domingo, agosto 09, 2009

1001 álbumes por mediafire Parte 6

1001 discos que hay que escuchar antes de morir



Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.


Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes


Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa, todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.

Seguimos con la lista... .


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126. Small Faces – Ogdens’ Nut Gone Flake (1968)



En una época en la que la psicodelia y la experimentación con nuevos sonidos estaban tan en boga, con discos imprescindibles de los grandes nombres de la historia del rock, los Small Faces no quisieron ser menos y sorprendieron con este trabajo publicado en el sello Immediate de Andrew Oldham, el ex productor y mánager de los Rolling Stones.
El Lp está constituido por espléndidas canciones lisérgicas como "Long agos and worlds apart", escrita por el teclista Ian McLagan, la deslumbrante "Happines Stan", "The Hungry Intruder" o "The Journey".
En el álbum hallamos hermosas piezas instrumentales que indican su grandeza como músicos, como la homónima del disco y el absorbente final de "Rene".
También incluyen un ligero regreso a la primera etapa de raíces Decca-R&B con "Rollin' Over", y una serie de pulidos diamantes psicodélicos, como "Afterglow", "Song of a baker", la clásica "Lazy Sunday" o "Mad John".
Son diferentes pasajes de "Ogden's Nut Gone Flake", un LP conceptual con una preciosa portada obra de P. Brown que sigue los pasos de un personaje llamado Happiness Stam en busca del lado oscuro de la luna con el aporte narrativo en la segunda cara de Stanley Unwin.


01. Ogden's Nut Gone Flake
02. Afterglow (Of Your Love)
03. Long Agos And Worlds Apart
04. Rene
05. Song Of A Baker
06. Lazy Sunday
07. Happiness Stan
08. Rollin' Over
09. The Hungry Intruder
10. The Journey
11. Mad John
12. Happy Days Toy Town

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127. Band – Music from Big Pink (1968)



Es 1968 un año crucial en el desarrollo de la música rock, 1968 es un período convulso, tumultuoso que requirió nuevas directrices para paradigmas musicales que corrían riesgo de estancamiento: las cintas invertidas, los sítares y los clavecines, apóstoles instrumentales de la sustancia aérea de gran parte de la vanguardia psicodélica debían dar paso a un sentido más terreno, verista y límpido: llegó la hora de las músicas tradicionales, de las raíces recuperadas, de lo vernáculo.
En esta nueva orientación de los derroteros que debía andar el rock, nadie estuvo a tan gran altura como The Band en este su disco debut.
A diferencia de otras agrupaciones cultoras desde el '68 del llamado country rock, la apropiación de estos canadienses no se circunscribió a un estilo determinado sino que absorbió toda la anchura de las músicas estadounidenses tradicionales desde una sensibilidad nueva, fresca y versátil.
Por tanto, "Music From Big Pink" es, como muchos han dicho, unas línea divisoria de aguas. Todo lo que fue y será el rock estadounidense en su línea más comprometida está en los surcos de este debut lúcido y transgresor: gospel, hillbilly, country, diexeland, rock& roll, soul, rhythm & blues y dosificadas gotas de psicodelia y pop, adornan un álbum bellísimo y profundo.
Destacar canciones es inoficioso pero vale la pena escuchar hasta el hastío temas como "In The Station", "Chest Fever", "We Can Talk", "Lonesome Suzie", "The Weight" y la grandísima versión para "I Shall Be Released" de su compañero de ruta, Bob Dylan.

1. Tears of Rage
2. To Kingdom Come
3. In a Station
4. Caledonia Mission
5. Weight
6. We Can Talk
7. Long Black Veil
8. Chest Fever
9. Lonesome Suzie
10. This Wheel's on Fire
11. I Shall Be Released

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128. Jeff Beck – Truth (1968)



Jeff Beck tendría su gran oportunidad al remplazar a Eric Clapton en los Yardbirds en 1965, en la cual rápidamente impactó por sus impresionantes pirotecnias en la guitarra, con el uso de efectos no comunes para la época, como la distorsión y el feedback. Luego este se alejaría del grupo presentando un sencillo pop "Hi-Ho Silver Lining" y posteriormente "Tallyman", para después formar The Jeff Beck Group junto al vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood, el baterista Aynsley Dunbar, que rápidamente fue sustituido por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins. La banda presentaría en 1968 su disco debut el Lp "Truth", álbum que sumaba un estilo mucho más heavy al blues-rock inglés que seria bien recibido (aunque no tanto como sus posteriores incursiones en la mezcla de rock, el jazz y el Blues que quedan demostradas en lp tales como "Blow By Blow" o Wired".
Este soberbio disco de una duración aproximada de más de media hora, contiene un brillante trabajo de Jeff Beck en las seis cuerdas la que es complementada por una excelente estructura rítmica a la que se le añade un mas que estupendo trabajo del aun desconocido Rod Stewart.
Lo que lo constituye en un Lp muy uniforme de principio a fin, en el que podemos destacar temas, en las cuales se intercalan el virtuosismo de los riff de Beck con la voz de Stewart, temas en los cuales queda reflejado por que Jeff Beck es uno de los mejores y más innovadores guitarristas del largo andar del rock n roll.


1. Shapes Of Things
2. Let Me Love You
3. Morning Dew
4. You Shook Me
5. Ol’ Man River
6. Greensleeves
7. Rock My Plimsoul
8. Beck’s Bolero
9. Blues De Luxe
10. I Ain’t Superstitious

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129. Caetano Veloso – Caetano Veloso (1968)



Caetano Vianna Temes Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião. Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.

1. Tropicália
2. Clarice
3. No Dia Em Que Eu Vim-me Embora
4. Alegria, Alegria
5. Onde Andarás
6. Anunciação
7. Superbacana
8. Paisagem Util
9. Clara
10. Soy Loco por Tí, América
11. Ave Maria
12. Eles

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130. Scott Walker – Scott 2 (1968)



A partir de mediados de los 60 el mundo del pop comenzó a ser imbuido de nuevas corrientes más experimentales y psicodélicas, algo que no iba con la música de los Walker Brothers, lo que provocó su ruptura en 1967.
La personalidad introspectiva de Scott Walker marcaría profundamente su venidera existencia y obra en solitario, iniciada con “Scott” (1967), y continuada con este álbum “Scott” (1968) en donde revelaría un maduro talento como compositor, alejado de su previa imagen de teen idol, y su querencia por los trabajos del cantautor belga Jacques Brel, convirtiéndolo en una figura de culto y uno de los ídolos de muchos músicos, como David Bowie, quien siempre sintió fervor por la figura líder de los Walker Brothers y siguió su carrera como solista con gran admiración. El propio Bowie y Brian Eno estuvieron a punto de colaborar con Walker en el Lp “Heroes”, pero finalmente esta asociación, tan deseada por el camaleón del rock, no se produjo. En los años 90, incluiría el tema de Scott, “Nite Flights” en su Lp “Black Tie, White Noise”.
Gary prosiguió en el mundo de la música como Gary Walker & The Rain y John, quien grabó varios singles en solitario, se casó con la vocalista Kathy Young, alejándose durante un período de la industria del disco. En el año 2000 apareció su primer álbum en solitario, “You” (2000), producido y arreglado por el propio John Walker.
En la década de los 70, el trío volvería a juntarse grabando varios Lps de interés y nulo éxito comercial, alcanzando en 1975 la máxima repercusión de este reagrupamiento con el single “No regrets”.

1. Jackie
2. Best Of Both Worlds
3. Black Sheep Boy
4. The Amorous Humphrey Plugg
5. Next
6. The Girls From The Streets
7. Plastic Palace People
8. Wait Until Dark
9. The Girls And The Dogs
10. Windows Of The World
11. The Bridge
12. Come Next Spring

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131. The Zombies – Odessey & Oracle (1968)



Una de las grandes joyas ocultas (en su día) de la historia de la música moderna y uno de los Lps más exquisitamente bellos jamás compuesto.
Los líderes compositores Rod Argent y Chris White ofrecen un muestrario psicodélico-pop extraordinario, con temas que pondrán en más de una ocasión el vello de punta a los amantes de las canciones bien construidas, ejecutadas, y arregladas, repletas de juegos de voces, imaginación compositiva, tacto sensible y maestría en las armonías.
Además de su famoso "Time of the season", la música de los Zombies traspasada al oyente por la susurrante e incomparable vocalización de Colin Blunstone, la influyente base de teclados de Argent, la viveza de su sección rítmica y la destreza en las seis cuerdas de Paul Atkinson, desarrolla temas de impresionante textura melódica como "A rose for Emily", "Care of cell 44", "Beechwood Park" o "Hang up on a dream", que hacen de este disco uno de los imprescindibles en tu discoteca particular.


1. Care of Cell 44
2. Rose for Emily
3. Maybe After He's Gone
4. Beechwood Park
5. Brief Candles
6. Hung up on a Dream
7. Changes
8. I Want Her She Wants Me
9. This Will Be Our Year
10. Butcher's Tale (Western Front 1914)
11. Friends of Mine
12. Time of the Season

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132. Van Morrison – Astral Weeks (1968)



Todo un viraje a su etapa R&B con los Them en este sensible y calmo disco repleto de jazz, soul, blues y folk irlandés de traza acústica y tonalidad sentimental, evocativa de una figura femenina de considerable atracción emocional. Junto a la construcción musical, lo más destacado de este álbum es la impresionante voz de Van Morrison, quiméricamente apasionada y épica en su exposición sentimental.
Las canciones brotan desde un calado jazzístico, cimentadas en la espontaneidad emocional del cantautor irlandés, lo que conlleva grandes momentos dentro de unos temas muy valiosos, en especial grandes piezas como "The way young lovers do", "Ballerina", "Beside you" o "Cyprus avenue".
Algunos pasajes, siempre con grandes letras de tintura poética, pueden resultar excesivamente dilatados y autocomplacientes.
A pesar de ser considerado en general el mejor disco de Van Morrison en solitario (los que no soporten el jazz lo detestarán, los que por el contrario lo amen, lo idolatrarán) "Moondance" resulta superior.

1. Astral Weeks
2. Beside You
3. Sweet Thing
4. Cyprus Avenue
5. The Way Young Lovers Do
6. Madame George
7. Ballerina
8. Slim Slow Slider

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133. The Byrds – Sweetheart of the Rodeo (1968)



Las tensiones internas producidas por el camino lírico y sonoro del grupo entre Crosby, Hillman y McGuinn iban asimismo progresando, estos roces provocaron la marcha de David Crosby en plena grabación de su nuevo álbum, "The Notorious Byrds Brothers" (1968) al no querer los restantes miembros incluir la canción "Triad" en el Lp.
En ese momento, se produjo la vuelta de Clark, pero tras un breve periodo se volvió a marchar, haciendo lo mismo el batería Michael Clarke. A pesar de tantas idas y venidas (se incorporó en las grabaciones gente como el guitarrista Clarence White y el batería Jim Gordon), el trabajo (con producción de Usher) fue muy bueno y de grata renovación con el añadido de cuerdas y metal empapando su clásico sonido folk-rock y country.
Poco después, Chris Hillman presentó a su buen amigo Gram Parsons a McGuinn y el trío junto al batería Kevin Kelly (primo de Hillman) firmaron el sexto trabajo de los Byrds, "Sweetheart Of The Rodeo" (1968), una pieza clave dominada por Parsons dentro del country-rock.
Gram Parsons se convirtiría en el padre del country-rock, como así quedó demostrado en sus postreras y antiguas andanzas. La calidad del disco no obstante dividió a los seguidores del grupo, ya que muchos echaban en falta los característicos sonidos primerizos de la guitarra de Roger McGuinn. Gram Parsons dejó el grupo cuando los Byrds (sin su conformidad) firmaron un contrato para actuar en Sudáfrica, un país dirigido por un gobierno racista.

01 - You Ain't Going Nowhere
02 - I Am A Pilgrim
03 - The Christian Life
04 - You Don't Miss Your Water
05 - You're Still On My Mind
06 - Pretty Boy Floyd
07 - Hickory Wind
08 - One Hundred Years From Now
09 - Blue Canadian Rockies
10 - Life In Prison
11 - Nothing Was Delivered
12 You Got A Reputation
13 Lazy Days
14 Pretty Polly
15 The Christian Life (Rehearsal--Take)
16 Life In Prison (Rehearsal--Take)
17 You're Still On My Mind (Rehearsal--Take)
18 One Hundred Years From Now (Rehearsal--Take)
19 All I Have Are Memories (Instrumental)

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134. The Beatles – White álbum (1968)



En un álbum doble de tanta riqueza, matices y diversidad estilística en el que han participado más de cuarenta músicos, entre ellos Billly Preston, Nicky Hopkins o el mismísimo Eric Clapton (toca la guitarra en "While my guitar gently weeps" es imposible destacar alguna canción ya que cada escucha puede revelar un aspecto o detalle pasado por alto de una pieza no valorada en su justa medida, que nos alcance su verdadera dimensión e impregne nuestras más agudas sensaciones entre sus elaboradas notas, ya que hasta la más nimiedad de los genios de Liverpool es un hecho gigantesco para la mayoría de los grupos.
"Revolution 1" (un tema de posturas revolucionarias pero de esencia pacifista presentado aquí en su versión acústica, inferior a la fuerza eléctrica y distorsionada del single), "Helter Skelter" (la canción más potente en la carrera de los Fab Four, obra de McCartney que enloqueció al futuro asesino Charles Mason), "Dear Prudence" (dedicada a Prudence, la hermana de Mia Farrow), "Back in the USSR" (una simpática mezcolanza entre Chuck Berry y Beach Boys), "Sexy Sadie" (una acérbica crítica al Mararishi Yogi), "Martha My Dear" (un tema que Paul dedicó a su perra), "Rocky Raccon" (un tema acústico de sabor country), "Glass Onion" (en el que Lennon repasa con tono jocoso algunos temas de los Fab Four), "Happines is a warm gun" (absorbente pieza de sublimes variaciones), "Julia" (un emotivo, hermoso y obsesivo recuerdo de John a su querida madre) o "Why my guitar gently weeps" (la mejor canción escrita por George Harrison junto a "Something" de "Abbey Road" son algunos importantes elementos de un impresionante viaje al pasado, presente y futuro de la música del siglo XX, efectuada por unos Beatles faltos de cohesión, que ideaban y ejecutaban sus piezas casi en solitario, provocando desde su característica composición una asombrosa heterogeneidad nunca contemplada en un trabajo discográfico.
Pop, rock, music-hall, psicodelia, country, blues, reggae, folk, surf e incluso heavy metal se dan cita en un álbum esencial, de una influencia descomunal en todo tipo de vertientes musicales.
En la lírica mantiene tonalidades que alternan la melancolía, el júbilo, el desamparo, la acritud, el sarcasmo, la ironía o el cinismo. En este álbum, cada uno de los miembros del grupo empezó a demostrar el rango y profundidad de sus talentos de composición individuales, que seguirían así y serían usados en sus carreras solistas.
De acuerdo a la Recording Industry Association of America, RIAA, el Álbum Blanco es el disco mejor vendido de The Beatles, siendo certificado como disco de platino en 19 oportunidades, y el noveno álbum mejor vendido en los Estados Unidos. Esta certificación proviene, sin embargo, de la distorsión que surge al contar dos veces cada unidad vendida de un álbum doble: sin este ajuste, el Álbum Blanco sería el cuarto disco mejor vendido de la carrera de The Beatles.

Disc: 1
1. Back in the U.S.S.R.
2. Dear Prudence
3. Glass Onion
4. Ob-La-Di, Ob-La-Da
5. Wild Honey Pie
6. Continuing Story of Bungalow Bill
7. While My Guitar Gently Weeps
8. Happiness Is a Warm Gun
9. Martha My Dear
10. I'm So Tired
11. Blackbird
12. Piggies
13. Rocky Raccoon
14. Don't Pass Me By
15. Why Don't We Do It in the Road?
16. I Will
17. Julia
Disc: 2
1. Birthday
2. Yer Blues
3. Mother Nature's Son
4. Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey
5. Sexy Sadie
6. Helter Skelter
7. Long, Long, Long
8. Revolution 1
9. Honey Pie
10. Savoy Truffle
11. Cry Baby Cry
12. Revolution 9
13. Good Night

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135. Mothers of Invention – We’re Only in it for the Money (1968)



El genio inquieto y sardónico de Frank Zappa diatribando con ironía contra el movimiento hippie y la ebullición y efervescencia de su contexto cultural, ejemplicada en el flower-power (primordialmente contra el falso hippismo). Su sátira establecida desde un fascinante y divertido trabajo poprock experimental se aposenta sónicamente en recovecos doo wop, pasajes de avant-gardé, pop de buena construcción melódica, elementos jazzisticos e incluso ritmos de vals.
También en su temática desarrolla momentos para el optimismo libertario y el énfasis en su autodefinición como personalidad independiente, nihilista y contestaria.
Algunas sonoridades utilizados en piezas de vana categoría y presuntoso vanguardismo como "Nasal retentive calliope music" o la inaguantable "The chrome plated megaphone of destiny", no pueden oscurecer el resultado conjunto de un magistral disco, original, ecléctico, hilarante y sorprendente, de vocalidad retorcida y bufona que contiene joyas (todas ellas de exigua duración) del repertorio zappiano como "Who needs the peace corps", "Concentration Moon", "What's the uglies part of your body?", "Absolutely Free", "Idiot bastard son", "Flower punk", "Mother people", "Let's make the water turn black", "Lonely little girl" o "Take your clothers off when you're dance".

1. Are You Hung Up?
2. Who Needs the Peace Corps?
3. Concentration Moon
4. Mom & Dad
5. Telephone Conversation
6. Bow Tie Daddy
7. Harry, You're a Beast
8. What's the Ugliest Part of Your Body?
9. Absolutely Free
10. Flower Punk
11. Hot Poop
12. Nasal Retentive Calliope Music
13. Let's Make the Water Turn Black
14. Idiot Bastard Son
15. Lonely Little Girl
16. Take Your Clothes Off When You Dance
17. What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)
18. Mother People
19. Chrome Plated Megaphone of Destiny

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136. Neil Young – Everybody Knows This is Nowhere (1968)



Obra maestra absoluta del gran Neil Young. En este segundo LP en solitario colaboró por primera vez con los ex Rockets, rebautizados como Crazy Horse, una banda que consiguió aportar a la música de Neil energía y una inusitada crudeza, característica en sus discos más rockeros.
Lo increíble de este trabajo es la elevada comunión entre fuerza y sensibilidad que alcanza el maestro en temas de tembloroso rock con ocasionales retazos country.
Las canciones suelen ser de larga duración con tendencia a la improvisación, pero se hacen cortas gracias a la soberbia conjunción y diálogo entre los diferentes instrumentos, que agrietados van tejiendo unos brillantes ejercicios de absorbente atmósfera.
Desde una tonalidad agridulce y melancólica, Neil va exponiendo sus emociones amorosas en piezas clásicas como "Cinnamon Girl", un estupendo rock de incisivo riff, "Everybody Knows this is Nowhere", triste y bella melodía de sabor country, "Round & Round", gran tema de especial sensibilidad cantado junto a Robin Lane (futura miembro líder de los Chartbusters), "Down by the River", hipnótica conjunción instrumental de Neil y los Crazy Horse contando una excelente historia rebosante de amor y muerte, "The Losing End", country-rock de primer orden sobre un vívido cántico desesperado por el amor perdido, "Running Dry", lívida atmósfera para esta obra maestra acentuada por un plañidero violín tocado por Bobby Notkoff, y la sensacional "Cowgirl in the sand", una de las canciones que mejor singulariza el poderío sónico de Neil con los Crazy Horse.

1. Cinnamon Girl
2. Everybody Knows This Is Nowhere
3. Round and Round (It Won't Be Long)
4. Down by the River
5. Losing End, The (When You're On)
6. Running Dry (Requiem For the Rockets)
7. Cowgirl in the Sand

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137. Captain Beefheart & His Magic Band – Trout Mask Replica (1969)



El álbum que, para muchos, es la obra maestra de Van Vliet, Trout Mask Replica fue editado en noviembre de 1969 en Straight Records, sello recién creado por Frank Zappa. Para este disco, la Magic Band incluyó a Bill Harkleroad como guitarrista y a Mark Boston como bajista. Van Vliet comenzó a asignar apodos a los miembros de la banda, así Harkleroad es conocido como "Zoot Horn Rollo" y Boston como "Rockette Morton", mientras John French pasó a ser "Drumbo" y Jeff Cotton "Antennae Jimmy Semens". El grupo estuvo trabajando durante ocho meses las composiciones de Van Vliet, viviendo en comuna en unas condiciones que el batería John French describió como "Obsesivo" ("cult-like". De acuerdo con Van Vliet, las 28 canciones del disco fueron escritas en tres semanas, pero llevó ocho meses para la banda el moldear las canciones y darles la forma definitiva. Como habitual mientras estuvo en la banda, John French jugó un papel fundamental a la hora de ayudar a Van Vliet a transmitir al resto del grupo cómo que ría que sonasen las canciones.
Las 28 canciones de Trout Mask Replica beben del blues, Bo Diddley, free-jazz y de viejas canciones de marineros, pero la forma de interpretarlas funde la música en un todo iconoclasta de extraños tempi, guitarras slide atonales, ritmos de batería truncados y toques de saxofón y clarinete bajo. El rango vocal de Van Vliet (de cuatro octavas y media) le permitió interpretar blues de voz cavernosa, falsetes histéricos, o divagaciones lacónicas. Las letras a menudo son impenetrables y sinsentido, pero un análisis más profundo revela una complejo y poético uso de los juegos de palabras, las metáforas y toda clase de referencias (a Steve Reich, a la historia musical, a la política estadounidense e internacional, al Holocausto Judío, al amor y a la sexualidad, a la música Gospel, al conformismo...)El crítico musical Steve Huey escribió que la influencia del álbum fue muy relevante, más que como inspiración directa, en el sentido en que enseñó a generaciones posteriores, particularmente en la época del punk y la new wave, qué era posible llegar a hacer dentro de un contexto rock, allanando así el camino para futuros experimentos musicales. Trout Mask Replica fue situado en el número 25 de una lista de "los 200 mejores discos del siglo XX" por la revista catalana Rockdelux y en el puesto número 58 de la lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos" por la revista Rolling Stone. El legado de Van Vliet es de un pobre saldo comercial, a pesar de que cuenta con devotos seguidores. Sin embargo, su influencia en la posterior música punk y new wave y otros géneros ha sido descrita como "incalculable"

01. Frownland
02. The Dust Blows Forward' N The Dust Blows Back
03. Dachau Blues
04. Ella Guru
05. Hair Pie: Bake 1
06. Moonlight On Vermont
07. Pachuco Cadaver
08. Bill's Corpse
09. Sweet Sweet Bulbs
10. Neon Meate Dream Of A Octafish
11. China Pig
12. My Human Gets Me Blues
13. Dali's Car
14. Hair Pie: Bake 2
15. Pena
16. Well
17. When Big Joan Sets Up
18. Fallin' Ditch
19. Sugar' N Spikes
20. Ant Man Bee
21. Orange Claw Hammer
22. Wild Life
23. She's Too Much For My Mirror
24. Hobo Chang Ba
25. The Blimp (Mousetrapreplica)
26. Steal Softly Thru Snow
27. Old Fart At Play
28. Veteran's Day Poppy

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138. Creedence Clearwater Revival – Bayou Country (1969)



Al margen de los movimientos musicales que se producían a su alrededor, la Creedence Clearwater Revival profundizaba en las clásicas raíces rock del pueblo americano, en los recios sonidos pantanosos de su entorno que tan bien reflejaban las composiciones de su líder John Fogerty. Pero esto no significaba que esta mirada rockera perdiera esencias blues, country e incluso pop, logrando una atractiva mezcolanza musical que tan característico hacía el sonido de la Creedence.
La banda estaba formada por el cantante y guitarrista John Fogerty , su hermano mayor Tom Fogerty que se ocupaba de la guitarra rítmica, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford.
"Bayou Country" (1969) contiene su primer gran éxito, el single "Proud Mary" que entraría en los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las canciones más importantes del año. Para Bob Dylan, "Proud Mary" era la mejor canción del 69. Los sonidos sureños empaparían el álbum con temas como "Born on the Bayou", "Bootleg" o "Keep on Chooglin'".
El álbum alcanzaría el puesto 7 en las listas de Billboard, convirtiéndose en el primero de una larga lista de éxitos en los siguientes tres años. El single "Proud Mary", respaldado por "Born on the Bayou", alcanzó el puesto #2 en las listas de Billboard. El tema se convirtió en una de las canciones más versionadas del grupo, con más de 100 grabaciones entre las que se incluía el éxito de 1971 de Ike y Tina Turner.

01. Born On The Bayou
02. Bootleg
03. Graveyard Train
04. Good Goly Miss Molly
05. Penthouse Pauper
06. Proud Mary
07. Keep On Chooglin

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139. Stills Crosby & Nash – Crosby, Stills & Nash (1969)



El terceto Crosby, Stills & Nash estaba compuesto por el británico Graham Nash (nacido el 2 de febrero de 1942 en Blackpool), quien abandonó a los Hollies para unirse a los estadounidenses David Crosby (nacido el 14 de agosto de 1941 en Los Angeles), ex componente de los Byrds y Stephen Stills (nacido el 3 de enero de 1945 en Dallas), antiguo miembro de Buffalo Springfield.
Esta reunión artística, producida en el año 1968, supuso uno de los proyectos musicales de mayor significación popular y crítica en los últimos años de la década de los 60 y comienzos de los 70.
En 1969 publicaron su primer LpP "Crosby, Stills & Nash" (1969), un gran disco de sonoridad acústica que les llevó a lo más alto, cosechando un gran éxito comercial, corroborado en pletóricas actuaciones en directo repletas de miles de admiradores.
Algunos temas del álbum han pasado a la antología de clásicos de la época, como "Suite: Judy Blue Eyes", una pieza dedicada por Stills a Judy Collins, "Marrakesh Express", single que Nash había escrito en la época de los Hollies o "Wooden Ships", un sensacional tema antibelicista.
En el disco colaboraron multitud de importantes músicos establecidos en la California de los 60, como Chris Hillman, Jerry Garcia, Art Garfunkel, Carole King, Joni Mitchell, John Sebastian o Neil Young (nacido el 12 de noviembre de 1945 en Toronto), ex miembro de Buffalo Springfield que ya había iniciado una carrera en solitario. Young se uniría al trío en 1969, poco antes de aparecer en el famoso Festival de Woodstock.

01 – Shadow Captain
02 – See the Changes
03 – Carried Away
04 – Fair Game
05 – Anything at All
06 – Cathedral
07 – Dark Star
08 – Just a Song Before I Go
09 – Run from Tears
10 – Cold Rain
11 – In My Dreams
12 – I Give You Give Blind

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140. Blood, Sweat & Tears - Blood, Sweat & Tears (2nd álbum) (1969)



Una banda neoyorquina que causó sensación a finales de los 60 por su adecuada mixtura entre rock, jazz y música clásica. Esta fusión deparaba un admirable sonido en el cual cabían trazos de soul, psicodelia y blues, dentro de unas composiciones brillantes, que con el tiempo permanecerían presas de esta naturaleza, convirtiendose en un ejercicio aletargado de onanismo instrumental que terminó por hacer sucumbir el proyecto. Este proyecto venía derivado de la mente de un hombre, el cantante y teclista Al Kooper, ex componente de The Blues Project, grupo en el cual también se encontraba el guitarrista Steve Katz.
Para la grabación de su segundo disco, "Blood, Sweat & Tears" (1969), un álbum producido por James William Guercio, quien había trabajado previamente con The Buckinghams y Chad & Jeremy, se incorporaron, además de Clayton-Thomas, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield y el trombonista Jerry Hyman, ya que el anterior trombonista, Dick Halligan, ocupó el puesto vacante de Kooper en los teclados.
El segundo Lp fue otro gran disco, en el cual, además de presentar sus temas propios, versionaban a gente tan dispar como el compositor clásico Erik Satie, la cantautora Laura Nyro o el grupo psicodélico británico Traffic. Con este álbum consiguieron un enorme triunfo comercial, tanto en las listas de sencillos (con "Spinning Wheel", "You Made Me So Very Happy", and "And When I Die" como en las de Lps, llegando al número 1, consiguiendo el Premio Grammy al mejor disco del año 1969 y a la mejor canción del año por "Spinning Wheel".

01. Variation on a theme by Erik Satie
02. Smilig phases
03. Sometimes in winter
04. More and more
05. And when I die
06. God bless the child
07. Spinning wheel
08. You've made me so very happy
09. Blue part II
10. Variation on a theme by Erik Satie

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141. Flying Burrito Brothers – Gilded Palace of Sin (1969)



Gram Parsons exhibiendo su gran talento para desplegar narraciones agridulces en formato country-rock con retazos folk, blues e incluso gospel, trayectos plagados de meandros emocionales y anotaciones de carácter social. Los temas están escritos casi en su mayoría junto a su ex compañero de los Byrds, el bajista Chris Hillman, ocupado aquí en la guitarra rítmica y en la mandolina y dejando las cuatro cuerdas para Chris Ethridge, antiguo miembro de la International Submarine Band, primera formación de Parsons, con el que compone dos de sus canciones más celebradas, "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2".
En el recorrido lírico de Hillman/Parsons nos topamos con infames personajes femeninos (la magnífica "Christine's tune", otras salvadoras ("Juanita", ciudades corruptas y vendidas al capitalismo ("Sin city", evocaciones antibélicas ("My uncle", huidas libertarias en motocicletas ("Wheels", e irónicas miradas a los movimientos culturales de la época ("Hippie Boy".
Junto a Etheridge, Parsons escribe las referidas y magníficas "Hot Burrito #1" y "Hot Burrito #2" y con el bluesman Barry Goldberg la triste "Do you know how it feels", pesarosa descripción sobre la soledad.
Dos versiones sobre canciones de Dan Penn ("Do right woman", junto a Chips Moman, y "Dark end of the street", co-escrita con Spooner Oldham) compactan el tono afligido y sensible que suele acompañar toda la obra de Gram Parsons.

1.: Christine's Tune
2.: Sin City
3.: Do Right Woman Do Right Man
4.: Dark End Of The Street
5.: My Uncle
6.: Wheels
7.: Juanita
8.: Hot Burrito No 1
9.: Hot Burrito No 2
10.: Do You Know How It Feels
11.: Hippie Boy
12.: Lazy Days
13.: Image Of Me
14.: High Fashion Queen
15.: If You Gotta Go Go Now
16.: Man In The Fog
17.: Farther Along
18.: Older Guys
19.: Cody Cody
20.: God's Own Singer
21.: Down In The Churchyard
22.: Wild Horses

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142. Johnny Cash – At San Quentin (1969)



At San Quentin es un álbum del cantante country Johnny Cash, es de un concierto en vivo para los prisioneros en la prisión estatal San Quentin también fue televisado por Granada Televisión.
En el disco original muchas canciones fueron sacadas o cortadas por razones de espacio aun así en la reedición de este álbum en el 2000 no contiene todo el concierto pero le agregaron canciones y mantuvo su éxito comercial olvidaron poner canciones como "Jackson" y "Orange Blossom Special" las cuales fueron interpretadas por Cash ese día, las pusieron después al sacar un DVD con la presentación entera. En el 2006 el sello disquero Legacy lanzo una version de lujo titulada: "At San Quentin - Legacy Edition" esta edición incluye un total de 3 CDs de los cuales 2 de ellos contienen 31 canciones (13 de ellas no habían salido antes) y un DVD llamado: "Johnny Cash In San Quentin" que es un documental filmado en 1969 hecho por Granada Television para la televisión Britanica, en este documental se entrevisto a guardias, prisioneros y gente cercana a Cash quienes estuvieron con el día del evento. Este álbum en descarga es la edición completa lanzada en el año 2000.

1. Big River
2. I Still Miss Someone
3. Wreck of the Old '97
4. I Walk the Line
5. Darlin' Companion
6. I Don't Know Where I'm Bound
7. Starkville City Jail
8. San Quentin
9. San Quentin Continued
10. Wanted Man
11. Boy Named Sue
12. Peace in the Valley
13. Folsom Prison Blues
14. Ring of Fire
15. He Turned the Water into Wine
16. Daddy Sang Bass
17. Old Account Was Settled Long Ago
18. Closing Medley

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143. Creedence Clearwater Revival – Green River (1969)



Tercer disco de la cuasi infalible Creedence Clearwater Revival. Ocho grandes temas propios a ritmo de magistral rock pantanoso de afinidad blues y country.
Gradación nostálgica con "Green river", tema de inconfundible riff fogertyano; misteriosa en "Tombstone shadow", apocalíptica en "Bad Moon Rising" y amorosamente amenazadora en la espectacular "Sinister Purpose", canciones halladas en un Lp sin altibajos que presenta una de las grandes joyas del repertorio del grupo, "Lodi", una pieza de aroma country que diatriba sobre el hado y el destino de carácter fatalista. La habilidad compositiva de John Fogerty, su acritud en la forma de cantar y su poco valorada ejecución guitarrera en uno de sus puntos más álgidos.
Rápidamente certificado como disco de oro junto al single "Green River", que también llegó al puesto #2. La cara B de "Green River", "Commotion", alcanzó el puesto #30. El tema "Lodi" se convertiría también en un éxito en las emergentes estaciones de radio de FM. Por otra parte, el énfasis de la banda por crear nuevas versiones de sus temas favoritos continuó con "The Night Time Is the Right Time".

01. Green River
02. Commotion
03. Tombstone Shadow
04. Wrote A Song For Everyone
05. Bad Moon Rising
06. Lodi
07. Cross-Tie Walker
08. Sinister Purpose
09. Night Time Is The Right Time

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0144. The Beatles – Abbey Road (1969)



Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia.
El enfoque musical para el álbum de los componentes era muy distinto, John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un álbum cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo, que rememorara los logros del "Sgt. Peppers".
Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario, no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este Lp.
Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California. El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music, que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario.
El cimiento bluesy vuelve a asomar en "I want you (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión.
Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la cual se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales.
George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos.
Pattie se casaría con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente sería en el jardín de Clapton en lugar en el cual Harrison escribió "Here comes the sun", hermosa pieza acariciada por la delicada y soleada vocalidad de su autor.
Igualmente cabe destacar la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because" del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovar y adelantarse a su tiempo.

Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la cual recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña.
Paul, el mayor artífice del grueso del álbum, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque, golpeado por Ringo.
"You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especia de mini-ópera pop, en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven".
Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos, el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la cual Paul utiliza el fuzz bass y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett, que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno.
Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares.
La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño.
"Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título.
Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick.
Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el álbum, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna.
El 4 octubre 1969 entró directamente en el nº 1 y permaneció en él 11 semanas. El 27 diciembre 1969 volvió al nº 1 durante 6 semanas. Permanencia total : 81 semanas. También fue nº 1 en las listas del "New Musical Express" y "Melody Maker".En Reino Unido los pedidos por adelantado llegaron a 190.000 copias llevándolo directo al nº 1. A nivel mundial se vendieron 4.000.000 a las seis semanas y 5.000.000 a final del año. A los diez años (1980), se alcanzó la cifra de 10.000.000
En Estados Unidos alcanzó el nº 1 en las listas de "Billboard", "Cashbox" y "Record World".

1. Come Together
2. Something
3. Maxwell's Silver Hammer
4. Oh! Darling
5. Octopus's Garden
6. I Want You (She's So Heavy)
7. Here Comes the Sun
8. Because
9. You Never Give Me Your Money
10. Sun King
11. Mean Mr. Mustard
12. Polythene Pam
13. She Came in Through the Bathroom Window
14. Golden Slumbers
15. Carry That Weight
16. End
17. Her Majesty

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145. The Who – Tommy (1969)



Tommy es un colosal doble álbum producido por Kit Lambert en el que Pete Townshend maquina una fábula sobre el personaje que da título al disco, un muchacho nacido sordomudo y ciego, experto en jugar a las máquinas pinball, que terminará convirtiéndose en un redentor de masas.
La querencia por las obras conceptuales de Townshend ya se había percibido en trabajos anteriores como el excelente "Sell out" y la mini ópera-rock encontrada en "A quick one" y titulada "A quick one, while he's away".
Lo impresionante de este disco, épico, intenso, apasionado y opulento en estructuras, desarrollos, texturas y tonos, es que no cuenta con bajones notables en su recorrido ya que el progreso narrativo de la historia no se ve amenazado por digresiones autocomplacientes, las viñetas enlazadas resultan significativas y siempre aportan datos o imágenes que configuran la personalidad y el contexto del individuo protagonista.
A su vez tampoco ninguna composición pierde la calidad acostumbrada en los Who de la época, sean las canciones escritas por Townshend, mayoritariamente el autor del disco, ni del magnánimo bajista John Entwistle, responsable también de los grandiosos arreglos de viento que suenan a lo largo de todo el doble álbum, valorándose positivamente también la pequeña aportación en la escritura de Keith Moon en una simpática pieza.
A lo largo de la odisea personal de Tommy, iniciada con una magnífica overtura instrumental vamos disfrutando con el talento melódico, instrumental y vocal de los cuatro componentes de esta excelsa banda británica, sin duda alguna uno de los cinco o seis nombres fundamentales de la historia del rock.
Ya no hay grupos como éste. Los puntos álgidos de esta obra maestra de sonoridad acústica pero ardorosa en consonancia con el natural ímpetu y fortaleza de los acordes y riffs guitarreros del gran Pete Townshend, y la inmensa potencia y personalidad de la sección rítmica de la banda, con un siempre exuberante Keith Moon en la batería y un vigoroso trabajo en las cuatro cuerdas de John Entwistle, quien también sabe aportar líneas melódicas de primer nivel y nutrir las fenomenales armonías vocales con el resto de sus compañeros, entre ellos el vigoroso Roger Daltrey, son "Amazing journey", "Christmas", "Cousin Kevin", "Underture", "The acid queen", "Go to the mirror" o las tres mejores canciones del álbum: "Pinball wizard", "I'm free" y “We’re not gonna take it”, la joya que cierra de manera inmejorable la trayectoria mesiánica de Tommy y este trabajo inmortal e imprescindible que hay que disfrutar de cabo a rabo. ¡Qué final! Buff. Ese "see me, feel me, touch me, heal me" interpretado por un Daltrey lastimero siempre será algo imperecedero. Magnífico.

01 - Overture
02 - It's a boy
03 - 1921
04 - Amazing journey
05 - Sparks
06 - Eyesight to the blind (the hawker)
07 - Christmas
08 - Cousin Kevin
09 - The acid queen
10 - Underture
11 - Do You Think It's Alright
12 - Fiddle about
13 - Pinball wizard
14 - There's a doctor
15 - Go to the mirror
16 - Tommy, can you hear me
17 - Smash the mirror
18 - Sensation
19 - Miracle Cure
20 - Sally Simpson
21 - I'm Free
22 - Welcome
23 - Tommy's Holiday Camp
24 - We're Not Gonna Take It

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146. Miles Davis – In a Silent Way (1969)



En 1968 Miles Davis comienza a grabar canciones para este disco, junto a los músicos Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland, y Tony Williams. La primer grabación se hizo en el Columbia 30th Street Studio, en Nueva York, en septiembre de ese año. La grabación terminó en febrero de 1969, en Columbia Studio B, Nueva York, con los músicos originales, a quienes se sumaron Herbie Hancock, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, y Joe Chambers.
"In a Silent Way" presenta una fusión entre música jazz y rock. Miles Davis intentaba atraer a nuevo público, ya que, debido a la indiferencia del mismo, muchos clubes de jazz estaban cerrando. Tony Williams, baterista del grupo, dio a Davis música rock para escuchar. El resultado fue la asimilación de ritmos y tonos de este nuevo género. Pero la música conserva características del jazz.

1. Shhh/Peaceful
2. In A Silent Way


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147. Bee Gees – Odessa (1969)



Hay dos tipos de personajes en esta ecléctica fauna de compradores de discos verdaderamente insoportables. Unos, los necios cerrados, que no salen de un estilo musical ni a tiros, perdiéndose así uno de los mayores placeres de la melomanía cual es el disfrute de multitud de universos sonoros a cada cual más diverso pero igualmente disfrutables.
Los Bee Gees son sin duda, una de las bandas más maltratadas por los presuntos comentaristas musicales e ignorante público en general, que, paradójicamente encumbran a otros con mucho menor talento.
La culpa de ello: su tremendo éxito en la fiebre discotequera que los encaramó a la más alta popularidad en los años 70. Este éxito bajo las bolas de espejos solapan sus mejores trabajos (sin su famoso falsete) que se encuentran en la psicodélica época anterior.
"Odessa" es una de sus grandes obras, comparables a los mejores momentos de los Beatles y de un planteamiento de pop experimental muy similar al "Sgt. Peppers", el "Pet Sounds" de los Beach Boys u otra joya también oculta, "Odessey & Oracle" de los fabulosos Zombies.
Aunque en ciertos momentos (pocos) les supera la pretenciosidad, cualquiera con un poco de sensibilidad melódica tendría que arrodillarse ante temazos de tintura melancólica y enorme talento compositivo como "Black Diamond", "Lamplight", "Melody Fair", "Suddenly", "Sound of love", "I Laugh in Your Face" o la instrumental "Seven Seas Symphony", envueltos en violines (de David Katz), pianos, oboes, trompetas y selectas armonías vocales, incluso se atreven con sabores country al más puro estilo Gram Parsons en "Give Your Best" o "Marley Purt Drive". Esencial.

1. Odessa (City on the Black Sea)
2. You'll Never See My Face Again
3. Black Diamond
4. Marley Purt Drive
5. Edison
6. Melody Fair
7. Suddenly
8. Whisper Whisper
9. Lamplight
10. Sound of Love
11. Give Your Best
12. Seven Seas Symphony
13. With All Nations (International Anthem)
14. I Laugh in Your Face
15. Never Say Never Again
16. First of May
17. The British Opera


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148. Pentangle – Basket of Light (1969)



Pentangle ha sido uno de los grupos más exquisitos que ha dado la música británica. Desde un punto de vista, digamos comercial, ha sido clasificada como una banda de folk o de folk-rock, pero en realidad su música es tan ecléctica como para reunir también elementos de jazz, blues, música medieval y barroca, e incluso aires orientales en algunos temas.
Su formación original (1967) contaba con el liderazgo de dos excelentes guitarristas, John Renbourn y Bert Jansch, a los que acompañaba una sección rítmica impecable a cargo de Terry Cox en la percusión y Danny Thompson al bajo. Al frente de todos, la portentosa voz de la feucha, modosita y encantadora Jacqui McShee. Basket of Light, su tercer disco es simplemente grandioso, con el que alcanzaron la máxima popularidad.

1. Light Flight
2. Once I Had A Sweetheart
3. Springtime Promises
4. Lyke-Wake Dirge
5. Train Song
6. Hunting Song
7. Sally Go Round The Roses
8. The Cuckoo
9. House Carpenter
10. Sally Go Round The Roses
11. Sally Go Round The Roses
12. Cold Mountain
13. I Saw An Angel

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149. Rolling Stones – Let it Bleed (1969)



El último trabajo de los Stones en los años 60, con un título que parodiaba el "Let it be" de los Beatles, fue este soberbio tratado de rock cromatizado en alguno de sus mejores pasajes por pinceladas de country y blues, tanto en su aspecto acústico como eléctrico. Es un grandioso LP que supuso la última colaboración de Brian Jones con el grupo y el debut del guitarrista Mick Taylor, quien sólo participa en dos cortes del álbum pero deja la impronta de su habilidad en las seis cuerdas.
Entre los colaboradores de lujo que ensanchan instrumentalmente el álbum se encuentra el "sexto Stone" Ian Stewart, el omnipresente Nicky Hopkins, Ry Cooder, Leon Russell, Al Kooper o Jack Nitszche, entre otros. Personajes realmente esenciales dentro de la historia del rock en una u otra vertiente.
En un álbum tan redondo como éste resulta muy difícil destacar alguna canción por encima de otra, pero momentos indelebles como el clásico "Gimme Shelter", pieza que cuenta con un extraordinario apoyo vocal de Mary Clayton, la adaptación del tema de Robert Johnson "Love in vain", el rock punzante y enérgico de "Live with me", el R&B de "Midnight Rambler" o la memorable balada "You can't always get what you want", con unos hechizantes coros arreglados por Nitszche, demuestran sobradamente la magnificencia de "Let it Bleed". La curiosa portada está diseñada por Robert Brownjohn.

1.Gimme Shelter
2.Love in Vain
3.Country Honk
4.Live With Me
5.Let It Bleed
6.Midnight Rambler
7.You Got the Silver
8.Monkey Man
9.You Can't Always Get What You Want



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150. Nick Drake – Five Leaves Left (1969)



Five Leaves Left, grabado en 1969, fue el primer álbum de Nick Drake, un músico folk inglés. Para este disco, integrantes del grupo británico de Folk Rock Fairport Convention asistieron con las grabaciones del bajo y guitarra eléctrica. Se dice que el título de este disco proviene de un paquete de cigarrillos Rizla, en el cual había un mensaje advirtiendo que sobraban solamente cinco hojas en el paquete. Algunos dicen que esta idea fue dirigida a gente que fumaba cánnabis, ya que se requería cinco hojas para liar a mano en forma de cigarillo. Nick Drake tenía sólo 21 años al ser publicado Five Leaves Left y antes de morir de una sobredosis de antidepresivos a los 26 años grabó otros dos Lps: Bryter Layter y Pink Moon. Sin embargo, ninguno de sus discos vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake se rehusaba a realizar presentaciones en vivo y a ser entrevistado. En sus letras se ven reflejados sus problemas de insomnio y depresión. En este disco, Drake toca la guitarra y el piano, además de cantar , aunque también tocaba el clarinete y el saxofón. Hay que destacar que el reconocimiento le llegó después de haber muerto. Por ejemplo, en el año 2000 Volkswagen usó una de sus canciones en una publicidad televisiva y en un mes se vendieron más álbumes suyos que en los treinta años anteriores. Un disco hermoso y revelador.

1. Time Has Told Me
2. River Man
3. Three Hours
4. Way to Blue
5. Day Is Done
6. Cello Song
7. Thoughts of Mary Jane
8. Man in a Shed
9. Fruit Tree
10. Saturday Sun

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