uno de sus discos más logrados y donde es capaz de hacer coincidir géneros más diversos (rhythm ‘n’ blues, rock sinfónico, hard rock, sus imprescindibles baladas a piano...). Lo mejor de todo es que éste no fue un disco doble “premeditado”, sino que simplemente Elton comenzó a componer canciones hasta que se dio cuenta de que daba para un disco doble lo cual nos confirma hasta qué punto estaba en estado de gracia por entonces.
“Goodbye Yellow Brick Road”, uno de los más grandes discos de la historia, es una de esas obras maestras a las que pese a lo largas que son, no le quitarías nada. Porque lo que representa globalmente está por encima de eso: un grandísimo artista dando rienda suelta a todo su potencial. Nosotros, como humildes oyentes, no podemos hacer más que escucharle y disfrutar de su música.

1. Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding
2. Candle in the Wind
3. Bennie and the Jets
4. Goodbye Yellow Brick Road
5. This Song Has No Title
6. Grey Seal
7. Jamaica Jerk Off
8. I've Seen That Movie Too
9. Sweet Painted Lady
10. Ballad of Danny Bailey (1909-34)
11. Dirty Little Girl
12. All the Girls Love Alice
13. Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)
14. Saturday Night's Alright For Fighting
15. Roy Rogers
16. Social Disease
17. Harmony

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290. Steely Dan – Countdown to Ecstasy (1973)



Steely Dan es uno de esos grupos clásicos que, inexplicablemente, no han conseguido la resonancia comercial posterior de algunos de sus coetáneos (The Eagles, America o Supertramp). Sin embargo, Countdown to Ecstasy (1973) es, a todas luces, un disco imprescindible para todo aquél aficionado a los álbumes rock de la década de los '70. Este álbum de 1973 es una verdadera joya musical, plagada de excelentes arreglos vocales, una muy buena instrumentación y la particular voz de Fagen; partiendo desde el tema de entrada “Bodhisattva”, quizás el màs rockero, uno se da cuenta de la calidad musical de sus integrantes, rematando con el excelente solo de guitarra de
Denny Días. Luego se van sucediendo los temas, todos vocales, donde se lucen con sus composiciones, destacando para mí la excelente “Razor Boy” con su harmonía y trabajo de vibráfono. Otros temas favoritos son “Boston Rag”, “Your Gold Teeth” con muy buen trabajo de teclados y guitarra.
Steely Dan se convirtieron en un referente indiscutible para el gran número de bandas que intentaba encontrar nuevas respuestas a la ebullición musical de los '70. Countdown to Ecstasy supuso una evolución y una exploración sobresaliente de las posibilidades del jazz, el rock, el blues y tantos otros géneros que se encargaron de incluir en el que es quizás su disco más recordado y admirado.

1. Bodhisattva
2. Razor Boy
3. Boston Rag, The
4. Your Gold Teeth
5. Show Biz Kids
6. My Old School
7. Pearl of the Quarter
8. King of the World

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291. Waylon Jennings – Honky Tonk Heroes(1973)



Waylon Jennings es uno de esos artistas casi míticos, con una vida que parece sacada de una película. Dice la leyenda que en 1959 iba a viajar en el avión que al estrellarse acabó con la vida de Buddy Holly ("the day the music died", el fatídico 3 de febrero del '59), Ritchie Valens y Big Bopper, pero en el último momento cedió su asiento a Big Bopper que por lo visto se encontraba flojo de fuerzas y con fiebre. Waylon iba en esa gira en calidad de bajista acompañando a Holly que se había quedado sin la que fue su banda de acompañamiento, The Crickets. Por lo visto, en un guiño macabro del destino, Waylon y Holly bromearon con el hecho de un posible accidente del avión, lo que afectó enormemente a Waylon al convertirse en tétrica realidad. El mismo Jennings contó en sus memorias el sentimiento de culpa que arrastró durante años tras el terrible accidente. Con un comienzo de carrera así es normal que este hombre estuviera casi podríamos decir que destinado a hacer algo grande. En 1964 Waylon inicia su carrera en solitario en Nashville, la cuna del country, a la par que va haciendo y deshaciendo matrimonios. Hasta cuatro veces se casa, la última y definitiva sería con Jessi Colter, con quien llegó a grabar algún disco a dúo. Para principios de la década de los '70 Waylon está un poco harto del encorsetamiento del sonido Nashville y su peligrosa deriva hacia el terreno del pop, por lo que de una manera informal y poco medida inicia una corriente junto con otros artistas como Willie Nelson, Johnny Cash, Merle Haggard o Kriss Kristofferson que se daría en llamar "outlaw country", y ellos, por extensión del término, los "fuera de la ley" (outlaws). Los tipos llevan el pelo largo, visten tejanos y su sonido recupera el estilo áspero de pioneros como Jimmie Rodgers o Hank Williams, en contraposición al country edulcorado y pulcro que ofrecían productores como Chet Atkins. En 1972 consigue renegociar su contrato con RCA, compañía a la que exige y de la que finalmente obtiene una libertad creativa y artística que abrió muchas puertas a sus compañeros de profesión. Y aquí es donde entra este álbum, el primero bajo su casi total supervisión. Waylon se asoció a Billy Joe Shaver, hasta entonces desconocido compositor a pesar de haber "vendido" algunos temas a diferentes celebridades, quien aporta la práctica totalidad de los temas. Al principio hubo cierta tensión entre ambos, Billy no acababa de ver con buenos ojos la forma de Waylon de interpretar sus temas, aunque como no podía ser de otra manera, acabaron llegando a tal acuerdo que se hicieron grandes amigos. A partir de este año de 1973 también Billy Joe Shaver empezó a grabar en solitario, lo que se puede decir que es también fruto del éxito de este disco. Una grabación prodigiosa que ayudó a regenerar el estilo, un disco que es un punto y aparte en la música country.

1. Honky Tonk Heroes
2. Old Five and Dimers (Like Me)
3. Willy the Wandering Gypsy and Me
4. Low Down Freedom
5. Omaha
6. You Ask Me To
7. Ride Me Down Easy
8. Ain't No God in Mexico
9. Black Rose
10. We Had It All
11. Slow Rollin' Low - (bonus track)
12. You Ask Me To - (single version, bonus track)

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292. Pink Floyd – Dark Side of the Moon (1973)



Uno de los mejores trabajos de esta gran banda, para muchos el mejor de toda su carrera. Después de haber tenido que abandonar a su antiguo líder, Syd Barrett, por sus problemas con las drogas, el resto del grupo (con David Gilmour sustituyendo a Barrett en la guitarra) prosiguió con su carrera con gran éxito, sacando discos tan interesantes como "Atom heart mother" o "Meddle".
"The dark side of the moon" fue un Lp muy arriesgado. Muchos se preguntaron porque un grupo con unos trabajos tan elogiados como los mencionados anteriormente, que seguían cosechando grandes éxitos y creando un estilo propio, cambiaron súbitamente de estilo.
Si durante el resto de su carrera hubieran seguido componiendo discos como los anteriores, sin cambiar apenas de estilo, Pink Floyd ya ocuparía un lugar privilegiado en la historia del rock. Pero no fue así. Decidieron experimentar con nuevos estilos y lo consiguieron con éxito.
Desde que fue lanzado en 1973 se convirtió en uno de los diez discos más vendidos de todos los tiempos, y está listado en el libro Guinness de Récords, por haber estado en las listas de popularidad durante más tiempo que ningún otro álbum, 591 semanas u 11,4 años en la lista de Billboard de los 200 discos más vendidos, con un total aproximado de 14 años (741 semanas), y de vuelta a las listas de Billboard donde ha permanecido durante más de 26 años. En Estados Unidos está en el puesto #21 de los discos más vendidos. El 5 de mayo de 2006, El Lado Oscuro De La Luna alcanzó un combinado total de 1500 semanas en las listas Billborad 200 y Pop Catalog.
Mundialmente el disco ha vendido más de 45 millones de copias, en 2004 el promedio de ventas es de 8.000 copias por semana. Un total de 400.000 copias vendidas en el año 2002 lo posicionan en el puesto #200 de los discos más vendidos ese año, a casi tres décadas edición inicial en 1973. Se estima que en Estados Unidos, una de cada 14 personas menores de 50 años de edad posee una copia del disco.
Éste es, junto a "The wall", el disco más famoso de Pink Floyd. Sin embargo éste suele gustar más por varias razones: es más sencillo pero tampoco en exceso; aquí todos los componentes escriben canciones (aunque Waters compone tres en solitario y escribe las letras) mientras que en "The Wall" es Waters el líder absoluto. Razones no faltan para oír este soberbio disco, imprescindible para cualquier fan de Pink Floyd, y más allá, que se aprecie de gustarle la buena música.


1. Speak To Me / Breathe In The Air
2. On the Run
3. Time
4. Great Gig in the Sky, The
5. Money
6. Us and Them
7. Any Colour You Like
8. Brain Damage
9. Eclipse

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293. Stevie Wonder – Innervisions (1973)



Fue el tercero de los cinco álbumes de su llamado período clásico, al lado de Music of My Mind, Talking Book, Fulfillingness' First Finale, y Songs in the Key of Life.
Los hits que surgieron de esta obra maestra fueron “Higher Ground” y “Living for The City”, además de “Golden Lady” y “Jesus Children Of América”.
Fue lanzado en Agosto del año 1973 y se mantuvo en el ranking durante 89 semanas. Musicalmente la filosofía basada en el amor se desenvuelve en 9 hermosas canciones profundas y técnicamente impresionantes. Stevie tocó casi todos los instrumentos grabados pero básicamente la instrumentación utilizada en la grabación se centra en el órgano y su juego con sintetizadores. Con “Innervisions” Stevie Wonder demuestra una vez más que es una de las fuerzas vitales de la música contemporánea.
Innervisions recibió los premios Grammy al "Mejor Album del Año" y a la "Mejor Produccion No-Clásica" en 1974, mientras que a "Living for the City" le fue otorgado el Grammy al Mejor Tema R&B. Innervisions ha sido considerado por numerosos fans, críticos y colegas como una de las mejores obras de Stevie Wonder, además de uno de los mejores álbumes de la historia del Pop. En 2001, el canal norteamericano VH1 designó el álbum como el "31-esimo" mejor álbum de todos los tiempos. En 2003 alcanzó el puesto 23 en el ranking de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos elaborado por Rolling Stone.

1. Too High
2. Visions
3. Living For the City
4. Golden Lady
5. Higher Ground
6. Jesus Children of America
7. All in Love Is Fair
8. Don't You Worry About a Thing
9. He's Misstra Know-It-All

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294. ZZ Top – Tres Hombres (1973)



"Tres hombres" que convirtieron en realidad su sueño de dedicarse a la música: Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería). Juntos formaron en Texas, EEUU, el grupo ZZ Top. Son famosos por su música pero también por su puesta en escena: Gibbons y Hill siempre llevan gafas de sol y su características barbas largas son la imagen de marca de la banda desde la década de los 70. Una época en la que lograron un gran éxito comercial con discos como este con el que alcanzaron el Top Ten americano. Con la producción de Bill Ham, el álbum es una colección de auténtico Rock 'N Roll, ayudado de algunos temas Blues.
Tres Hombres es un álbum de ZZ Top que salió a la venta en 1973. Con este álbum, el grupo de Texas se popularizó, entrando en el top 10 de Billboard. Fue ampliamente aclamado culminando con una larga gira de año y medio a lo largo de todo Texas. En él está la ya clásica canción "La Grange", que cuenta la historia del burdel sobre el que trata el musical "The Best Little Whorehouse in Texas". Impresionantes riffs que los subieron al Olimpo de los dioses del rock. Clasicazo de los buenos.

1. Waitin' For the Bus
2. Jesus Just Left Chicago
3. Beer Drinkers & Hell Raisers
4. Master of Sparks
5. Hot, Blue and Righteous
6. Move Me on Down the Line
7. Precious and Grace
8. La Grange
9. Shiek
10. Have You Heard?

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295. Paul McCartney & Wings – Band on the Run (1973)



El mejor disco de Paul McCartney en solitario, para la gran mayoría, tras la separación de los Beatles. Casi siempre maltratado en comparación con Lennon al definir sus composiciones como material ligero sin profundidad, esa comparación está nada más lejos de la realidad, ¿qué mayor profundidad existe que escarbar con perspicacia en uno de los sentimientos motores de la actividad humana como es el amor y sus conexiones emocionales?
Sus intachables melodías, ubicadas en multitud de formas musicales (pop, rock, blues, country, folk, vodevil) ennoblecen las habituales materias sentimentales que predominan en sus textos, imprescindibles para cualquier seguidor de la carrera de los Beatles y de MacCartney.
Alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos en tres ocasiones no consecutivas, y fue certificado como triple disco de platino por las ventas. En el Reino Unido se mantuvo siete semanas en lo más alto de las listas, llegando incluso a ser el álbum británico con más ventas de 1974. A comienzos de 1975, Band on the Run ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal.

1. Band on the Run
2. Jet
3. Bluebird
4. Mrs. Vanderbilt
5. Let Me Roll It
6. Mamunia
7. No Words
8. Helen Wheels
9. Picasso's Last Words (Drink to Me)
10. Nineteen Hundred and Eighty Five

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296. Sensational Alex Harvey Band – Next (1973)



Alex Harvey fue un músico escocés de rock and roll. Con su The Sensational Alex Harvey Band, construyó una fuerte reputación como artista en vivo durante a era del Glam Rock en los años 70. La banda era reconocida por su estilo sobresaliente y de sus actuaciones enérgicas en vivo y por la personalidad carismática de Harvey.
Siete obras maestras donde Harvey muestra su genio, el sencillo que da nombre al álbum, una extraña mezcla de glamrock y rock progresivo con tango, extremadamente original, difícil de encontrar algo como esto, una verdadera joya para no perdérsela. Una selección perfecta para la próxima fiesta de honor, donde díscolos intelectuales se encuentren orando por el apocalipsis, con sonidos que a pesar de los años suenan tan actuales como hace más de treinta años.

1. Swampsnake
2. Gang Bang
3. The Faith Healer
4. Giddy up a Ding Dong
5. Next
6. Vambo Marble Eye
7. The Last of the Teenage Idols


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297. Alice Cooper – Billion Dollar Babies (1973)



Billion Dollar Babies fue el sexto álbum lanzado por la banda de Rock Alice Cooper, en Marzo de 1973. Es considerado uno de los mejores álbumes de Alice Cooper, y nos muestra al grupo en su mejor momento artístico y comercial. Muchas de las canciones de este álbum aun hoy en día permanecen en el repertorio en vivo de Alice Cooper: en particular, I Love the Dead la cual usualmente se asocia con la "ejecución" de Cooper, la canción que le da su titulo al disco Billion Dollar Babies, mientras Elected es usualmente reservada para el final del show.
Este sería la última verdadera obra maestra que nos brindaría el grupo original de Alice Cooper. Billion Dollar Babies uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Billion Dollar Babies llego a ser numero uno en las listas de álbumes. Se lanzaron cuatro sencillos de este album: Elected (la cual llego al numero 26); Hello, Hooray; No More Mr. Nice Guy (EUA #25); y Billion Dollar Babies.

1. Hello Hooray
2. Raped and Freezin'
3. Elected
4. Billion Dollar Babies
5. Unfinished Sweet
6. No More Mr. Nice Guy
7. Generation Landslide
8. Sick Things
9. Mary Ann
10. I Love the Dead

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298. Iggy & The Stooges – Raw Power (1973)



El último trabajo de los Stooges en los setentas terminó de sentar las bases del movimiento punk. Desde el track inicial queda clara la premisa de Iggy and the Stooges: “Search and Destroy” es la declaración de principios del punk. “Soy el niño olvidado por el mundo”, “tengo el corazón lleno de napalm”, “no tengo tiempo para pedir disculpas”; de ahí en adelante Raw Power es un verdadero clásico de la furia y la desesperanza, la odisea drogada y escandalosa que terminó de tirar las cenizas de los hippies por el inodoro para encaminar al rock a su decadencia absoluta.
La banda de Detroit liderada por James Osterberg, alias Iggy Pop, jamás gozó de mucha popularidad. Sus canciones de dos acordes, sus ritmos básicos y sus letras groseras no encajaron en un mundo que pensó que se había salvado con la paz y el amor profesados en Woodstock. Tras unos años de conciertos en locales pequeños, haciendo algunas canciones, en 1969 los Stooges consiguieron el milagro de grabar un álbum, auto titulado, en el que proyectaron su mezquindad con títulos como “quiero ser tu perro” y letras nada divertidas que los establecieron como la escoria de la industria discográfica. Cuando el rock tendía a volverse sofisticado o experimental, los Stooges volvieron a las raíces, haciendo canciones de tres minutos, con coros gritones y estructuras simples, pero con un derroche de irreverencia materializado en sus distorsiones y la versatilidad vocal del cantante y un contenido más visceral y violento, tan políticamente incorrecto como para merecer el repudio que pocos años antes era exclusivo de The Velvet Underground.
Presentaciones caóticas, maquillaje de mujerzuela sudorosa, chaquetas de cuero y una actitud tan desparpajada que incluso los motociclistas más piojosos los abucheaban, mantuvieron a estos vagos al margen de la radio y las groupies. Apenas una base de fanáticos de lo que ahora llamamos “rock de garaje” siguió la carrera del cuarteto.
Por eso, sólo hasta 1973 se repitió el milagro de grabar un álbum. Esta vez, las relaciones entre los integrantes no eran nada cordiales y nadie quería acercarse a estos vegetarianos adictos a la heroína. El resultado fue uno de los trabajos más estridentes de la historia, pero a la vez una pieza visionaria y perfecta: esto no sólo es punk, también muestra las bases del heavy metal de los ochentas y define el rock que seguimos escuchando en los Strokes y demás clones.
Columbia,, creyó que podía sacar a los Stooges del caño con este álbum, entonces llamó a David Bowie para que hiciera las mezclas y lo dejara medianamente digerible. El fracaso comercial fue rotundo; pero Raw Power se conviritó en un tesoro olvidado: incluso bandas como Guns N’ Roses y Red Hot Chili Peppers lo ubican entre sus influencias más claras. Para cerrar, el recuento de las canciones de Raw Power es obligatorio: de la vehemencia de “Search and Destroy” se pasa a la voz profunda de “Gimme Danger”, luego al ritmo que envidiarían incluso los Ramones de “Your Pretty Face is Going to Hell”. Los oídos descansan con el vibráfono de la vulgar “Penetration”, que se complementa con “Raw Power”, la pieza que define el álbum y da paso al blues burlón de “I Need Somebody”. El cierre se aproxima con el escandaloso twist de “Shake Appeal” y llega con “Death Trip”. En menos de cuarenta minutos uno descubre por qué estos niños eran los rechazados del colegio y, lo mejor, se identifica con ellos: treinta años después de este poder crudo, Iggy Pop dijo que, de no ser por el rock, hubiera asesinado a sus compañeros de clase como los adolescentes de Columbine.

1. Search and Destroy
2. Gimme Danger
3. Your Pretty Face Is Going to Hell
4. Penetration
5. Raw Power
6. I Need Somebody
7. Shake Appeal
8. Death Trip

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299. Isley Brothers – 3 + 3 (1973)



Una de las bandas esenciales de la historia de R&B. Nacidos en Ohio, el grupo ha sobrevivido a varias generaciones.
Uno de sus grandes trabajos es este "3+3", un título que hace referencia al aumento de los integrantes que en esta época tiene el grupo, ya que al cantante Ronald Isley y a sus hermanos O'Kelly y Rudolph se añadieron su primo Chris Jasper y los hermanos pequeños Ernie y Marvin. Es decir, los Isley brothers dejaron de ser trio para pasar a ser sexteto.
El resultado fue un sonido nuevo aunque manteniendo la esencia del anterior; para muchos, es el mejor trabajo de los Isley Brothers, en donde fusionan elementos puros del Funk y el Soul con otros géneros como el Pop o incluso el Rock.
En "3+3" se incluye el éxito "That Lady" e incluso "If You Were There", un tema que hicieron éxito Wham, años más tarde. También aparecen un par de curiosas versiones: "Listen To The Music" original de los Doobie Brothers y este "Don't Let Me Be Lonely Tonight" de James Taylor...
Pocos artistas de cualquier género pueden rivalizar con el impacto que los Isley Brothers han tenido en la música contemporánea. The Isley Brothers han sido la antorcha y el hilo conductor de una dinámica tradición soul que abarca el rhythm & blues, el gospel e incluso el jazz. "3 + 3", que alcanzó el Top 10 de pop. Certificado como disco de oro, fue el primero de sus discos en lograrlo.

1. That Lady
2. Don't Let Me Be Lonely Tonight
3. If You Were There
4. You Walk Your Way
5. Listen to the Music
6. What It Comes Down To
7. Sunshine (Go Away Today)
8. Summer Breeze
9. Highways of My Life, The
10. That Lady - (previously unreleased, live, bonus track)

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300. New York Dolls – New York Dolls (1973)



Grupo de rock surgido a comienzos de los años 70, precursor de estilos venideros como el punk británico o el sleazy metal.De provocadora estética glam y agresiva actitud hard rockera, recogían influencias de David Bowie, T. Rex, los Stooges o los Rolling Stones.
Se formaron en 1971 cuando el vocalista David Johansen, los guitarristas Johnny Thunders y Syl Sylvian, el bajista Arthur Kane y el batería Billy Murcia unieron fuerzas para actuar con éxito en diferentes clubs de la ciudad de Nueva York. Tras sus primeros y explosivos conciertos iniciaron una gira en Gran Bretaña, en la que se produjo la fatal muerte del batería Murcia, quien falleció tras una sobredosis de estupefacientes. Fue reemplazado en las baquetas por Jerry Nolan.
Extremando la imagen femenina del glam británico y acerando las posturas más rockeras de formaciones como Stones o Stooges, los New York Dolls se convirtieron en un grupo singular dentro del panorama musical norteamericano. A pesar de que las compañías musicales al principio se mostraban bastante reacias a firmar a la banda debido a su escaso atractivo comercial, en 1973 consiguieron concretar un contrato con la Mercury Records para grabar su primer y esencial LP homónimo dominado por la autoridad compositiva de la pareja Johansen/Thunders y por la producción de Todd Rundgren.
"New York Dolls" no consiguió triunfar en listas de ventas pero contenía toda la actitud proto-punk definitoria de muchos movimientos sónicos posteriores en vibrantes temas como "Personality Crisis", "Frankenstein", "Looking For a Kiss" o "Trash".
Los Dolls influenciaron una era completa de músicos y bandas como Hanoi Rocks, The Ramones, Mötley Crüe, Guns N' Roses, The Damned y Morrissey (de The Smiths, quien solía ser líder del club de fans de New York Dolls). También fuera una influencia masiva en varios miembros de Sex Pistols, especialmente en el guitarrista Steve Jones, quien dijo que en retrospectiva, se sentía avergonzado de lo mucho que copió el estilo de Johnny Thunders y también el infame de GG Allin que fue tanta su influencia que iba travestido a sus clases cuando estudiaba . El manager de los Pistols, Malcolm McLaren, estuvo brevemente involucrado con los Dolls al final de sus carreras.
Un caso clásico del todo siendo mayor que la suma de sus partes, los Dolls fueron mucho más que una banda. Su devota audiencia original se convierte en la placa de Petri de una escena; emularon a sus héroes y formaron grupos en su imagen.

1. Personality Crisis
2. Looking For a Kiss
3. Vietnamese Baby
4. Lonely Planet Boy
5. Frankenstein
6. Trash
7. Bad Girl
8. Subway Train
9. Pills
10. Private World
11. Jet Boy

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