1001 discos que hay que escuchar antes de morir
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
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151. Dusty Springfield – Dusty in Memphis (1969)
Dusty Springfield es una de las grandes voces de pop-soul surgidas en la Gran Bretaña de los años 60, de gran calado sensitivo y efecto melodramático, su excepcional voz sobrepasa una glamourosa estampa del Swinging London para expandir sus ejecuciones pop con piezas blues, jazz y especialmente soul, convirtiéndose en la mejor vocalista blanca del estilo en toda su historia.
Amante de la música afroamericana, Dusty presentó en 1965 el programa “The sound of Motown”, emisión televisiva que le sirvió para popularizar en su país su música favorita, el soul derivado de la legendaria factoria musical de Berry Gordy Jr.
A partir de 1967, con la irrupción de nuevos caminos sonoros, como la psicodelia y el rock progresivo, la música de Dusty perdió interés en el Reino Unido, hecho que aprovechó la rubia vocalista para cambiar de rumbo.
Fichó por Atlantic y grabó con la ayuda de Tom Dowd, Jerry Wexler y Arif Mardin su obra cumbre, “Dusty in Memphis” (1969), álbum en el cual aparecía el conocido tema “Son of a preacher man” (número 10 en el Billboard), una canción escrita por John Hurley y Ronnie Wilkins que al año siguiente fue versionada por Aretha Franklin.
1. Just a Little Lovin'
2. So Much Love
3. Son of a Preacher Man
4. I Don't Want to Hear It Anymore
5. Don't Forget About Me
6. Breakfast in Bed
7. Just One Smile
8. Windmills of Your Mind
9. In the Land of Make Believe
10. No Easy Way Down
11. I Can't Make It Alone
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152. Elvis Presley – From Elvis in Memphis (1969)
En la etapa entre 1961 y 1968, Elvis había conseguido triunfar tanto en el cine como la música. Con el tiempo, sin embargo, la popularidad de Elvis empezó a decaer. Al mismo tiempo, la invasión de la música británica en 1963, que se vio empujada al éxito en los años 50 precisamente gracias al éxito del norteamericano, empezó a dañar la carrera de Elvis, lo mismo que ocurrió con el éxito que alcanzaron otros artistas estadounidenses. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones y The Doors, y cantautores como Bob Dylan entraron a formar parte del mundo de la música, y se convirtieron en una nueva alternativa para los fans más jóvenes. En 1968, las cosas cambiaron cuando Elvis protagonizó un espectacular regreso.
La increíble reacción del público y las excelentes críticas que recibió aquel especial animaron a Elvis a intentar recuperar la posición de líder en el mundo de la música. Para empezar, cambió su estilo de grabación por primera vez en casi una década. Dejó a un lado los estudios de Nashville que fueron su hogar entre 1960 y 1968, y un mes después de la emisión de aquel famoso especial televisivo de 1968 empezó a grabar en Memphis, contando además con un nuevo grupo de músicos. De nuevo, Elvis se resistía a dejarse encasillar por las barreras musicales de su época, y se volcó en el desarrollo de un estilo propio.
Lo mismo que hizo con las canciones que interpretó tras su regreso del servicio militar, From Elvis in Memphis, el álbum que publicó en 1969 incluía varios géneros muy distintos entre si. El disco ofrecía nada menos que 12 personalidades musicales totalmente independientes. Apoyado por el éxito de los singles “In The Ghetto” y “Suspicious Minds”, las canciones contaban además con letras más maduras y con un mayor compromiso social. Elvis acababa de iniciar una nueva e importante etapa de su carrera.
1. Wearin' That Loved on Look
2. Only the Strong Survive
3. I'll Hold You in My Heart (Till I Can Hold You in My Arms)
4. Long Black Limousine
5. It Keeps Right on A-Hurtin'
6. I'm Movin' On
7. Power of My Love
8. Gentle on My Mind
9. After Loving You
10. True Love Travels on a Gravel Road
11. Any Day Now
12. In the Ghetto
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153. Velvet Underground – Velvet Underground (3rd Album) (1969)
Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo "The Velvet Underground" (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como "Candy says", "Pale blue eyes", "Beginning to see the light" o "Jesus".
1. Candy Says
2. What Goes On
3. Some Kinda Love
4. Pale Blue Eyes
5. Jesus
6. Beginning to See the Light
7. I'm Set Free
8. That's the Story of My Life
9. Murder Mystery
10. After Hours
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154. Quicksilver Messenger Service – Happy Trails (1969)
Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco. Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan. El germen de Quicksilver Messenger Service es obra del cantautor Dino Valenti, quien junto al citado Cipollina a las seis cuerdas, Jim Murray a la voz y armónica, David Freiberg al bajo y Casey Sonoban a la batería (Skip Spence también participó en la formación del grupo aunque estuvo muy poco tiempo) intentaron abrirse camino en la ciudad californiana en el año 1965.
Tristemente, Valenti fue condenado por posesión de drogas a los pocos meses de la formación de la banda y tuvo que abandonar durante varios años el grupo.
En 1969 publicaron "Happy Trails" (1969), un disco en directo que se convertiría en su LP más recordado, principalmente por su larga versión del "Who do you love", tema escrito por una de sus máximas influencias, el pionero del R&B y el rock'n'roll Bo Diddley, conduciendo las clásicas pautas guitarreras de Diddley a sus postulados psicodélicos. El álbum tiene una bonita portada realizada por George Hunter.
01. Who Do You Love - Part 1
02. When You Love
03. Where You Love
04. How You Love
05. Which Do You Love
06. Who Do You Love - Part 2
07. Mona
08. Maiden Of The Cancer Moon
09. Calvary
10. Happy Trails
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155. Led Zeppelin – Led Zeppelin (1st Album) (1969)
Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico.
Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco.
Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicaría en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Su fornido y épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistaron a la audiencia gracias a temas como “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Good times” o “Babe, I’m gonna leave you”.
Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,2 incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos,2 y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles.
1. Good Times, Bad Times
2. Babe I'm Gonna Leave You
3. You Shook Me
4. Dazed and Confused
5. Your Time Is Gonna Come
6. Black Mountain Side (instrumental)
7. Communication Breakdown
8. I Can't Quit You Baby
9. How Many More Times
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156. Band – Band (2nd Album) (1969)
Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60.
La historia de la banda se retrotrae a finales de los años 50, cuando Ronnie Hawkins, un cantante de rockabilly procedente de Arkansas se asentó en Ontario, Canadá, llevando consigo al batería Levon Helm, tambien nacido en el citado estado norteamericano.
Hawkins contrató a un conjunto de jóvenes músicos que terminarían formando parte de The Hawks, cuando el grueso del grupo que acompañaba a Ronnie terminó separándose. Los nuevos Hawks eran todos de nacionalidad canadiense: el guitarrista Robbie Robertson, el bajista y vocalista Rick Danko, el pianista y vocalista Richard Manuel y Garth Hudson, un instrumentista procedente de la música clásica que se ocuparía del órgano. En 1965 se produciría un encuentro crucial para el desarrollo de la banda.
Colaborando como músicos de sesión con John Hammond Jr conocieron a Bob Dylan, con el que iniciarían una relación artística muy productiva, especialmente en las actuaciones en directo del cantautor folk, que había adoptado finalmente la sonoridad eléctrica a pesa de muchas voces contrarias a ese progreso sonoro.
Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido en las baquetas por Mickey Jones. Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. Con "The Band" (1969) reafirmó su gran talento para la unificación y creación de formas tradicionales con el rock, prosiguiendo el firme paso iniciado con "Music from big pink" pero con una mayor presencia en el aspecto compostivo, a diferencia de la mayor diversificación de su esfuerzo previo, del guitarrista Robbie Robertson. Algunas de las mejores canciones del disco son la excelente "The night they drove old dixie down", "Up on cripple creek", "Rag Mama Rag", "Across the great divide", "King Harvest (Has surely come)" o "The Unfaithful servant".
01. Across The Great Divide
02. Rag Mama Rag
03. The Night They Drove Old Dixie Down
04. When You Awake
05. Up On Cripple Creek
06. Whispering Pines
07. Jemima Surrender
08. Rockin' Chair
09. Look Out Cleveland
10. Jawbone
11. The Unfaithful Servant
12. King Harvest (Has Surely Come)
13. Get Up Jake
14. Rag Mama Rag
15. The Night They Drove Dixie Down
16. Up On Cripple Creek
17. Whispering Pines
18. Jemima Surrender
19. King Harvest (Has Surely Come)
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157. Led Zeppelin – II (1969)
Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con autoridad su magisterio en la construcción y ejecución de piezas hard-blues-rock de alto voltaje y alternancia acústico/eléctrica.
Sus detractores les acusan a menudo de latrocinio y hurto a grandes nombres del blues pero, partiendo del fundamento de esas referencias y de la irrefutable ascendencia de esos esenciales nombres, es también innegable la instauración de un nuevo orden auditivo desarrollado en el empaque otorgado a sus raices bluesy con un trabajo arrebatador en la edificación de riffs, musculatura rítmica y sobre todo, singular creación de atmósferas, como la conseguida con el clima sexual emanado de "Whole lotta love", gran clásico (número 4 en los EEUU) en donde utilizan el theremin y en donde recogen textos del "You need love" de Willie Dixon.
Su musculado sentido del ritmo se exhibe en "Heartbreaker" (con un glorioso riff guitarrero de Page) y en el enérgico hard-rock de "Living loving maid", mientras que la pasión por el blues asoma en "Lemon song" (una canción basada en el tema "Killing Floor" de Howlin' Wolf que despliega un soberbio trabajo de Jones al bajo) o "Bring it on home" (donde recogen claros influjos de Sonny Boy Williamson).
Las baladas blues-rock destacan con "What is and what should never be" y "Thank you", hermoso tema dedicado por Robert Plant a su esposa Maureen que comparte espacios acústicos con la tolkieniana "Ramblin on". Uno de los momenos álgidos del LP es la espectacular "Moby dick", un tema derivado de una canción de Sleepy John Estes ("The girl I love, She got long curly hair"
que contiene un memorable solo de Bonzo.
1.- Whole Lotta Love
2.- What Is and What Should Never Be
3.- The Lemon Song
4.- Thank You
5.- Heartbreaker
6.- Living Loving Maid
7.- Ramble On
8.- Moby Dick
9.- Bring It On Home
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158. MC5 – Kick Out the Jams (1969)
Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes vocingleros y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de los semblantes sónicos del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como Hendrix, los Who, Stones, Cream, los Troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso Little Richard.
Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick out the jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.
Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys.
1. Ramblin' Rose
2. Kick Out The Jams
3. Come Together
4. Rocket Reducer No. 62
5. Borderline
6. Motor City Is Burning
7. I Want You Right Now
8. Starship
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159. The Temptations – Cloud Nine (1969)
The Temptations (Detroit, 1961), grupo de música soul, rhythm and blues y pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política. Fue el más importante grupo vocal masculino de los años sesenta. Estuvo inicialmente formado por cinco cantantes a partir de la fusión de dos grupos de Detroit, The Primes y The Distants. Otis Williams, Elbridge (conocido como El, o Al) Bryant y Melvin Franklin eran ya unos veteranos de la escena musical de Detroit cuando formaron the Distants, que en 1959 grabarían el sencillo "Come On" para el sello local Northern. Por las mismas fechas, the Primes, trío formado por Eddie Kendricks, Paul Williams y Kell Osborne, se trasladaron a Detroit desde su originaria Alabama. Rápidamente, obtuvieron éxito (el mánager crearía una versión en femenino, The Primettes, del que más tarde surgirían The Supremes, con Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard).
Con Cloud Nine, Motown ganó su primer Grammy en 1969 al Mejor Grupo de Rhythm & Blues, alcanzó el número 2 en las listas de R & B en los EE.UU.
1. Cloud Nine
2. I Heard It Through the Grapevine
3. Runaway Child, Running Wild
4. Love Is a Hurtin' Thing
5. Hey Girl
6. Why Did She Have to Leave Me (Why Did She Have to Go)
7. I Need Your Lovin'
8. Don't Let Him Take Your Love From Me
9. I Gotta Find a Way (to Get You Back)
10. Gonna Keep on Tryin' Till I Win Your Love
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160. Sly & The Family Stone – Stand! (1969)
Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone). Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular. Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.
A finales de 1968, Sly & The Family Stone editaron el sencillo Everyday People, que se conviritió en su primer número 1. Junto con la cara B, Sing A Simple Song, este disco sirvió de avanzadilla para el nuevo álbum, publicado cinco meses después, cuyo título era Stand!. Con más de tres millones de copias vendidas, lanzó al grupo a la fama, propagando además su irresistible imagen, con músicos de todas las razas y sexos, mensajes de paz, amor, tolerancia, muy en la línea del periodo hippie que se estaba cerrando; todo ello aderezado con una irresistible música de raíz soul y funk, pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz; y todo ello a través de un prisma psicodélico complejo y elaborado.
Este gran éxito hizo que Sly & The Family Stone fueran invitados a tocar en la primera edición del festival de música de Woodstock en agosto de 1969, que se convertiría a la postre en, probablemente, el más importante evento musical de la historia. Su actuación, a juicio de muchos entre lo más destacable del festival, les procuró un contacto directo con una nueva generación de jóvenes, que cayeron rendidos ante la propuesta del grupo.
1. Stand!
2. Don't Call Me Nigger, Whitey
3. I Want to Take You Higher
4. Somebody's Watching You
5. Sing a Simple Song
6. Everyday People
7. Sex Machine
8. You Can Make It If You Try
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161. Tim Buckley – Happy Sad (1969)
Pocas veces el mundo de la música engendra un talento tan brillante y polifacético. Tim Buckley, joven cantautor estadounidense nacido en 1947, se erigió como uno de los más destacados y prometedores músicos de la década de los 60, rechazando inicialmente etiquetas y modas que pudieran condicionar su inmensa obra. Hoy por hoy, haciendo balance de su corta pero prolífica carrera, sería difícil asignarle un género en especial, pues experimentó con el folk, el pop, el rock, la psicodelia y el jazz sin caer en tópicos estilísticos. Lamentablemente, y como era frecuente en esa época, la muerte nos arrebató prematuramente su voz: el 29 de junio de 1975 Tim Buckley moría por sobredosis de heroína dejando tras de sí varios discos de cautivadora y arrebatadora belleza.
Happy Sad es uno de esos maravillosos ejemplos; 6 conmovedoras canciones que reflejan el alma de un muchacho de 21 años que parecía haber vivido ya cientos de ellos. Desde el punto de vista musical, los ritmos jazzísticos predominan en este disco de lisérgica melancolía, donde la sorprendentemente versátil voz de Buckley se funde con las mágicas notas de un vibráfono en Love from room 109 at the islander o con los tribales ritmos de los tambores de Gipsy Woman. Resulta difícil encontrar hoy en día álbumes con tantos matices sonoros, donde cada escucha suponga un nuevo descubrimiento. Dream letter es, en mi opinión, la pieza clave y sin embargo resulta difícil de definir. Basta con escucharla en algún lugar tranquilo, en silencio, tal vez en la cama apunto de dormir, para comprobar que nos hallamos ante un músico extraordinario que poseía la innata habilidad de alcanzar y estremecer el alma humana.
El escaso carácter comercial de un disco de estas características supuso para Tim Buckley un escollo difícil de superar. Continuó su carrera, incrementando si cabe su afán por la constante experimentación. De hecho, me atrevería a afirmar que escuchando sus primeros discos, Happy Sad constituye una transición entre el estilo más folk de sus primeros trabajos y la adopción de un estilo barroco, donde las canciones ganan en complejidad con la aportación de nuevos instrumentos. Sin embargo, el desencanto de los escasos éxitos comerciales y sus tormentos personales le arrastraron a una vorágine de drogas y depresión que marchitaron su vida y ensalzaron su obra. Y es que, lamentablemente, tragedia y reconocimiento suelen ir de la mano; triste destino para los artistas que procuran vivir de su música.
1. Strange Feelin'
2. Buzzin' Fly
3. Love from Room 109 at the Islander (On Pacific Coast Highway)
4. Dream Letter
5. Gypsy Woman
6. Sing a Song for You
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162. Chicago Transit Authority (1969)
Chicago Transit Authority es el álbum debut de la banda Chicago. Iniciaron su carrera bajo este nombre, sin embargo un año después lo cambiaron por el de Chicago , para evitar críticas y confusiones (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing). Lanzado al mercado en abril de 1969, este LP-doble contiene 12 temas, entre los cuales se encuentran los éxitos “Beginnings” y “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, con los que innovaron la industria de la música, siendo los primeros (junto con Blood, Sweat & Tears) en incorporar a la música rock el sonido de los metales, común de la música de Big Bands.
Este álbum fue producido por James William Guercio. La formación de la banda era: Terry Kath (guitarrista y vocalista), Robert Lamm (teclista y vocalista), Peter Cetera (bajista y vocalista), Lee Loughnane (trompetista y vocalista), James Pankow (trombonista), Walter Parazaider (saxofonista, flautista y vocalista) y, por último, Daniel Seraphine (baterista). Uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas.
01.Introduction
02.Does Anybody Really Know What Time It Is?
03.Beginnings
04.Questions 67 And 68
05.Listen
06.Poem 58
07.Free Form Guitar
08.South California Purples
09.I'm A Man
10.Prologue
11.Someday
12.Liberation
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163. Fairport Convention – Unhalfbricking (1969)
Fairport Convention ha sido uno de los grupos más importantes en la historia del folk-rock británico, con acercamiento también, dentro de sus propias raíces, a postulados sónicos de la Costa Oeste estadounidense. Por su formación pasó un buen puñado de significativos nombres del estilo en Gran Bretaña, como Sandy Denny, Richard Thompson, Ashley Hutchings, etc, etc.
La banda comenzó como sexteto su andadura en 1967. En su primera encarnación estaba integrada por la cantante Judy Dyble (nacido el 13 de febrero de 1949 en Londres), el cantante Ian Matthews (nacido el 16 de junio de 1946 en Lincolnshire), el guitarrista y cantante Richard Thompson (nacido el 3 de abril de 1949 en Londres), el guitarrista y vocalista Simon Nicol (nacido el 13 de octubre de 1950 en Muswell Hill), el bajista Ashley Hutchings (nacido el 26 de enero de 1945 en Muswell Hill), y el batería Martin Lamble (nacido el 28 de agosto de 1949 en St. Johns Wood).
“Unhalfbricking” es uno de sus trabajos más inspirados y uno de sus discos mejor recibidos en ventas al alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. Contenía tres revisitaciones de temas de Bob Dylan, entre ellas el sencillo “Si tu dois partir” (número 21). “A sailor’s life”, pieza escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía.
1. Genesis Hall
2. Si Tu Dois Partir
3. Autopsy
4. Sailor's Life
5. Cajun Woman
6. Who Knows Where the Time Goes?
7. Percy's Song
8. Million Dollar Bash
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164. The Youngbloods – Elephant Mountain (1969)
Banda estadounidense de pop y folk-rock, que establecían un sonido muy parecido al ofertado por los Lovin' Spoonful.
Surgidos en la ciudad de Boston a mediados de los años 60, los Youngbloods estaban liderados por el bajista y cantante Jesse Colin Young, quien junto al guitarrista Jerry Corbit, el teclista Lowell Levinger (más conocido por Banana) y el batería Joey Bauer comenzaron su andadura por los clubes de la citada localidad de Massachussets y por el circuito folkie de Nueva York.
La adopción por parte de la comunidad hippie como himno de este último tema supuso que los Youngbloods cambiasen de residencia, trasladandose de costa a costa e instalandose en California, lugar en el cual publicarían "Elephant Mountain" , su Lp más recordado junto a "The Youngbloods".
Antes de cambiar Nueva York por San Francisco, el guitarrista Jerry Corbitt había abandonado la formación en plenas sesiones de grabación para iniciar una carrera en solitario. Aunque no tuvo tampoco demasiada aceptación comercial (número 118), el disco repleto de pop, folk y psicodelia se convirtió en uno de los más interesantes de su época, con grandes canciones como "Darkness, darkness", "Smug", "Beautiful" o "Sunlight".
Aquí terminaría la mejor etapa de los Youngbloods, pues poco después con la incorporación del guitarrista Michael Kane y ya grabando en su propio sello discográfico llamado Raccoon no lograrían acercarse a su sonido más inspirado.
1. Darkness, Darkness
2. Smug
3. On Sir Francis Drake
4. Sunlight
5. Double Sunlight
6. Beautiful
7. Turn It Over
8. Rain Song (Don't Let the Rain Bring You Down)
9. Trillium
10. Quicksand
11. Black Mountain Breakdown
12. Sham
13. Ride the Wild
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165. Isaac Hayes – Hot Buttered Soul (1969)
En 1969, antes de la publicación de "Hot Buttered Soul", ISAAC HAYES ya era uno de los personajes más importantes del género, aunque su nombre permaneciese ajeno a los focos, escrito en la letra pequeña de los créditos de los singles. Se trataba de uno de los productores y compositores "residentes" de Stax Records, y por ello uno de los responsables máximos en la sombra de la creación del "southern soul". Junto a David Porter había alimentado de hits de la talla de "I Take What I Want", "Hold On I´M Coming", "Soul Man" o "I Thank You" a estrellas como Sam & Dave, Johnnie Taylor, Carla Thomas...etc. Su voz más escasa que la de los grandes vocalistas de los que disfrutaba la casa y su particular aspecto no encajaban con el prototipo de figura pública y de "show-man" que, en principio, se necesitaba para tener una carrera propia. Pero su talento y olfato para componer éxitos le convirtieron poco a poco en un personaje muy poderoso dentro de la artesanal estructura de la Stax. Para finales de los años sesenta tanto él mismo como la propia Stax habían cubierto una brillantísima etapa, repleta de éxitos comerciales, pero la fórmula comenzaba a agotarse y quedarse anticuada.
Finalmente en el año 1968, con "The Isaac Hayes Movement" realiza su primer disco en solitario, que resulta completamente ignorado por las listas de ventas. Al año siguiente insiste con este segundo y ambicioso álbum, probablemente para su propio divertimento y para experimentar con elementos que en su trabajo de escritor y productor de plantilla le resultaban vedados. Graba un disco aparentemente poco comercial, con tan sólo cuatro canciones repartiéndose los 40 minutos de metraje. En su portada "Hot Buttered Soul" exhibe orgulloso la peculiar imagen de Hayes, con esa calva prominente que probablemente vetó su carrera de cantante en un principio. Y para poder ofrecer algo interesante partiendo de sus características, en ningún momento se aferra a su peculiar voz, que por el contrario sí es utilizada y dosificada con inteligencia y técnica para sobreponerse a sus limitaciones. La apuesta de Hayes es por un sonido atmosférico y "progresivo", orquestado con cuerdas y con largos desarrollos instrumentales, algunos de hasta veinte minutos. Un precedente claro de su trabajo como rey de la banda sonora de Blaxplotation en los setenta.
Pero de algún modo, aparentemente inexplicable, este álbum absolutamente ajeno a la búsqueda de hit-singles se convierte en un completo éxito de ventas. Y se considera, de hecho, el disco que hizo saltar el "soul" de la "era de los singles a la era de los L.P´s".
1. Walk On By
2. Hyperbolicsyllablicsesquedalymistic
3. One Woman
4. By the Time I Get to Phoenix
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166. Grateful Dead – Live/Dead (1969)
Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal.
Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead.
Sus conciertos, los cuales se aposentaban en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Live/Dead es el primer disco oficial en vivo de Grateful Dead (en su edición original en vinilo, el LP era doble). Las canciones fueron tomadas de shows realizados en el Fillmore West y el Avalon Ballroom. Sorprende la gran calidad de sonido, en especial teniendo en cuenta el año en el cual se grabó el álbum. Dark Star es la canción que abre el disco y es un monumento a la improvisación, la cual mantienen durante algo más de 23 minutos.
1. Dark Star
2. St. Stephen
3. Eleven
4. Turn on Your Love Light
5. Death Don't Have No Mercy
6. Feedback
7. And We Bid You Goodnight
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167. The Kinks – Arthur: Or the Decline & Fall of the British Empire (1969)
La sagacidad ácida de talante cínico de Ray Davies y la pujanza guitarrera de su hermano Dave son las características básicas de los Kinks, una de las bandas más importantes que florecieron en la Invasión Británica de los años 60. El vocalista líder y guitarrista rítmico Ray (nacido el 21 de junio de 1944 en Muswell Hill, Londres) y el guitarra líder Dave (nacido el 3 de febrero de 1947 en Muswell Hill, Londres) habían formado a comienzos de los años 60 un grupo denominado The Ravens, que estaba completado por el bajista Pete Quaife (nacido el 31 de diciembre de 1943 en Tavistock, Devonshire) y el batería Mickey Willet.
Tras la publicación de uno de sus mejores discos, "The Village Green Preservation Society", Pete Quaife abandonó el grupo, siendo sustituido por John Dalton, antiguo miembro del grupo mod The Mark Four, los futuros The Creation. Quaife, por su parte, formaría el grupo Maple Oak. Aunque "The Village Green..." ya denotaba un espíritu conceptual, con el magistral "Arthur (or the decline and fall of the British Empire)" (1969), un proyecto inicial para televisión en el cual los Kinks centraban todos sus temas en torno a la figura del homónimo personaje que da título al disco, una traslación ilusionante de un ciudadano medio inglés a tierras australianas en el escenario de posguerra que servía a Ray Davies para ofertar de manera cáustica trazos socioculturales e históricos de su país.
Sus últimos discos no funcionaron bien a nivel comercial en su día, pero actualmente están considerados como dos de los mejores trabajos de la banda.
1. Victoria
2. Yes Sir, No Sir
3. Some Mother's Son
4. Drivin'
5. Brainwashed
6. Australia
7. Shangri-La
8. Mr. Churchill Says
9. She's Bought a Hat Like Princess Marina
10. Young and Innocent Days
11. Nothing to Say
12. Arthur
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168. King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)
Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.
De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos, deparan algunos de los mejores tramos que ha conocido el estilo, en una demostración de cómo emplear sin jactanciosa pomposidad el mellotron, la guitarra, la batería, el bajo o los instrumentos de viento.
"21st Century Schizoid Man" es uno de los temas más importantes en la carrera de King Crimson, quizá el que mejor defina su capacidad para conjugar el hard-rock con el jazz, en un tránsito distorsionado y lleno de pujanza ácida, de espíritu acérbico y enfoque pesimista sobre la naturaleza humana, marcada por la violencia y la avaricia.
El contrapunto a la pieza que abre el Lp es "I Talk to the Wind", una bellísima balada imbuida por Pete Senfield de sensible melancolía, que Greg Lake transmite vocalmente de manera muy efectiva, ornamentado por una lastimera y maravillosa flauta.
"Epitaph" es un corte de sublime melodía que presenta un gran trabajo poético de Senfield y una afligida atmósfera, enaltecida por su proyección épica.
"Moonchild" comienza como una preciosa balada marcada por una subyugante imaginería bucólica para transformarse en un extenso muestrario jazz de infusión psicodélica y clave minimalista, que desesperará a algunos por su posible indulgencia experimental e hipnotizará a otros por su calmosa capacidad letárgica.
El LP, que dejó boquiabierto a muchos de sus coetáneos, se cierra con el título homónimo, un inolvidable corte, brillante tanto en su labor instrumental como vocal, con especial significación del mellotron de Ian McDonald, que nos retrotrae a un fascinante escenario medieval.
3. Epitaph/March for No Reason/Tomorrow and Tomorrow
4. Moonchild/The Dream/The Illusion
5. Court of the Crimson King/The Return of the Fire Witch/The Dance of the
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169. Leonard Cohen – Songs from a Room (1969)
Songs From A Room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon & Garfunkel, Bob Dylan y Johnny Cash. Songs from a Room supuso un éxito mayor que su álbum de debut, ya que alcanzó la posición 63 en la lista del Billboard y la número 2 en Gran Bretaña.
1. Bird on a Wire
2. Story of Isaac
3. Bunch of Lonesome Heroes
4. Partisan
5. Seems So Long Ago, Nancy
6. Old Revolution
7. Butcher
8. You Know Who I Am
9. Lady Midnight
10. Tonight Will Be Fine
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170. Fairport Convention – Liege & Lief (1969)
Volvemos la vista hoy en el Retro-Visor hasta los años sesenta para encontrarnos con el gran álbum de los británicos Fairport Convention, Liege and Lief. Con su aparición inauguraban una corriente revivalista del Folk en las Islas Británicas, si bien coétaneos suyos como The Byrds o Bob Dylan ya lo habían hecho con anterioridad en el otro lado del Atlántico. Lo cierto es que este disco supuso una auténtica bocanada de aire fresco para el panorama musical británico, volviendo a poner de moda y revisando clásicos que habrían pasado desapercibidos para muchos, añadiéndoles diversos elementos y electrificando las versiones originales de los mismos; situándose entonces en un plano parecido a unos Jefferson Airplane, Grateful Dead, Donovan, The Incredible String Band o Joni Mitchell.
En el Cd2 aparecen diversas sesiones de directo en la BBC y la versión de la Balada de Easy Rider que firmaran Roger McGuinn y sus Byrds.
1. Come All Ye
2. Reynardine
3. Matty Groves
4. Farewell, Farewell
5. Deserter
6. Medley: The Lark in the Morning/Rakish Paddy/Foxhunter's Jig/Toss the F
7. Tam Lin
8. Crazy Man Michael
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171. Scott Walker – Scott 4 (1969)
A finales de los 60, pudo haberse convertido en el nuevo Frank Sinatra. Lo tenía todo. Juventud, belleza y, sobre todo, una gran voz. Una voz grave de barítono, magnética. Prefirió seguir su propio camino, aunque estuviera plagado de sombras y prolongados silencios que no hicieron sino alimentar el culto en torno a un cantante inimitable, cuya figura ha permanecido siempre rodeada de misterio. Se ha escrito mucho de esa inclinación al aislamiento a lo Greta Garbo, de su pasión por las oscuras historias de amor que sudaba Jacques Brel, de su imagen de existencialista francés, en blanco y negro con bufanda y gafas oscuras. Lugares comunes que dan empaque al personaje pero que sólo sirven para ocultar a la persona. Porque, ¿alguien sabe quién es en realidad Scott Walker?
Mathilde', una historia de amor sadomasoquista, fue la primera de sus apropiaciones del cancionero del belga. En apenas tres años, entre 1967 y 1969, Scott Walker grabó cuatro álbumes majestuosos, simplemente titulados con un número, del uno al cuatro. En ellos combina composiciones propias con temas de Brel y estándares 'middle of the road' de Bacharach y Mancini.
Disco a disco fue emergiendo un compositor y letrista sobresaliente, dotado para plasmar emociones intensas en unas pocas palabras. «Huele a milagros y suspira cristales de colores», canta en 'Rosemary', de 'Scott 3', la breve historia de un beso entre una muchacha y un viajante. Con su tercer trabajo, se aloja definitivamente en la melancolía y la depresión. Canta a la oscuridad que subyace en el romanticismo. Valses mortuorios que ahondan en la zona oscura de la psique humana. 'Scott 4' (1969), considerada por muchos su obra maestra, sufre un batacazo comercial.
En la contraportada encontramos esta cita de Albert Camus: «El trabajo de un hombre no es sino un lento camino hacia el redescubrimiento de los rodeos del arte. Esas dos o tres magníficas y sencillas imágenes en cuya presencia abrió su corazón por primera vez». Durante la primera mitad de los 70 sigue grabando discos, sin la inspiración de antaño, por exigencias del contrato. Nunca ha dejado que se reediten. El Scott Walker cantante seguía existiendo, pero el artista había optado por el exilio.
Y después, el silencio.
1. Seventh Seal
2. On Your Own Again
3. World's Strongest Man
4. Angels of Ashes
5. Boy Child
6. Hero of the War
7. Old Man's Back Again (Dedicated to the Neo-Stalinist Regime)
8. Duchess
9. Get Behind Me
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172. Stooges – Stooges (1st Album) (1969)
Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.
Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. t of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco "Stooges" (1969), bajo producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).
El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y aunque contenía grandes clásicos como "I wanna be your dog", "1969" o "No fun", su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y vendió muy pobremente. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.
1. 1969
2. I Wanna Be Your Dog
3. We Will Fall
4. No Fun
5. Real Cool Time
6. Ann
7. Not Right
8. Little Doll
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173. Alexander Spence ‘Skip’ – Oar (1969)
La historia, a estas alturas, debe de ser de todos conocida: batería original de Jefferson Airplane, se une a Moby Grape para completar una de las formaciones más prometedoras de la escena de la Costa Oeste de finales de los sesenta. Después de publicar una obra maestra como debut, los Grape sufren los irreparables errores de un mánager tan sinvergüenza como negligente, y los experimentos de "marketing" que Columbia decide realizar con ellos, convencida de su irremediable éxito (publicación simultánea de cinco sencillos para promocionarlo, por ejemplo). Spence no llega a la grabación del tercer L.P: el ácido (como a otros muchos) hace estallar violentamente su latente esquizofrenia, y debe ser ingresado en un psiquiátrico.
Spence se había mostrado como el compositor más interesante y heterodoxo de los Grape (un grupo en el que todos escribían canciones de nivel excepcional), y quizás el mejor. Cuando sale del hospital, todo ha cambiado: su esposa le ha abandonado, y las posibilidades de retornar a unos, cada vez más desgraciados Grape, se esfuman. Pese a todo, consigue que el productor de los Grape, David Rubinson le financie unas sesiones en Nashville para grabar (tocando el mismo todos los instrumentos) aquello que le viniese en gana; eso sí, con un calendario muy escaso. El producto seleccionado de esas sesiones fue publicado en 1969 por Columbia bajo el título de "Oar", y se convirtió en un disco de culto, un favorito de la crítica desde el momento de su publicación, aunque tan sólo vendiese setecientas copias en su momento.
Si un amplio colectivo de la crítica ha alabado sin moderación este disco, se debe a la libertad con la que fue elaborado; y a su carácter confesional. Pero debemos tener claro que de las ataduras de las cuales se muestra libre aquí el autor no son tanto las de los imperativos comerciales (a las cuales no creo que se plegase nunca un tipo con la personalidad tan desquiciada como la que mostró Spence desde el principio), como las del sentido común: Spence no se había curado cuando realizo este disco. La esquizofrenia se palpa, no sólo en la extravagancia de algunos de los desarrollos de los temas, sino sobre todo en las más convencionales baladas "country", porque su capacidad para alterar la propia voz llega a tales extremos, que resulta imposible identificar al cantante de este disco con el "Skip" Spence que entona sus aportaciones a los discos de los Grape.
En lo que sí que no puede haber discusión es en la absoluta fidelidad con la que "Oar" refleja el estado mental y sentimental de su autor; en esto hay pocos discos que se le acerquen. Cuando trata su situación sentimental, no introduce ni metáforas, ni ejercicios de estilo: es puramente descriptivo. Y todas las extravagancias que lo pueblan no tienen doble lectura posible: jamás volvería a necesitar LSD para tener un "trip". Acompañándolo de las letras, el disco confirma su perfección inalcanzable en este campo.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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174. Frank Zappa – Hot Rats (1969)
Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX.
Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock'n'roll, dwo wop, pop o R&B.
"Hot Rats" (1969) supuso su segunda incursión en solitario, con un tema ("Willie The Pimp" en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas, que desarrollarían en trabajos posteriores. Está considerado uno de los mejores álbumes, sino el mejor, del género del rock, en todas sus expresiones, por su magnífico ensamble musical y su experimentación con el jazz o hasta con el rock progresivo.
1. Peaches In Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel
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175. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)
Una de las varias obras maestras grabadas por la seminal banda de los hermanos Fogerty.
En el sensacional "Cosmo's factory" compartimos un recorrido por toda la erudición rockera de John, iniciada en la hipnótica "Ramble tamble", larga y penetrante pieza de hechizante sonido y pesarosa temática, continuada por estupendas revisiones de grandes de la historia de la música, como Bo Diddley, Roy Orbison, Elvis Presley o Marvin Gaye (realizando la mejor versión jamás grabada de "I heard it through the grapevine".
Además de "Ramble Tamble", las demás composiciones de John (enorme compositor, guitarrista y cantante) poseen resonancias clásicas y en muchos casos posturas antibélicas.
El rock'n'roll "Travelin' Band", la imaginaria "Lookin' out my back door", en donde extrañas criaturas bailan al ritmo de Buck Owens, la enigmática y extraordinaria "Run through the jungle", la optimista "Up around the bend", de impetuoso riff, la melódica y afligida "Who'll stop the rain" y la búsqueda vital constante de alma soul en "Long as I can see the light", hacen de este disco un trabajo imprescindible de una de las formaciones americanas más importantes de todos los tiempos.
1. Ramble Tamble
2. Before You Accuse Me
3. Travelin' Band
4. Ooby Dooby
5. Lookin' Out My Back Door
6. Run Through The Jungle
7. Up Around The Bend
8. My Baby Left Me
9. Who'll Stop The Rain
10. I Heard It Through The Grapevine
11. Long As I Can See The Light
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Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
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151. Dusty Springfield – Dusty in Memphis (1969)
Dusty Springfield es una de las grandes voces de pop-soul surgidas en la Gran Bretaña de los años 60, de gran calado sensitivo y efecto melodramático, su excepcional voz sobrepasa una glamourosa estampa del Swinging London para expandir sus ejecuciones pop con piezas blues, jazz y especialmente soul, convirtiéndose en la mejor vocalista blanca del estilo en toda su historia.
Amante de la música afroamericana, Dusty presentó en 1965 el programa “The sound of Motown”, emisión televisiva que le sirvió para popularizar en su país su música favorita, el soul derivado de la legendaria factoria musical de Berry Gordy Jr.
A partir de 1967, con la irrupción de nuevos caminos sonoros, como la psicodelia y el rock progresivo, la música de Dusty perdió interés en el Reino Unido, hecho que aprovechó la rubia vocalista para cambiar de rumbo.
Fichó por Atlantic y grabó con la ayuda de Tom Dowd, Jerry Wexler y Arif Mardin su obra cumbre, “Dusty in Memphis” (1969), álbum en el cual aparecía el conocido tema “Son of a preacher man” (número 10 en el Billboard), una canción escrita por John Hurley y Ronnie Wilkins que al año siguiente fue versionada por Aretha Franklin.
1. Just a Little Lovin'
2. So Much Love
3. Son of a Preacher Man
4. I Don't Want to Hear It Anymore
5. Don't Forget About Me
6. Breakfast in Bed
7. Just One Smile
8. Windmills of Your Mind
9. In the Land of Make Believe
10. No Easy Way Down
11. I Can't Make It Alone
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152. Elvis Presley – From Elvis in Memphis (1969)
En la etapa entre 1961 y 1968, Elvis había conseguido triunfar tanto en el cine como la música. Con el tiempo, sin embargo, la popularidad de Elvis empezó a decaer. Al mismo tiempo, la invasión de la música británica en 1963, que se vio empujada al éxito en los años 50 precisamente gracias al éxito del norteamericano, empezó a dañar la carrera de Elvis, lo mismo que ocurrió con el éxito que alcanzaron otros artistas estadounidenses. Grupos como The Beatles, The Rolling Stones y The Doors, y cantautores como Bob Dylan entraron a formar parte del mundo de la música, y se convirtieron en una nueva alternativa para los fans más jóvenes. En 1968, las cosas cambiaron cuando Elvis protagonizó un espectacular regreso.
La increíble reacción del público y las excelentes críticas que recibió aquel especial animaron a Elvis a intentar recuperar la posición de líder en el mundo de la música. Para empezar, cambió su estilo de grabación por primera vez en casi una década. Dejó a un lado los estudios de Nashville que fueron su hogar entre 1960 y 1968, y un mes después de la emisión de aquel famoso especial televisivo de 1968 empezó a grabar en Memphis, contando además con un nuevo grupo de músicos. De nuevo, Elvis se resistía a dejarse encasillar por las barreras musicales de su época, y se volcó en el desarrollo de un estilo propio.
Lo mismo que hizo con las canciones que interpretó tras su regreso del servicio militar, From Elvis in Memphis, el álbum que publicó en 1969 incluía varios géneros muy distintos entre si. El disco ofrecía nada menos que 12 personalidades musicales totalmente independientes. Apoyado por el éxito de los singles “In The Ghetto” y “Suspicious Minds”, las canciones contaban además con letras más maduras y con un mayor compromiso social. Elvis acababa de iniciar una nueva e importante etapa de su carrera.
1. Wearin' That Loved on Look
2. Only the Strong Survive
3. I'll Hold You in My Heart (Till I Can Hold You in My Arms)
4. Long Black Limousine
5. It Keeps Right on A-Hurtin'
6. I'm Movin' On
7. Power of My Love
8. Gentle on My Mind
9. After Loving You
10. True Love Travels on a Gravel Road
11. Any Day Now
12. In the Ghetto
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153. Velvet Underground – Velvet Underground (3rd Album) (1969)
Uno de los grandes grupos de todos los tiempos, poco valorado en su época, su roturación vanguardista, aridez y crudeza lírica y exploración sonora en territorios del pop y el rock influyó decisivamente en el desarrollo posterior de la música moderna, ya que sin su presencia artística, movimientos como el punk o grupos de diferentes sonidos alternativos jamás hubiesen surgido.
Sin el principal motor vanguardista de la banda y con el predominio casi total de Reed en el diseño sonoro, la Velvet Underground publicaría su tercer disco, el homónimo "The Velvet Underground" (1969), un Lp espléndido, mucho más asequible y relajado que sus anteriores propuestas y repleto de fenomenales canciones de cuidadas melodías como "Candy says", "Pale blue eyes", "Beginning to see the light" o "Jesus".
1. Candy Says
2. What Goes On
3. Some Kinda Love
4. Pale Blue Eyes
5. Jesus
6. Beginning to See the Light
7. I'm Set Free
8. That's the Story of My Life
9. Murder Mystery
10. After Hours
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154. Quicksilver Messenger Service – Happy Trails (1969)
Banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco. Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan. El germen de Quicksilver Messenger Service es obra del cantautor Dino Valenti, quien junto al citado Cipollina a las seis cuerdas, Jim Murray a la voz y armónica, David Freiberg al bajo y Casey Sonoban a la batería (Skip Spence también participó en la formación del grupo aunque estuvo muy poco tiempo) intentaron abrirse camino en la ciudad californiana en el año 1965.
Tristemente, Valenti fue condenado por posesión de drogas a los pocos meses de la formación de la banda y tuvo que abandonar durante varios años el grupo.
En 1969 publicaron "Happy Trails" (1969), un disco en directo que se convertiría en su LP más recordado, principalmente por su larga versión del "Who do you love", tema escrito por una de sus máximas influencias, el pionero del R&B y el rock'n'roll Bo Diddley, conduciendo las clásicas pautas guitarreras de Diddley a sus postulados psicodélicos. El álbum tiene una bonita portada realizada por George Hunter.
01. Who Do You Love - Part 1
02. When You Love
03. Where You Love
04. How You Love
05. Which Do You Love
06. Who Do You Love - Part 2
07. Mona
08. Maiden Of The Cancer Moon
09. Calvary
10. Happy Trails
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155. Led Zeppelin – Led Zeppelin (1st Album) (1969)
Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico.
Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco.
Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicaría en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Su fornido y épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistaron a la audiencia gracias a temas como “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Good times” o “Babe, I’m gonna leave you”.
Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,2 incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos,2 y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles.
1. Good Times, Bad Times
2. Babe I'm Gonna Leave You
3. You Shook Me
4. Dazed and Confused
5. Your Time Is Gonna Come
6. Black Mountain Side (instrumental)
7. Communication Breakdown
8. I Can't Quit You Baby
9. How Many More Times
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156. Band – Band (2nd Album) (1969)
Poco valorada su capacidad de original conjunción de músicas tradicionales americanas y su habilidad lírica, The Band se constituye como uno de los grandes grupos rock surgidos en los años 60.
La historia de la banda se retrotrae a finales de los años 50, cuando Ronnie Hawkins, un cantante de rockabilly procedente de Arkansas se asentó en Ontario, Canadá, llevando consigo al batería Levon Helm, tambien nacido en el citado estado norteamericano.
Hawkins contrató a un conjunto de jóvenes músicos que terminarían formando parte de The Hawks, cuando el grueso del grupo que acompañaba a Ronnie terminó separándose. Los nuevos Hawks eran todos de nacionalidad canadiense: el guitarrista Robbie Robertson, el bajista y vocalista Rick Danko, el pianista y vocalista Richard Manuel y Garth Hudson, un instrumentista procedente de la música clásica que se ocuparía del órgano. En 1965 se produciría un encuentro crucial para el desarrollo de la banda.
Colaborando como músicos de sesión con John Hammond Jr conocieron a Bob Dylan, con el que iniciarían una relación artística muy productiva, especialmente en las actuaciones en directo del cantautor folk, que había adoptado finalmente la sonoridad eléctrica a pesa de muchas voces contrarias a ese progreso sonoro.
Antes de la gira conjunta de 1966 y rebautizados como The Band, Levon Helm decidió no participar como simple músico acompañante de Dylan y abandonó el grupo, siendo sustituido en las baquetas por Mickey Jones. Adorados por la crítica estadounidense, The Band presentó al año siguiente su segundo trabajo en formato Lp. Con "The Band" (1969) reafirmó su gran talento para la unificación y creación de formas tradicionales con el rock, prosiguiendo el firme paso iniciado con "Music from big pink" pero con una mayor presencia en el aspecto compostivo, a diferencia de la mayor diversificación de su esfuerzo previo, del guitarrista Robbie Robertson. Algunas de las mejores canciones del disco son la excelente "The night they drove old dixie down", "Up on cripple creek", "Rag Mama Rag", "Across the great divide", "King Harvest (Has surely come)" o "The Unfaithful servant".
01. Across The Great Divide
02. Rag Mama Rag
03. The Night They Drove Old Dixie Down
04. When You Awake
05. Up On Cripple Creek
06. Whispering Pines
07. Jemima Surrender
08. Rockin' Chair
09. Look Out Cleveland
10. Jawbone
11. The Unfaithful Servant
12. King Harvest (Has Surely Come)
13. Get Up Jake
14. Rag Mama Rag
15. The Night They Drove Dixie Down
16. Up On Cripple Creek
17. Whispering Pines
18. Jemima Surrender
19. King Harvest (Has Surely Come)
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157. Led Zeppelin – II (1969)
Impresionante segundo álbum de Led Zeppelin. Si el primero exhibía su pericia en explotar con sapiencia el blues y rock de bandas y solistas como Jimi Hendrix, Cream, Willie Dixon o Jeff Beck, el segundo apuntala con firmeza su enorme contribución al mundo de la música moderna y define con autoridad su magisterio en la construcción y ejecución de piezas hard-blues-rock de alto voltaje y alternancia acústico/eléctrica.
Sus detractores les acusan a menudo de latrocinio y hurto a grandes nombres del blues pero, partiendo del fundamento de esas referencias y de la irrefutable ascendencia de esos esenciales nombres, es también innegable la instauración de un nuevo orden auditivo desarrollado en el empaque otorgado a sus raices bluesy con un trabajo arrebatador en la edificación de riffs, musculatura rítmica y sobre todo, singular creación de atmósferas, como la conseguida con el clima sexual emanado de "Whole lotta love", gran clásico (número 4 en los EEUU) en donde utilizan el theremin y en donde recogen textos del "You need love" de Willie Dixon.
Su musculado sentido del ritmo se exhibe en "Heartbreaker" (con un glorioso riff guitarrero de Page) y en el enérgico hard-rock de "Living loving maid", mientras que la pasión por el blues asoma en "Lemon song" (una canción basada en el tema "Killing Floor" de Howlin' Wolf que despliega un soberbio trabajo de Jones al bajo) o "Bring it on home" (donde recogen claros influjos de Sonny Boy Williamson).
Las baladas blues-rock destacan con "What is and what should never be" y "Thank you", hermoso tema dedicado por Robert Plant a su esposa Maureen que comparte espacios acústicos con la tolkieniana "Ramblin on". Uno de los momenos álgidos del LP es la espectacular "Moby dick", un tema derivado de una canción de Sleepy John Estes ("The girl I love, She got long curly hair"
que contiene un memorable solo de Bonzo.1.- Whole Lotta Love
2.- What Is and What Should Never Be
3.- The Lemon Song
4.- Thank You
5.- Heartbreaker
6.- Living Loving Maid
7.- Ramble On
8.- Moby Dick
9.- Bring It On Home
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158. MC5 – Kick Out the Jams (1969)
Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes vocingleros y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de los semblantes sónicos del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como Hendrix, los Who, Stones, Cream, los Troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso Little Richard.
Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick out the jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.
Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys.
1. Ramblin' Rose
2. Kick Out The Jams
3. Come Together
4. Rocket Reducer No. 62
5. Borderline
6. Motor City Is Burning
7. I Want You Right Now
8. Starship
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159. The Temptations – Cloud Nine (1969)
The Temptations (Detroit, 1961), grupo de música soul, rhythm and blues y pop, aunque se han acercado igualmente a distintas fusiones de estilos musicales y al funk con cierta carga política. Fue el más importante grupo vocal masculino de los años sesenta. Estuvo inicialmente formado por cinco cantantes a partir de la fusión de dos grupos de Detroit, The Primes y The Distants. Otis Williams, Elbridge (conocido como El, o Al) Bryant y Melvin Franklin eran ya unos veteranos de la escena musical de Detroit cuando formaron the Distants, que en 1959 grabarían el sencillo "Come On" para el sello local Northern. Por las mismas fechas, the Primes, trío formado por Eddie Kendricks, Paul Williams y Kell Osborne, se trasladaron a Detroit desde su originaria Alabama. Rápidamente, obtuvieron éxito (el mánager crearía una versión en femenino, The Primettes, del que más tarde surgirían The Supremes, con Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard).
Con Cloud Nine, Motown ganó su primer Grammy en 1969 al Mejor Grupo de Rhythm & Blues, alcanzó el número 2 en las listas de R & B en los EE.UU.
1. Cloud Nine
2. I Heard It Through the Grapevine
3. Runaway Child, Running Wild
4. Love Is a Hurtin' Thing
5. Hey Girl
6. Why Did She Have to Leave Me (Why Did She Have to Go)
7. I Need Your Lovin'
8. Don't Let Him Take Your Love From Me
9. I Gotta Find a Way (to Get You Back)
10. Gonna Keep on Tryin' Till I Win Your Love
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160. Sly & The Family Stone – Stand! (1969)
Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone). Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular. Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.
A finales de 1968, Sly & The Family Stone editaron el sencillo Everyday People, que se conviritió en su primer número 1. Junto con la cara B, Sing A Simple Song, este disco sirvió de avanzadilla para el nuevo álbum, publicado cinco meses después, cuyo título era Stand!. Con más de tres millones de copias vendidas, lanzó al grupo a la fama, propagando además su irresistible imagen, con músicos de todas las razas y sexos, mensajes de paz, amor, tolerancia, muy en la línea del periodo hippie que se estaba cerrando; todo ello aderezado con una irresistible música de raíz soul y funk, pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz; y todo ello a través de un prisma psicodélico complejo y elaborado.
Este gran éxito hizo que Sly & The Family Stone fueran invitados a tocar en la primera edición del festival de música de Woodstock en agosto de 1969, que se convertiría a la postre en, probablemente, el más importante evento musical de la historia. Su actuación, a juicio de muchos entre lo más destacable del festival, les procuró un contacto directo con una nueva generación de jóvenes, que cayeron rendidos ante la propuesta del grupo.
1. Stand!
2. Don't Call Me Nigger, Whitey
3. I Want to Take You Higher
4. Somebody's Watching You
5. Sing a Simple Song
6. Everyday People
7. Sex Machine
8. You Can Make It If You Try
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161. Tim Buckley – Happy Sad (1969)
Pocas veces el mundo de la música engendra un talento tan brillante y polifacético. Tim Buckley, joven cantautor estadounidense nacido en 1947, se erigió como uno de los más destacados y prometedores músicos de la década de los 60, rechazando inicialmente etiquetas y modas que pudieran condicionar su inmensa obra. Hoy por hoy, haciendo balance de su corta pero prolífica carrera, sería difícil asignarle un género en especial, pues experimentó con el folk, el pop, el rock, la psicodelia y el jazz sin caer en tópicos estilísticos. Lamentablemente, y como era frecuente en esa época, la muerte nos arrebató prematuramente su voz: el 29 de junio de 1975 Tim Buckley moría por sobredosis de heroína dejando tras de sí varios discos de cautivadora y arrebatadora belleza.
Happy Sad es uno de esos maravillosos ejemplos; 6 conmovedoras canciones que reflejan el alma de un muchacho de 21 años que parecía haber vivido ya cientos de ellos. Desde el punto de vista musical, los ritmos jazzísticos predominan en este disco de lisérgica melancolía, donde la sorprendentemente versátil voz de Buckley se funde con las mágicas notas de un vibráfono en Love from room 109 at the islander o con los tribales ritmos de los tambores de Gipsy Woman. Resulta difícil encontrar hoy en día álbumes con tantos matices sonoros, donde cada escucha suponga un nuevo descubrimiento. Dream letter es, en mi opinión, la pieza clave y sin embargo resulta difícil de definir. Basta con escucharla en algún lugar tranquilo, en silencio, tal vez en la cama apunto de dormir, para comprobar que nos hallamos ante un músico extraordinario que poseía la innata habilidad de alcanzar y estremecer el alma humana.
El escaso carácter comercial de un disco de estas características supuso para Tim Buckley un escollo difícil de superar. Continuó su carrera, incrementando si cabe su afán por la constante experimentación. De hecho, me atrevería a afirmar que escuchando sus primeros discos, Happy Sad constituye una transición entre el estilo más folk de sus primeros trabajos y la adopción de un estilo barroco, donde las canciones ganan en complejidad con la aportación de nuevos instrumentos. Sin embargo, el desencanto de los escasos éxitos comerciales y sus tormentos personales le arrastraron a una vorágine de drogas y depresión que marchitaron su vida y ensalzaron su obra. Y es que, lamentablemente, tragedia y reconocimiento suelen ir de la mano; triste destino para los artistas que procuran vivir de su música.
1. Strange Feelin'
2. Buzzin' Fly
3. Love from Room 109 at the Islander (On Pacific Coast Highway)
4. Dream Letter
5. Gypsy Woman
6. Sing a Song for You
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162. Chicago Transit Authority (1969)
Chicago Transit Authority es el álbum debut de la banda Chicago. Iniciaron su carrera bajo este nombre, sin embargo un año después lo cambiaron por el de Chicago , para evitar críticas y confusiones (anteriormente fueron conocidos como The Missing Links y The Big Thing). Lanzado al mercado en abril de 1969, este LP-doble contiene 12 temas, entre los cuales se encuentran los éxitos “Beginnings” y “Does Anybody Really Know What Time It Is?”, con los que innovaron la industria de la música, siendo los primeros (junto con Blood, Sweat & Tears) en incorporar a la música rock el sonido de los metales, común de la música de Big Bands.
Este álbum fue producido por James William Guercio. La formación de la banda era: Terry Kath (guitarrista y vocalista), Robert Lamm (teclista y vocalista), Peter Cetera (bajista y vocalista), Lee Loughnane (trompetista y vocalista), James Pankow (trombonista), Walter Parazaider (saxofonista, flautista y vocalista) y, por último, Daniel Seraphine (baterista). Uno de sus mejores trabajos que resultó todo un éxito de ventas.
01.Introduction
02.Does Anybody Really Know What Time It Is?
03.Beginnings
04.Questions 67 And 68
05.Listen
06.Poem 58
07.Free Form Guitar
08.South California Purples
09.I'm A Man
10.Prologue
11.Someday
12.Liberation
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163. Fairport Convention – Unhalfbricking (1969)
Fairport Convention ha sido uno de los grupos más importantes en la historia del folk-rock británico, con acercamiento también, dentro de sus propias raíces, a postulados sónicos de la Costa Oeste estadounidense. Por su formación pasó un buen puñado de significativos nombres del estilo en Gran Bretaña, como Sandy Denny, Richard Thompson, Ashley Hutchings, etc, etc.
La banda comenzó como sexteto su andadura en 1967. En su primera encarnación estaba integrada por la cantante Judy Dyble (nacido el 13 de febrero de 1949 en Londres), el cantante Ian Matthews (nacido el 16 de junio de 1946 en Lincolnshire), el guitarrista y cantante Richard Thompson (nacido el 3 de abril de 1949 en Londres), el guitarrista y vocalista Simon Nicol (nacido el 13 de octubre de 1950 en Muswell Hill), el bajista Ashley Hutchings (nacido el 26 de enero de 1945 en Muswell Hill), y el batería Martin Lamble (nacido el 28 de agosto de 1949 en St. Johns Wood).
“Unhalfbricking” es uno de sus trabajos más inspirados y uno de sus discos mejor recibidos en ventas al alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. Contenía tres revisitaciones de temas de Bob Dylan, entre ellas el sencillo “Si tu dois partir” (número 21). “A sailor’s life”, pieza escrita por Richard Thompson, es una de las mejores canciones de su discografía.
1. Genesis Hall
2. Si Tu Dois Partir
3. Autopsy
4. Sailor's Life
5. Cajun Woman
6. Who Knows Where the Time Goes?
7. Percy's Song
8. Million Dollar Bash
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164. The Youngbloods – Elephant Mountain (1969)
Banda estadounidense de pop y folk-rock, que establecían un sonido muy parecido al ofertado por los Lovin' Spoonful.
Surgidos en la ciudad de Boston a mediados de los años 60, los Youngbloods estaban liderados por el bajista y cantante Jesse Colin Young, quien junto al guitarrista Jerry Corbit, el teclista Lowell Levinger (más conocido por Banana) y el batería Joey Bauer comenzaron su andadura por los clubes de la citada localidad de Massachussets y por el circuito folkie de Nueva York.
La adopción por parte de la comunidad hippie como himno de este último tema supuso que los Youngbloods cambiasen de residencia, trasladandose de costa a costa e instalandose en California, lugar en el cual publicarían "Elephant Mountain" , su Lp más recordado junto a "The Youngbloods".
Antes de cambiar Nueva York por San Francisco, el guitarrista Jerry Corbitt había abandonado la formación en plenas sesiones de grabación para iniciar una carrera en solitario. Aunque no tuvo tampoco demasiada aceptación comercial (número 118), el disco repleto de pop, folk y psicodelia se convirtió en uno de los más interesantes de su época, con grandes canciones como "Darkness, darkness", "Smug", "Beautiful" o "Sunlight".
Aquí terminaría la mejor etapa de los Youngbloods, pues poco después con la incorporación del guitarrista Michael Kane y ya grabando en su propio sello discográfico llamado Raccoon no lograrían acercarse a su sonido más inspirado.
1. Darkness, Darkness
2. Smug
3. On Sir Francis Drake
4. Sunlight
5. Double Sunlight
6. Beautiful
7. Turn It Over
8. Rain Song (Don't Let the Rain Bring You Down)
9. Trillium
10. Quicksand
11. Black Mountain Breakdown
12. Sham
13. Ride the Wild
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165. Isaac Hayes – Hot Buttered Soul (1969)
En 1969, antes de la publicación de "Hot Buttered Soul", ISAAC HAYES ya era uno de los personajes más importantes del género, aunque su nombre permaneciese ajeno a los focos, escrito en la letra pequeña de los créditos de los singles. Se trataba de uno de los productores y compositores "residentes" de Stax Records, y por ello uno de los responsables máximos en la sombra de la creación del "southern soul". Junto a David Porter había alimentado de hits de la talla de "I Take What I Want", "Hold On I´M Coming", "Soul Man" o "I Thank You" a estrellas como Sam & Dave, Johnnie Taylor, Carla Thomas...etc. Su voz más escasa que la de los grandes vocalistas de los que disfrutaba la casa y su particular aspecto no encajaban con el prototipo de figura pública y de "show-man" que, en principio, se necesitaba para tener una carrera propia. Pero su talento y olfato para componer éxitos le convirtieron poco a poco en un personaje muy poderoso dentro de la artesanal estructura de la Stax. Para finales de los años sesenta tanto él mismo como la propia Stax habían cubierto una brillantísima etapa, repleta de éxitos comerciales, pero la fórmula comenzaba a agotarse y quedarse anticuada.
Finalmente en el año 1968, con "The Isaac Hayes Movement" realiza su primer disco en solitario, que resulta completamente ignorado por las listas de ventas. Al año siguiente insiste con este segundo y ambicioso álbum, probablemente para su propio divertimento y para experimentar con elementos que en su trabajo de escritor y productor de plantilla le resultaban vedados. Graba un disco aparentemente poco comercial, con tan sólo cuatro canciones repartiéndose los 40 minutos de metraje. En su portada "Hot Buttered Soul" exhibe orgulloso la peculiar imagen de Hayes, con esa calva prominente que probablemente vetó su carrera de cantante en un principio. Y para poder ofrecer algo interesante partiendo de sus características, en ningún momento se aferra a su peculiar voz, que por el contrario sí es utilizada y dosificada con inteligencia y técnica para sobreponerse a sus limitaciones. La apuesta de Hayes es por un sonido atmosférico y "progresivo", orquestado con cuerdas y con largos desarrollos instrumentales, algunos de hasta veinte minutos. Un precedente claro de su trabajo como rey de la banda sonora de Blaxplotation en los setenta.
Pero de algún modo, aparentemente inexplicable, este álbum absolutamente ajeno a la búsqueda de hit-singles se convierte en un completo éxito de ventas. Y se considera, de hecho, el disco que hizo saltar el "soul" de la "era de los singles a la era de los L.P´s".
1. Walk On By
2. Hyperbolicsyllablicsesquedalymistic
3. One Woman
4. By the Time I Get to Phoenix
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166. Grateful Dead – Live/Dead (1969)
Festivas ceremonias embebidas de lisergia y congregación vital, sinceros hippies de San Francisco enlazados con universos clásicos de la tradición sonora americana y despreocupadas disoluciones psicodélicas puestas en escena de forma dilatada y comunal.
Estos son algunos de los rasgos en la naturaleza como banda de una de las grandes formaciones surgidas en la América de los años 60, The Grateful Dead.
Sus conciertos, los cuales se aposentaban en improvisados sonidos lisérgicos con largos pasajes instrumentales que, desde la psicodelia ofrecían sonidos folk, country, rock, jazz o blues, fueron acrecentando con el paso de su trayectoria un masivo seguimiento por el área de San Francisco, convirtiendo a los Dead en un grupo de culto entre sus prosélitos, denominados The Deadheads, quienes seguían a la banda por todas las localidades en las que actuaban. Live/Dead es el primer disco oficial en vivo de Grateful Dead (en su edición original en vinilo, el LP era doble). Las canciones fueron tomadas de shows realizados en el Fillmore West y el Avalon Ballroom. Sorprende la gran calidad de sonido, en especial teniendo en cuenta el año en el cual se grabó el álbum. Dark Star es la canción que abre el disco y es un monumento a la improvisación, la cual mantienen durante algo más de 23 minutos.
1. Dark Star
2. St. Stephen
3. Eleven
4. Turn on Your Love Light
5. Death Don't Have No Mercy
6. Feedback
7. And We Bid You Goodnight
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167. The Kinks – Arthur: Or the Decline & Fall of the British Empire (1969)
La sagacidad ácida de talante cínico de Ray Davies y la pujanza guitarrera de su hermano Dave son las características básicas de los Kinks, una de las bandas más importantes que florecieron en la Invasión Británica de los años 60. El vocalista líder y guitarrista rítmico Ray (nacido el 21 de junio de 1944 en Muswell Hill, Londres) y el guitarra líder Dave (nacido el 3 de febrero de 1947 en Muswell Hill, Londres) habían formado a comienzos de los años 60 un grupo denominado The Ravens, que estaba completado por el bajista Pete Quaife (nacido el 31 de diciembre de 1943 en Tavistock, Devonshire) y el batería Mickey Willet.
Tras la publicación de uno de sus mejores discos, "The Village Green Preservation Society", Pete Quaife abandonó el grupo, siendo sustituido por John Dalton, antiguo miembro del grupo mod The Mark Four, los futuros The Creation. Quaife, por su parte, formaría el grupo Maple Oak. Aunque "The Village Green..." ya denotaba un espíritu conceptual, con el magistral "Arthur (or the decline and fall of the British Empire)" (1969), un proyecto inicial para televisión en el cual los Kinks centraban todos sus temas en torno a la figura del homónimo personaje que da título al disco, una traslación ilusionante de un ciudadano medio inglés a tierras australianas en el escenario de posguerra que servía a Ray Davies para ofertar de manera cáustica trazos socioculturales e históricos de su país.
Sus últimos discos no funcionaron bien a nivel comercial en su día, pero actualmente están considerados como dos de los mejores trabajos de la banda.
1. Victoria
2. Yes Sir, No Sir
3. Some Mother's Son
4. Drivin'
5. Brainwashed
6. Australia
7. Shangri-La
8. Mr. Churchill Says
9. She's Bought a Hat Like Princess Marina
10. Young and Innocent Days
11. Nothing to Say
12. Arthur
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168. King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)
Definido por Pete Townshend como "una misteriosa obra maestra", "In the court of King Crimson " es una de las grandes joyas y piezas clave del rock progresivo.
De abatida tonalidad y hermosa imaginería lírica, su emulsión básica entre rock y jazz, claves psicodélicas y eclécticos ritmos, deparan algunos de los mejores tramos que ha conocido el estilo, en una demostración de cómo emplear sin jactanciosa pomposidad el mellotron, la guitarra, la batería, el bajo o los instrumentos de viento.
"21st Century Schizoid Man" es uno de los temas más importantes en la carrera de King Crimson, quizá el que mejor defina su capacidad para conjugar el hard-rock con el jazz, en un tránsito distorsionado y lleno de pujanza ácida, de espíritu acérbico y enfoque pesimista sobre la naturaleza humana, marcada por la violencia y la avaricia.
El contrapunto a la pieza que abre el Lp es "I Talk to the Wind", una bellísima balada imbuida por Pete Senfield de sensible melancolía, que Greg Lake transmite vocalmente de manera muy efectiva, ornamentado por una lastimera y maravillosa flauta.
"Epitaph" es un corte de sublime melodía que presenta un gran trabajo poético de Senfield y una afligida atmósfera, enaltecida por su proyección épica.
"Moonchild" comienza como una preciosa balada marcada por una subyugante imaginería bucólica para transformarse en un extenso muestrario jazz de infusión psicodélica y clave minimalista, que desesperará a algunos por su posible indulgencia experimental e hipnotizará a otros por su calmosa capacidad letárgica.
El LP, que dejó boquiabierto a muchos de sus coetáneos, se cierra con el título homónimo, un inolvidable corte, brillante tanto en su labor instrumental como vocal, con especial significación del mellotron de Ian McDonald, que nos retrotrae a un fascinante escenario medieval.
3. Epitaph/March for No Reason/Tomorrow and Tomorrow
4. Moonchild/The Dream/The Illusion
5. Court of the Crimson King/The Return of the Fire Witch/The Dance of the
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169. Leonard Cohen – Songs from a Room (1969)
Songs From A Room es el segundo álbum del canadiense Leonard Cohen, lanzado en 1969, y reeditado en 2007 con 2 temas extra. Para su grabación, Cohen se desplazó a Nashville, capital mundial del country. Allí se puso en manos del productor Bob Johnston, que ya había trabajado con Simon & Garfunkel, Bob Dylan y Johnny Cash. Songs from a Room supuso un éxito mayor que su álbum de debut, ya que alcanzó la posición 63 en la lista del Billboard y la número 2 en Gran Bretaña.
1. Bird on a Wire
2. Story of Isaac
3. Bunch of Lonesome Heroes
4. Partisan
5. Seems So Long Ago, Nancy
6. Old Revolution
7. Butcher
8. You Know Who I Am
9. Lady Midnight
10. Tonight Will Be Fine
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170. Fairport Convention – Liege & Lief (1969)
Volvemos la vista hoy en el Retro-Visor hasta los años sesenta para encontrarnos con el gran álbum de los británicos Fairport Convention, Liege and Lief. Con su aparición inauguraban una corriente revivalista del Folk en las Islas Británicas, si bien coétaneos suyos como The Byrds o Bob Dylan ya lo habían hecho con anterioridad en el otro lado del Atlántico. Lo cierto es que este disco supuso una auténtica bocanada de aire fresco para el panorama musical británico, volviendo a poner de moda y revisando clásicos que habrían pasado desapercibidos para muchos, añadiéndoles diversos elementos y electrificando las versiones originales de los mismos; situándose entonces en un plano parecido a unos Jefferson Airplane, Grateful Dead, Donovan, The Incredible String Band o Joni Mitchell.
En el Cd2 aparecen diversas sesiones de directo en la BBC y la versión de la Balada de Easy Rider que firmaran Roger McGuinn y sus Byrds.
1. Come All Ye
2. Reynardine
3. Matty Groves
4. Farewell, Farewell
5. Deserter
6. Medley: The Lark in the Morning/Rakish Paddy/Foxhunter's Jig/Toss the F
7. Tam Lin
8. Crazy Man Michael
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171. Scott Walker – Scott 4 (1969)
A finales de los 60, pudo haberse convertido en el nuevo Frank Sinatra. Lo tenía todo. Juventud, belleza y, sobre todo, una gran voz. Una voz grave de barítono, magnética. Prefirió seguir su propio camino, aunque estuviera plagado de sombras y prolongados silencios que no hicieron sino alimentar el culto en torno a un cantante inimitable, cuya figura ha permanecido siempre rodeada de misterio. Se ha escrito mucho de esa inclinación al aislamiento a lo Greta Garbo, de su pasión por las oscuras historias de amor que sudaba Jacques Brel, de su imagen de existencialista francés, en blanco y negro con bufanda y gafas oscuras. Lugares comunes que dan empaque al personaje pero que sólo sirven para ocultar a la persona. Porque, ¿alguien sabe quién es en realidad Scott Walker?
Mathilde', una historia de amor sadomasoquista, fue la primera de sus apropiaciones del cancionero del belga. En apenas tres años, entre 1967 y 1969, Scott Walker grabó cuatro álbumes majestuosos, simplemente titulados con un número, del uno al cuatro. En ellos combina composiciones propias con temas de Brel y estándares 'middle of the road' de Bacharach y Mancini.
Disco a disco fue emergiendo un compositor y letrista sobresaliente, dotado para plasmar emociones intensas en unas pocas palabras. «Huele a milagros y suspira cristales de colores», canta en 'Rosemary', de 'Scott 3', la breve historia de un beso entre una muchacha y un viajante. Con su tercer trabajo, se aloja definitivamente en la melancolía y la depresión. Canta a la oscuridad que subyace en el romanticismo. Valses mortuorios que ahondan en la zona oscura de la psique humana. 'Scott 4' (1969), considerada por muchos su obra maestra, sufre un batacazo comercial.
En la contraportada encontramos esta cita de Albert Camus: «El trabajo de un hombre no es sino un lento camino hacia el redescubrimiento de los rodeos del arte. Esas dos o tres magníficas y sencillas imágenes en cuya presencia abrió su corazón por primera vez». Durante la primera mitad de los 70 sigue grabando discos, sin la inspiración de antaño, por exigencias del contrato. Nunca ha dejado que se reediten. El Scott Walker cantante seguía existiendo, pero el artista había optado por el exilio.
Y después, el silencio.
1. Seventh Seal
2. On Your Own Again
3. World's Strongest Man
4. Angels of Ashes
5. Boy Child
6. Hero of the War
7. Old Man's Back Again (Dedicated to the Neo-Stalinist Regime)
8. Duchess
9. Get Behind Me
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172. Stooges – Stooges (1st Album) (1969)
Formación revolucionaria y clave en el desarrollo de la música moderna. Surgida a finales de los años 60, los Stooges mixturaban fieramente el rock, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo para configurar un atractivo y arrebatador sonido, estableciendo muchas de las actitudes escénicas y posturas sónicas del venidero punk y de la posterior música independiente.
Creados en 1967, los Stooges (primero se hicieron llamar Psychedelic Stooges) estaban formados por el cantante James Osterberg, alias Iggy Pop (nacido el 21 de abril de 1947), el guitarrista Ron Asheton (nacido el 17 de julio de 1948), el bajista Dave Alexander y el hermano de Ron, Scott Asheton a la batería. t of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.
Los Stooges se convirtieron en toda una sensación en la ciudad de Detroit y al final pudieron fichar con un gran sello como Elektra para publicar su primer disco "Stooges" (1969), bajo producción del Velvet Underground John Cale (aunque la primera elección de Iggy fue Jerry Ragovoy, el productor de Dusty Springfield).
El LP facturaba el visceral trabajo de la formación y aunque contenía grandes clásicos como "I wanna be your dog", "1969" o "No fun", su música no estaba preparada para el consumo de la gran masa y vendió muy pobremente. Sus conciertos eran otra cosa, pues sus admiradores impenitentes asistían sin falta a la orgía visual y sónica del grupo.
1. 1969
2. I Wanna Be Your Dog
3. We Will Fall
4. No Fun
5. Real Cool Time
6. Ann
7. Not Right
8. Little Doll
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173. Alexander Spence ‘Skip’ – Oar (1969)
La historia, a estas alturas, debe de ser de todos conocida: batería original de Jefferson Airplane, se une a Moby Grape para completar una de las formaciones más prometedoras de la escena de la Costa Oeste de finales de los sesenta. Después de publicar una obra maestra como debut, los Grape sufren los irreparables errores de un mánager tan sinvergüenza como negligente, y los experimentos de "marketing" que Columbia decide realizar con ellos, convencida de su irremediable éxito (publicación simultánea de cinco sencillos para promocionarlo, por ejemplo). Spence no llega a la grabación del tercer L.P: el ácido (como a otros muchos) hace estallar violentamente su latente esquizofrenia, y debe ser ingresado en un psiquiátrico.
Spence se había mostrado como el compositor más interesante y heterodoxo de los Grape (un grupo en el que todos escribían canciones de nivel excepcional), y quizás el mejor. Cuando sale del hospital, todo ha cambiado: su esposa le ha abandonado, y las posibilidades de retornar a unos, cada vez más desgraciados Grape, se esfuman. Pese a todo, consigue que el productor de los Grape, David Rubinson le financie unas sesiones en Nashville para grabar (tocando el mismo todos los instrumentos) aquello que le viniese en gana; eso sí, con un calendario muy escaso. El producto seleccionado de esas sesiones fue publicado en 1969 por Columbia bajo el título de "Oar", y se convirtió en un disco de culto, un favorito de la crítica desde el momento de su publicación, aunque tan sólo vendiese setecientas copias en su momento.
Si un amplio colectivo de la crítica ha alabado sin moderación este disco, se debe a la libertad con la que fue elaborado; y a su carácter confesional. Pero debemos tener claro que de las ataduras de las cuales se muestra libre aquí el autor no son tanto las de los imperativos comerciales (a las cuales no creo que se plegase nunca un tipo con la personalidad tan desquiciada como la que mostró Spence desde el principio), como las del sentido común: Spence no se había curado cuando realizo este disco. La esquizofrenia se palpa, no sólo en la extravagancia de algunos de los desarrollos de los temas, sino sobre todo en las más convencionales baladas "country", porque su capacidad para alterar la propia voz llega a tales extremos, que resulta imposible identificar al cantante de este disco con el "Skip" Spence que entona sus aportaciones a los discos de los Grape.
En lo que sí que no puede haber discusión es en la absoluta fidelidad con la que "Oar" refleja el estado mental y sentimental de su autor; en esto hay pocos discos que se le acerquen. Cuando trata su situación sentimental, no introduce ni metáforas, ni ejercicios de estilo: es puramente descriptivo. Y todas las extravagancias que lo pueblan no tienen doble lectura posible: jamás volvería a necesitar LSD para tener un "trip". Acompañándolo de las letras, el disco confirma su perfección inalcanzable en este campo.
1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel
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174. Frank Zappa – Hot Rats (1969)
Uno de los grandes de la historia del rock. Con elevadas ansias de experimentación sonora, un punzante sentido del humor y un apego a eclécticas formas músicales, que viajan desde el rock psicodélico, a la música clásica, el doo wop, el jazz o el pop, la productiva carrera de Frank Zappa constituye uno de los pilares más interesantes y vanguardistas de la música moderna del siglo XX.
Frank Vincent Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore (Maryland), en el seno de una familia de ascendencia griega y siciliana. Su padre, amante de la guitarra, le inculcó la pasión melómana, que cultivó desde niño, escuchando todo tipo de sonidos, desde música clásica, rock'n'roll, dwo wop, pop o R&B.
"Hot Rats" (1969) supuso su segunda incursión en solitario, con un tema ("Willie The Pimp"
en el que aparecía su amigo Captain Beefheart. En esta obra se cimentaban sus posturas más jazzísticas, que desarrollarían en trabajos posteriores. Está considerado uno de los mejores álbumes, sino el mejor, del género del rock, en todas sus expresiones, por su magnífico ensamble musical y su experimentación con el jazz o hasta con el rock progresivo.1. Peaches In Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel
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175. Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)
Una de las varias obras maestras grabadas por la seminal banda de los hermanos Fogerty.
En el sensacional "Cosmo's factory" compartimos un recorrido por toda la erudición rockera de John, iniciada en la hipnótica "Ramble tamble", larga y penetrante pieza de hechizante sonido y pesarosa temática, continuada por estupendas revisiones de grandes de la historia de la música, como Bo Diddley, Roy Orbison, Elvis Presley o Marvin Gaye (realizando la mejor versión jamás grabada de "I heard it through the grapevine"
. Además de "Ramble Tamble", las demás composiciones de John (enorme compositor, guitarrista y cantante) poseen resonancias clásicas y en muchos casos posturas antibélicas.
El rock'n'roll "Travelin' Band", la imaginaria "Lookin' out my back door", en donde extrañas criaturas bailan al ritmo de Buck Owens, la enigmática y extraordinaria "Run through the jungle", la optimista "Up around the bend", de impetuoso riff, la melódica y afligida "Who'll stop the rain" y la búsqueda vital constante de alma soul en "Long as I can see the light", hacen de este disco un trabajo imprescindible de una de las formaciones americanas más importantes de todos los tiempos.
1. Ramble Tamble
2. Before You Accuse Me
3. Travelin' Band
4. Ooby Dooby
5. Lookin' Out My Back Door
6. Run Through The Jungle
7. Up Around The Bend
8. My Baby Left Me
9. Who'll Stop The Rain
10. I Heard It Through The Grapevine
11. Long As I Can See The Light
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