1001 discos que hay que escuchar antes de morir
Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa, todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.
Seguimos con la lista... .
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051. Otis Redding – Otis Blue… Sings Soul (1965)
Cuando uno piensa en Otis Redding, este es el álbum de referencia, aparte de uno de los fundamentales del género soul en los sesenta. Aunque ocho de los temas sean versiones, Otis se las arregla para llevarlos a su terreno. Aquí se apoya en otro talento impar: nada menos que Booker T, el líder de los MG's. El disco es completísimo, sin desperdicio, y pudiera dividirse en tres categorías.
En primer lugar, las versiones que Redding hace del repertorio de su ídolo, Sam Cooke, primer artífice de la fusión entre gospel y pop. Su influencia en Otis y en todo el soul de los sesenta es innegable. Como el propio Redding, Cooke desapareció prematura e inesperadamente. En "Otis Blue", las recreaciones de "Shake", "Wonderful World" y "A Change Is Gonna Come" se caracterizan por la vocalización más gutural y el sonido más urgente que los originales. Un tributo maravilloso.
Otis Redding, the King Of Soul, uno de los mejores cantantes de Soul,una de las voces más completas. Su corta carrera musical ( a causa de un accidente aéreo con tan sólo 26 años )hizo que no conociera el verdadero éxito, hasta después de su muerte. En fin, un disco completo en todos los sentidos.
1. Ole Man Trouble
2. Respect
3. Change Is Gonna Come
4. Down In The Valley
5. I've Been Loving You Too Long
6. Shake
7. My Girl
8. Wonderful World
9. Rock Me Baby
10. Satisfaction ( I Can't Get No )
11. You Don't Miss Your Water
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052. The Beach Boys - Today! (1965)
'Today!' es el noveno álbum de estudio de los Beach Boys, y el primero de tres realizados en el año 1965. Aunque nadie comprendiera la importancia del álbum, "Today!" en aquellos días, dicho álbum ha marcado un punto decisivo y principal dentro del mundo de la musica, y en particular, del líder Brian Wilson. La Revista Rolling Stone lo colocó en el número 270 de su lista de «Los Mejores Discos» en 2003. Muchos consideran que "Today!" marca el principio de la maduración artística de Brian Wilson. El álbum es famoso por tener un lado de canciones optimistas y elsegundo lado de baladas melancólicas.
Muchos consideran "Today!" el más resuelto "y maduro" delos álbumes que se hicieron por el año 1965. "Today!" es el primer reflejo, resultado del cambio que sufrían los Beach Boys, no fue de gran repercusión comercial, pero dentro del contexto significa un puente evolutivo entre la primera etapa del grupo (la más pop) y su cumbre artística.
1.Do you wanna dance?
2.Good to my baby
3.Don't hurt my little sister
4.When I grow up (to be a man)
5.Help me, Ronda
6.Dance, dance, dance
7.Please let me wonder
8.I'm so young
9.Kiss me, baby
10.She knows me too well
11.In the back of my mind
12.Bull sessions with Big Daddy
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053. John Coltrane - A Love Supreme (1965)
Obra maestra de Coltrane, expresa algo así como un homenaje o regalo del artista a su inspirador. Al menos así queda plasmado en sus mismas palabras: "Como una humilde ofrenda a Él".
"A Love Supreme" no es un disco fácil de entender. Contiene demasiada moderanidad con sonidos improvisados y un manejo de estructuras que pueden hasta sonar irritantes o desagradables en una primera oída. Sin embargo, tras intentarlo y lograr avanzar es posible caer en la magia de su composición y ver la fluidez tanto de sus instrumentos, como de la música que genera.
A Love Supreme es la suite de jazz en cuatro partes que John Coltrane grabó en el curso de una noche con el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Sorprendió a Coltrane en un punto culminante de su trayectoria creativa: la cristalización de los últimos tres años como parte de aquel famoso cuarteto, antes de virar hacia la fase final y más discutida de su carrera.
Después de llegar a los comercios y a las ondas radiofónicas, en febrero de 1965, menos de dos meses después de su grabación, A Love Supreme se convirtió en un éxito de ventas en los círculos jazzísticos, y se escuchaba tanto en los dormitorios de los colleges como en los pisos de los guetos, en las esquinas de Harlem y de Haight-Ashbury: un disco unificador encumbrado gracias a la oportunidad del momento en que salió. «A Love Supreme llegó e influenció a toda la gente que estaba por la paz», recordaba Miles Davis. «Los hippies y la gente así.»
A mediados de los sesenta, A Love Supreme destilaba los temas de la década: el amor universal y la conciencia espiritual. «En los sesenta, estamos en la época de las religiones orientales, la nueva espiritualidad y el Hare Krishna, y ésa era la matriz de donde provenía Trane... y encajó perfectamente», señala el saxofonista Archie Shepp.
A Love Supreme nunca ha pasado de moda, y a través de los cambios, con el paso de las décadas, desde el optimismo de cielos azules hasta la dureza del hastío, la relevancia de la música y su mensaje han permanecido constantes. «Sé que hay mucha gente que ni tan sólo quiere escuchar música de cinco, cuatro años atrás», comenta Alice Coltrane. «Pero A Love Supreme tiene un espíritu de renovación propio... es intemporal, es eterna.»
Un disco recomendado, especialmente para aquellos que buscan saber la inspiración de la música maestra y sin letras
Part 1: "Acknowledgement"
Part 2: "Resolution"
Part 3: "Pursuance
Part 4: "Psalm"
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054. BB King - Live At The Regal (1965)
En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum "Live At The Regal" en el Teatro Regal en Chicago, Illinois, uno de los clásicos en vivo de todos los tiempos. En esta grabación, Lucille (su guitarra) toma el lado salvaje y suena de una manera soberbia ante una entusiasta audiencia negra. Es una delicia oír a B.B. King tocar en distintas afinaciones, recreando un sonido que nunca captura en el estudio. Sin duda un disco obligado para sus fans
Y aquí le tenemos, compartiendo su legendario repertorio con una audiéncia y causando estragos entre sus fans femeninas. Live at Regal es el cuarto album del rey del blues, y primer directo tras 5 años desde su anterior disco My Kind of Blues. En realidad sus tres discos anteriores no eran obras trabajadas en su totalidad de forma completa, sinó que eran recopilaciones de singles, algo que estaba a la orden del día en aquella época.
B. B. King es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música . Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.
01 - Every Day I Have the Blues
02 - Sweet Little Angel
03 - It's My Own Fault
04 - How Blue Can You Get?
05 - Please Love Me
06 - You Upset Me Baby
07 - Worry, Worry
08 - Woke Up This Morning (My Baby's Gone)
09 - You Done Lost Your Good Thing Now
10 - Help the Poor
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055. Beatles - Rubber Soul (1965)
El Rubber Soul apareció el 3 de diciembre de 1965. Fue grabado en sólo cuatro semanas para aprovechar el mercado navideño, pero a pesar de eso resultó un gran disco y alcanzó el éxito tanto de ventas como de críticas. El álbum fue producido para la EMI por George Martin (que también toca el teclado, por ejemplo el solo de piano de "In My Life"
.
En este álbum se ve un gran paso adelante en el desarrollo artístico de los Beatles, ya que dejaron atrás su sonido original. Todas las canciones del álbum fueron escritas por miembros del grupo y se usaron nuevos instrumentos, como el sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" También se puede apreciar en él la influencia de otros artistas contemporáneos como Bob Dylan.
El equipo compositor que formaban John Lennon y Paul McCartney comenzó a explorar otros temas aparte del amor romántico. En particular, las relaciones entre los sexos pasaron de simples canciones de amor chico-chica a descripciones más datalladas e incluso negativas. "Norwegian Wood" representa un encuentro ambiguo entre el cantante y una chica. La chica de "You Won't See Me" es descrita como inmadura y obstinadamente se niega a escuchar al cantante. En "I'm Looking Through You", la chica no trata bien al cantante. "Girl" describe a alguien que "habla mal de ti delante de los amigos", y "Run For Your Life" presenta una vaga amenaza de muerte.
El álbum pasó 42 semanas en las listas británicas empezando el 11 de diciembre de 1965, y en Navidad superó a Help!, el anterior álbum de los Beatles, colocándose en el primer puesto, posición que mantendría ocho semanas. El álbum se convirtió en un clásico, el 9 de mayo de 1987 regresó a las listas durante 3 semanas, y diez años después hizo otra reentrada en las mismas.
En 1998 los lectores de la revista Q votaron a Rubber Soul como el 40º mejor álbum de todos los tiempos; in 2003 la cadena de TV VH1 lo colocó en el número 6. La revista Rolling Stone lo situó en el número 5.
01. "Drive My Car
02. Norwegian Wood (This Bird Has Flown)
03. You Won't See Me
04. Nowhere Man
05. Think For Yourself
06. The Word
07. Michelle
08. What Goes On
09. Girl
10. I'm Looking Through You
11. In My Life
12. Wait
13. If I Needed Someone
14. Run For Your Life
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056. Bert Jansch – Bert Jansch (1965)
Primer disco de uno de los guitarristas más influyentes de toda la historia. Grabado entre finales de 1964 y principios de 1965, aqui ya nos encontramos con algunas de las canciones que mejor representan el estilo de Bert como guitarrista, canciones como strolling down the highway o la preciosa the neddle of death hacen de este disco que sea indispensable para los amantes del folk o el blues.
Este escocés es un nombre mítico del folk británico que se lo toma con calma pero que de vez en cuando nos sorprende con especiales y agradables discos como este. Es también usual y lógico colocarle a la altura de Donovan o Nick Drake, pero las merecidas alabanzas también le llegan del rock. Jimmy Page le admira y el bueno de Neil Young afirmó debido a su destreza con la guitarra que era el equivalente con la acústica a Jimi Hendrix. Pero no sólo tiene admiradores coetáneos. También más jóvenes como Hope Sandoval, Bernard Butler (Suede) o Johnny Marr (The Smiths) le rinden pleitesía y han colaborado con él.
1. Strolling Down The Highway
2. Smokey River
3. Oh How Your Love Is Strong
4. I Have No Time
5. Finches
6. Rambling's Gonna Be The Death Of Me
7. Veronica
8. Needle Of Death
9. Do You Hear Me Now
10. Alice's Wonderland
11. Running From Home
12. Courting Blues
13. Casbah
14. Dreams Of Love
15. Angie
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057. The Byrds - Mr Tambourine Man (1965)
Mr. Tambourine Man. 1965 (Columbia / Sony 1996). El primer LP oficial de Los Byrds, publicado por Columbia durante el verano de 1965 y grabado en abril de aquel mismo año, con Terry Melcher como productor. Un clásico. El sonido que el grupo desarrolló a lo largo de 1964 alcanza aquí su culminación y se convierte en punto de partida para el trabajo posterior de Los Byrds. Las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, el folk y la influencia de Los Beatles crearon, en manos de Los Byrds, un sonido radicalmente nuevo que fue muy imitado en 1965 y 1966.
Este primer LP retoma buena parte de las canciones ensayadas en los World Pacific Studios ('Mr. Tambourine Man', 'It's No Use', 'Here Without You', 'You Won't Have To Cry') y añade nuevo material de Gene Clark ('Feel A Whole Lot Better') y nuevas versiones ('Chimes Of Freedom, 'We'll Meet Again'...) La concepción y el mismo diseño de la portada eran muy avanzados para su época: se utilizó una fotografía de Los Byrds hecha con un objetivo de 'ojo de pez' que alargaba y distorsionaba las figuras de los miembros del grupo. Como muchos otros aspectos de este LP, éste también fue copiado posteriormente por otras bandas tan prominentes como Beatles y Stones.
1. Mr. Tambourine Man
2. I'll Feel A Whole Lot Better
3. Spanish Harlem Incident
4. You Won't Have To Cry
5. Here Without You
6. The Bells Of Rhymney
7. All I Really Want To Do
8. I Knew I'd Want You
9. It's No Use
10. Don't Doubt Yourself, Babe
11. Chimes Of Freedom
12. We'll Meet Again
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058. Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)
Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965.
Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comúnmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos.
Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".
Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. 4 Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Like A Rolling Stone
2. Tombstone Blues
3. It Takes A Lot To laugh, It Takes A Train To Cry
4. From A Buick 6
5. Ballad Of A Thin Man
6. Queen Jane Approximately
7. Highway 61 Revisited
8. Just Like Tom Thumb's Blues
9. Desolation Row
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059. The Who - Sings My Generation (1965)
My Generation es el álbum de debut de la banda británica de rock The Who, grabado y publicado 1965. En Estados Unidos, el álbum fue titulado The Who Sings My Generation, con una portada y una lista de canciones distintas. Fue considerado por muchos críticos como uno de los mejores álbumes de la historia del rock en diversas listas.
El álbum fue realizado de forma inmediata tras el éxito de los primeros singles del grupo. Según las notas incluidas en la edición deluxe del álbum, The Who Sings My Generation fue denominado posteriormente por los componentes del grupo como un trabajo rudo que no representaba sus interpretaciones de la época. En 2006, My Generation era incluido en el puesto 49 de la lista de los 100 mejores álbumes británicos, elaborada por NME. La canción que da título al álbum fue inducida en el Grammy Hall of Fame en 1999 y supone una de las canciones más conocidas del grupo, así como un himno de la historia del rock'n'roll. En The Who Sings My Generation los Who fueron pioneros del uso de tanta distorsión en el sonido. Tanto fue así que el sello americano encargado de la distribución exigió otra copia de la cinta porque no sabían que la distorsión se había puesto a propósito. El rythm & blues predomina en la música del disco, que tiene también canciones muy pop. El soul aparece en las versiones I Don't Mind y Please Please Please, que palidecen al compararse a las diez canciones de Pete Townshend. La más clásica, por supuesto, la ya comentada My Generation, auténticamente bestial, con sus solos de bajo tan atípicos en 1965. Pero hay bastante más: La beateliana The Kids Are Alright; canciones pop con fabulosos estribillos como La La La Lies o Out In The Street; las más animadas It's Not True, Instant Party (Circles) y sobre todo A Legal Matter; canciones con el sello propio de los Who como Much Too Much o la misteriosa The Good's Gone; y el extraño instrumental The Ox, con un Keith Moon brutal... y bruto (The Ox era el apodo de John Entwistle). Todas las canciones demuestran la grandeza como compositor de Pete Townshend, canción por canción este disco es extraordinario; el genio de Pete continuaría con sus posteriores obras.
1. "Out in the Street"
2. "I Don't Mind" (Brown)
3. "The Good's Gone"
4. "La-La-La Lies"
5. "Much Too Much"
6. "My Generation"
7. "The Kids Are Alright"
8. "Please, Please, Please" (Brown/Terry)
9. "It's Not True"
10. "The Ox" (Townshend/Moon/Entwistle/Hopkins)
11. "A Legal Matter"
12. "Instant Party"
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060. Beatles - Revolver (1966)
Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, fue lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores. Éste logró ser número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña y de Estados Unidos.
Revolver fue el disco que marcó la carrera de los fab four como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock), "Tomorrow never knows" (psicodélica), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propia de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas).
Revolver frecuentemente es citado como uno de los mejores álbumes. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una encuesta de 'Music of the Millennium' dirigida por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar, mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el puesto número uno. Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums. Una crítica de PopMatters describió al álbum como "Los miembros individuales de la banda más grande de la historia de la música pop alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto", mientras que la revista Ink Blot dijo que el álbum "Se mantiene en la cumbre de la música pop occidental". El famoso Ozzy Osbourne, en sus entrevistas, siempre dice que Revolver es su álbum británico preferido.
1. Taxman,
2. Eleanor Rigby
3. I'm Only Sleeping
4. Love You To,
5. Here, There, and Everywhere
6. Yellow Submarine
7. She Said She Said
8. Good Day Sunshine
9. And Your Bird Can Sing
10. For No One
11. Doctor Robert
12. I Want to Tell You
13. Got to Get You Into My Life
14. Tomorrow Never Knows
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061. The Beach Boys - Pet Sounds (1966)
Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio del grupo estadounidense de música pop The Beach Boys, que fue compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson, junto al músico y publicista Tony Asher y lanzado el 16 de mayo de 1966. Este destacaba por su carácter introspectivo, volcado por las experiencias personales del mismo Wilson, que difería mucho de sus producciones anteriores que eran muy melódicas y que contaba con armonías vocales, que se convirtió en el sello del grupo. Esto probablemente, por la influencia que el disco Rubber Soul y Revolver de The Beatles causó en Wilson, quien obsesivamente buscaba el sonido perfecto en sus nuevas producciones. El disco de los fab four de Liverpool, era el paso lógico que la música de mediados de los setenta tenía que dar en busca del sonido progresivo. Brian wilson entendió que su próximo disco, debía superar lo hecho por los jovenes Ingleses.
Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de The Beatles.
Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse para algunos en uno de los álbumes más influyentes.
El álbum fue grabado en sonido monoaural, como todos los discos de los Beach Boys, debido a la sordera de un oído de Brian Wilson, resultado de un accidente de infancia. Varias veces se ha intentado reeditar Pet Sounds en estéreo, pero los fans han opuesto resistencia. En ediciones posteriores en disco compacto se incluye una versión de I Know There's An Answer con diferente letra (y bajo el título de Hang On To Your Ego), ensayos y tomas alternas.
1. Wouldn't It Be Nice
2. You Still Believe In Me
3. That's Not Me
4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)
5. I'm Waiting For The Day
6. Let's Go Away For A While
7. Sloop John B
8. God Only Knows
9. I Know There's An Answer
10. Here Today
11. I Just Wasn't Made For These Times
12. Pet Sounds
13. Caroline No
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062 - Fred Neil - Fred Neil (1966)
Pionero de los folkies en Greenwich village en New York, de hecho cuando Dylan llegó, Fred ya se había pateado todos los garitos. Nunca consiguió el reconocimiento que se merecia, de hecho su canción mas conocida llegó a lo mas alto a través de una versión de un tema suyo a cargo de Harry Nilsson (muy buena todo hay que decirlo) el everybody´s talkin´. Había comenzado a finales de los 50, y este sería su segundo y mejor disco. paradigma del sonido songwriter, con una produccion made in Nick Venett, preñado de buenisimas canciones: the dolphins (si es de el, no de Tim Buckley), that´s the bag i´m in, o I´ve got a secret. Este disco se volvió a reeditar en 1969 con el nombre de Everybody´s Talkin´debido al exito de la cancion en la voz de Nilsson, pero tampoco sirvió para relanzar su carrera, lo cual tampoco le importaba mucho a Fred Neil, siempre un poco al margen de la industria. Grabaría un disco más, el arriesgado Sessions, antes de darse el piro para su Florida natal a contemplar a los delfines. Super influyente artista por ejemplo en gente como el propio Tim Buckley
1. The Dolphins
2. I've Got A Secret (Didn't We Shake Sugaree)
3. That's The Bag I'm In
4. Dadi-Da
5. Faretheewell (Fred's Tune)
6. Everybody's Talkin'
7. Everything Happens
8. Sweet Cocaine
9. Green Rocky Road
10. Cynicrustpetefredjohn Raga
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063. The Byrds-Fifth Dimension (1966)
Tras dos discos donde dejaron escritas las tablas de la ley de como mezclar folk con rock logrando como resultado un nuevo género que es mucho más que la suma de estos dos elementos, llega el disco del cambio. El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds. Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eigh miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de la música por ser un claro precursor del movimiento psicodélico.
Buena parte de culpa de esa anticipada sonoridad psicodélica la tenía Roger McGuinn y la innovadora e influyente utilización de su Rickenbacker de 12 cuerdas, palpable en joyas como la citada "Eight miles high", "I see you" (escrita a medias por McGuinn y Crosby) y "What's happening?!?!", la primera composicion en solitario de David Crosby para los Byrds.
El propio McGuinn, responsable en este disco tras la marcha de Gene Clark del peso compositivo, firma otras destacables piezas como la homónima del álbum donde Van Dyke Parks (asimismo colaborador de los Beach Boys) aporta sus teclados, la más comercial y asequible space-country "Mr. Spaceman" y "2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)", un curioso tema final en el que introducen juguetones efectos sonoros.
Para completar el trabajo adaptan con maestría dos canciones de folk tradicional enaltecidas por arreglos de cuerda en las que sacan a relucir su dominio en las armonías vocales, "Wild Mountain Thyme" y la excepcional historia de fidelidad amorosa narrada en "John Riley".
"Fifth Dimension" también contiene la escalofriante "I come and stand at every door", un poema de Nazim Hikmet musicado tiempo atrás por Pete Seeger y que cuenta la triste historia de un niño víctima de la bomba de Hiroshima.
El instrumental "Captain Soul" y la versión de "Hey Joe", popular tema escrito por Billy Roberts, son los puntos débiles de una de las grabaciones más arriesgadas e importantes de los Byrds, que desarrollan psicodelia de alto nivel y atisbos de space-rock en un disco realmente valioso, como casi todo lo realizado por este esencial conjunto californiano.
1. 5D (Fifth Dimension)
2. Wild Mountain Thyme
3. Mr. Spaceman
4. I See You
5. What's Happening?!?!
6. I Come and Stand at Every Door
7. Eight Miles High
8. Hey Joe
9. Captain Soul
10. John Riley
11. 2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)
12. Why? [Single Version]
13. I Know My Rider (I Know You Rider)
14. Psychodrama City
15. Eight Miles High [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
16. Why [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
17. John Riley [Version 1][Instrumental]
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064. Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966)
Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1966.
Es considerado el primer álbum doble de la historia del Rock, ya que su duración forzó a editarlo en dos LPs, aunque las reediciones digitales permiten incluir todo el álbum en un único disco compacto. Es notable por introducir la marca dylaniana de blues rock, completamente establecida en su álbum anterior, Highway 61 Revisited, con un sonido más ecléctico e incluso letras más surrealistas. A pesar de su naturaleza inflexible, es considerado uno de los mejores discos de Dylan y uno de los mejores álbumes de la historia del Rock.
Blonde on Blonde supondría el final de una era para Dylan, quien sufriría al poco tiempo un accidente de moto que cambiaría sustancialmente su vida personal y artística.
Grabado en Nashville, Tennessee, el álbum fue producido por Bob Johnston. Alcanzó el puesto #9 en las listas de Billboard y el #3 en el Reino Unido, siendo certificado como doble disco de platino. En las listas de los mejores álbumes de la historia, elaboradas por VH1 y Rolling Stone, figura en el puesto nueve.
1. Rainy Day Women #12 & 35
2. Pledging My Time
3. Visions of Johanna
4. One of Us Must Know (Sooner or Later)
5. I Want You
6. Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again
7. Leopard-Skin Pill-Box Hat
8. Just Like a Woman
9. Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine
10. Temporary Like Achilles
11. Absolutely Sweet Marie
12. 4th Time Around
13. Obviously 5 Believers
14. Sad Eyed Lady of the Lowlands
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065. Monks - Black Monk time (1966)
Año 1965, cinco soldados estadounidenses se cansan de repente de servir a su ejército y deciden permanecer en la entonces República Federal de Alemania, en plena guerra fría y hartados de la vida que estaban llevando. Deciden formar una banda. Tendría un banjo como instrumento. Se raparían sus cabezas al medio, como si de monjes se tratara, porque también estarían así ataviados, con vestimenta clerical y cuerdas franciscanas. Eso sí, la música que destilaría su furia generacional poco tendría que ver con la religión. Más bien todo lo contrario: grabarían uno de los primeros discos de punk, incluso antes de que se tenga alguna noción de dicha palabra.
The Monks son una de esas casualidades del destino, verdaderas anomalías de la cultura rock. ¿Cómo se puede explicar entonces que cinco ex soldados yankees terminen formando uno de los grupos más de avanzada que hayan pisado nuestro planeta y a miles de kilómetros de su propio hogar? Tal vez en esa amalgama de factores esté la respuesta. Lo cierto es que estos hombres que declaraban ser los «Anti Beatles» llevaron velocidad, vértigo, energía y mucho más a la todavía algo alertagada música europea circa 1966.
«Black monk time» no solamente es uno de los grandes discos del garage rock, sino incluso de todos los años 60s. Por su capacidad visionaria, sus ritmos monótonos, hipnóticos, repetitivos, pero también salvajes y dotados de una crudeza totalmente proto punk; por su histrionismo, condición freak y su irreverencia; por no temer a hacer música de avanzada en condiciones desfavorables; por estar «five years ahead of my time», como decían los Third Bardo, en palabras que les corresponderían en realidad a estos monjes.
Obviamente, pasaron sin pena ni gloria por aquellos años del rock alemán y anglosajón en general. Pero, de seguro, a aquellos jóvenes que los vieron por televisión en algunas de sus apariciones en el Beat Club algún ruido les hizo en la cabeza el hecho de ver a cinco pseudomonjes generando el mismísimo caos en uno de los típicos programas televisivos para bandas de rock que había por aquel entonces. Luego llegó algo llamado krautrock y, aunque las diferencias sean notorias, algo de aquel viejo espíritu de The Monks apareció de una forma u otra. También se encargaron de dejar su legado: un puñado de demos, rarezas y materia de collectors, un disco indestructible («Black monk time», 1966), una película en su honor y una vasta influencia que fue recogida por varias generaciones. Casi nada.
1. Monk Time
2. Shut Up
3. Boys Are Boys and Girls Are Choice
4. Higgle-Dy-Piggle-Dy
5. I Hate You
6. Oh, How to Do Now
7. Complication
8. We Do Wie Du
9. Drunken Maria
10. Love Came Tumblin' Down
11. Blast Off!
12. That's My Girl
13. I Can't Get Over You
14. Cuckoo
15. Love Can Tame the Wild
16. He Went Down to the Sea
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066. The Kinks-Face To Face (1966)
Cuasi impoluta grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que sirve para consolidar a su incomparable autor como uno de los más grandes letristas y genios musicales de la historia pop.
Entre sus muchas virtudes se encuentra la capacidad de adornar sus perspicaces y corrosivos textos con una hiperpegadiza y exquisita línea melódica, interpretada por la cruda factura vocal de su hermano Dave en "Party line", desarrollar una acompasada pieza de aire R&B de nuevo con Dave en la voz solista en "You're looking fine", ofertar lustrosos regalos sónicos engalanados por la siempre agradable presencia de un hapsicordio en "Rosy, won't you please come home", tema dedicado a su hermana, u ofrecer un sincero tributo con "Session Man" al recurrido pianista Nicky Hopkins, presente también los créditos del álbum.
Atmosféricos temas como "Rainy day in June" y "Fancy", canción de notorios efluvios orientales y otra serie de títulos totalmente imprescindibles, empapados del típico sonido y causticidad social de los Kinks, como "Dandy" (versionada con posterioridad por los Herman's Hermits), "House in the country", "Most exclusive residence for sale", "Little miss queen of darkness", el número 1 en listas británicas "Sunny Afternoon" o la nostálgica "I'll remember", hacen de "Face to face" un trabajo clave en la trayectoria y evolución del grupo de los hermanos Davies.
1. Party Line
2. Rosie Won't You Please Come Home
3. Dandy
4. Too Much on My Mind
5. Session Man
6. Rainy Day in June
7. House in the Country
8. Holiday in Waikiki
9. Most Exclusive Residence for Sale
10. Fancy
11. Little Miss Queen of Darkness
12. You're Lookin' Fine
13. Sunny Afternoon
14. I'll Remember
15. I'm Not Like Everybody Else
16. Dead End Street
17. Big Black Smoke
18. Mister Pleasant
19. This Is Where I Belong
20. Mr. Reporter
21. Little Women
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067. The Mamas & the Papas - If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)
Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips.
Pop vocal en tiempos de amor libre y flores en el pelo con ensoñadoras combinaciones de voces (a las que a veces se suman Hal Blaine, Joe Osborne y Larry Knetchell) y sublimes melodías ejemplificadas en sus impresionante clásicos "California Dreamin'", "Monday monday" y "Go where you wanna go", todas ellas escritas por John y producidas de forma magistral por Lou Adler.
Junto a ellas, delicias indispensables del grupo menos conocidas pero de igual valía como "Got a feeling", "Straight Shooter", "Hey girl" o "Somebody Groovie", ornamentadas por sus sugestivas armonías.
Entre las versiones destacan "I call your name", cantada en plan vodevilesco, muy distinta a la de los Beatles y dulces revisitaciones de temas como "Do you wanna dance" de Bobby Freeman o "Spanish Harlem" de Ben E. King, a los que llevan hacia su terreno de pop refulgente.
1. Monday, Monday
2. Straight Shooter
3. Got A Feelin'
4. I Call Your Name
5. Do You Wanna Dance
6. Go Where You Wanna Go
7. California Dreamin'
8. Spanish Harlem
9. Somebody Groovy
10. Hey Girl
11. You Baby
12. The In Crowd
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068. Paul Revere And The Raiders - Midnight Ride (1966)
The Raiders lo formó Paul Revere en 1958. Uno de los grupos de pop-rock y garaje americano más importantes de los 60. Fueron los primeros en firmar con Columbia Records, el disco recogío sus primeros éxitos en listas estadounidenses, interpretados de forma vibrante por el grupo liderado por el vocalista Mark Lindsay, el teclista Paul Revere y el productor Terry Melcher (hijo de la famosa Doris Day), co-autor de muchos de sus temas originales y arquitecto principal de su sonido.
1. Kicks
2. There's Always Tomorrow
3. Little Girl In The 4th Row
4. Ballad Of A Useless Man
5. I'm Not Your Stepping Stone
6. There She Goes
7. All I Really Need Is You
8. Get It On
9. Louie Go Home
10. Take A Look At Yourself
11. Melody For An Unknown Girl
12. Shake It Up
13. Little Girl In The 4th Row (Italian Version)
14. SS 396
15. Corvair Baby
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069. Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out (1966)
O lo que es lo mismo, Frank Zappa, el trovador lunático más trastornado del rock, el heredero inevitable del exceso californiano, inspirador, años después, de iluminados psicodélicos (Syd Barrett, Paul Kantner…)
Disco perfecto para acompañarnos éstas navidades, llenando los ambientes familiares, villancicos para la ocasión (los chillidos de Kim Fowley en “Help, I’m a Rock” son muy propicios), el regalo perfecto para aquellos que aseguran “a mí megusta mucho la música…”
Teniendo un amplio abanico entre todo el repertorio de FZ, he elegido éste porque, sencillamente fue el primero, para él y para mi, el inicio de nuestra estrecha relación, y duradera, y fiel. Posiblemente escuche más “Absolutely Free”, “Hot Rats” o “Apostrophe’” o Incluso “Over-Nite Sensation”, “Roxy & Elsewhere” Y “Sheik Yerbouti” (y hasta puede que sean mejores, en valoraciones a su descomunal obra, no me meto, para éso están los pretenciosos llamados músicos), qué decir de “THE GRAND WAZOO”, en fin, y los que quedan por nombrar.
Inabarcable, increíble, excesivo y cínico, Mr. Zappa y sus madres de la invención (en éste disco Ray Collins, Jim Black, Roy Estrada y Elliott Ingber; cambiarán frecuentemente…) nos llevan por un viaje inolvidable.
1. Hungry Freaks, Daddy
2. I Ain't Got No Heart
3. Who Are the Brain Police?
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder
5. Motherly Love
6. How Could I Be Such a Fool
7. Wowie Zowie
8. You Didn't Try to Call Me
9. Any Way the Wind Blows
10. I'm Not Satisfied
11. You're Probably Wondering Why I'm Here
12. Trouble Every Day
13. Help, I'm a Rock
14. It Can't Happen Here
15. Return of the Son of the Monster Magnet
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070. The Rolling Stones-Aftermath (1966)
Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota el gran progreso del dúo en este campo, respaldados por la tremenda efectividad en la sección rítmica del bajista Bill Wyman y del gran batería Charlie Watts y sobre todo por un pletórico Brian Jones que con su innato talento instrumental enriquece y engrandece aún más las composiciones de Mick y Keith.
Jones se luce a lo largo de todo el álbum, ya sea interpretando un dulcimer en la preciosa balada "Lady Jane", unas marimbas en "Under my thumb" y en la formidable "Out of time", un sitar en "Mother's little helper" (espléndido tema que trata de cómo una apenada madre encuentra consuelo en las anfetaminas), una slide guitar en "Doncha bother me" y un fuzz bass en "Flight 505" (con una elegante introducción de piano) y en "Think".
Otros importantes instantes de enorme inspiración son "It's not easy", "I am waiting", "High and dry" (con ascendencias country) o "Take it or leave it" (pieza que pone de manifiesto su vena más pop), cortes maestros para un disco sin fisuras y absolutamente redondo en el que participó el ubicuo Jack Nitzsche.
01. Paint It Black
02. Stupid Girl
03. Lady Jane
04. Under My Thumb
05. Doncha Bother Me
06. Think
07. Flight 505
08. High and Dry
09. It's Not Easy
10. I Am Waiting
11. Going Home
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071. Simon & Garfunkel – Parsley, Sage, Rosemary & Thyme (1966)
Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, como fue la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y político, fruto, entre otros muchos factores, de la madurez aportada al rock y el pop por los músicos procedentes del folk, avezados poetas de cariz social.
Este es un álbum con sonoridades acústicas folk-pop, acariciadas por clavicordios en alegóricas historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial en cálidas tonalidades, refugio interno en el hogar conocido, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, deliciosos y delicados cánticos de apariencia optimista, simpáticos ejercicios dylanianos, entonaciones líricas con comentario social, rememoraciones para la gran poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles.
El disco, producido por el gran Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, siempre a la sombra compositiva del maestro Paul Simon, quien nos regala joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound", como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico.
1. Scarborough fair - canticle
2. Patterns
3. Cloudy
4. Homeward bound
5. The big bright green pleasure machine
6. The 59th street bridge song (feeling groovy)
7. The dangling conversation
8. Flowers never bend with the rainfall
9. A simple desultory philippic
10. For Emily, whenever I may find her
11. A poem on the underground wall
12. 7 o'clock news - Silent night
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072. 13th Floor Elevators – Psychedelic Sounds of the13th Floor Elevators (1966)
13th Floor Elevators fue una banda psicodélica de mediados de los años 60, formada en diciembre de 1965 en Austin, Texas, Estados Unidos. Son reconocidos como la primera banda en emplear el término psicodelia en un álbum. Cuando se acrisolan las vibraciones y ritmos garajeros con el consumo intensivo de ácido, el mundo sonoro de inclinación stoniana, propagado por experiencias lisérgicas, se convierte en un excitante paisaje policromo de instrumentación narcotizada y efusividad vocal: la psicodelia de los 13th Floor Elevators. Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de las drogas en sus composiciones musicales fue esta banda de Texas, creada en 1965 en Austin, la capital del estado.
A comienzos del año 66 y en un sello local grabaron el sencillo "You're gonna miss me" (cara b "Tried to hide", una canción que había sido compuesta por Erickson en su época con los Spades. La compulsiva vocalidad del cantante y la dinámica percusión obtenida del original sonido del jug de Hall se convertirían en las dos principales características de los temas de la banda, un recorrido por la devoción sensorial del LSD. Después de actuar con bastante seguimiento por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers (hermano del famoso cantante de country Kenny), quien les consiguió un contrato con el sello International Artists, en donde reeditaron el single, consiguiendo entrar en listas de ventas en el puesto número 55.
El Lp se tituló "The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia que contenía sensacionales temas como el citado sencillo, "Reverberation" (su segundo single), la balada "Splash 1", "Roller Coaster" o la soberbia "Fire Engine".
El consumo abusivo de drogas les llevo a ser arrestados y perseguidos en bastantes ocasiones y hartos de tanto acoso se largaron a San Francisco, en donde actuaron en varios clubes con bastante éxito.
1. You're Gonna Miss Me
2. Roller Coaster
3. Splash 1
4. Reverberation (Doubt)
5. Don't Fall Down
6. Fire Engine
7. Thru the Rhythm
8. You Don't Know (How Young You Are
9. Kingdom of Heaven
10. Monkey Island
11. Tried to Hide
12. Everybody Needs Somebody to Love
13. Before You Accuse Me
14. I'm Gonna Love You Too
15. You Really Got Me
16. Roll Over Beethoven"
17. The Word
18. Gloria
19. She Lives (In a Time of Her Own
20. We Sell Soul
21. You're Gonna Miss Me
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073. John Mayall’s Blues Breakers – With Eric Clapton (1966)
Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser.
John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”.
Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería.
Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido.
Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson.
Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar.
1. All Your Love
2. Hideaway
3. Little Girl
4. Another Man
5. Double Crossing Time
6. What'd I Say
7. Key To Love
8. Parchman Farm
9. Have You Heard
10. Ramblin' On My Mind
11. Steppin Out
12. It Ain't Right
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074. The Yardbirds – Roger The Engineer (1966)
Disco clave de los británicos Yardbirds que establecía un equilibrio entre su tradicional gusto por el blues y una búsqueda experimental sónica con querencia hacia la psicodelia, en especial por la presencia del espléndido guitarrista Jeff Beck, sustituto del fugado Eric Clapton.
Producido por el bajista Paul Samwell-Smith, "Roger The Engineer" (título concedido al disco con el paso de los años por el dibujo realizado por Chris Deja del ingeniero de sonido Roger Cameron) comienza su recorrido con "Lost Woman", un tema blues con una impresionante línea de bajo.
Más temas R&B incluidos en el LP son "The Nazz Are Blue" o "Rack My Mind", muy buenas piezas pero que pecan de casi plagiar sus modelos (escúchese la obra de Slim Harpo o Elmore James).
Lo mismo se puede decir de "Jeff's Boogie", tema muy influenciado por Chuck Berry, y de "What Do You Want", canción cuyo estribillo es idéntico al "Who Do You Love" de Bo Diddley.
La parte más experimental, pop y psicodélica, incluye temas tan interesantes como "Over, Under, Sideways, Down", rebotante corte en el cual Beck introduce un riff de corte oriental; "I Can't Make Your Way", tema pop con trazos folk y comentario social; la garajera "He's Always There", dominada por el sonido de la fuzz guitar; la sencillez pop que vuelve a aparecer en la exigua "Farewell", una bonita canción con destacable aportación vocal de la banda, hecho usual en los surcos de este trabajo y apreciable en la iterativa y notable "Ever Since The World Began", un tema en el cual critican la avaricia monetaria.
La gran joya del disco es "Turn Into Earth", una hipnótica pieza que mezcla el pop con los cantos gregorianos, logrando conformar un aborbente sonido.
El gran petardo del disco es "Hot House Of Omagarashid", un aburrido cántico mantra.
En los CDs con bonus tracks aparecen varias composiciones en las que coincidieron Jeff Beck y Jimmy Page, de las dos ("Psycho Daisies" es un tema correcto de base blues con Page al bajo) destaca "Happening Ten Years Ago", una pieza en la que se aprecian elementos rock, blues y psicodélicos que presagiaban los logros venideros de la Jimi Hendrix Experience.
1. Lost Woman
2. Over, Under, Sideways, Down
3. The Nazz Are Blue
4. I Can't Make Your Way - The Yardbirds, Dreja, Chris
5. Rack My Mind
6. Farewell - The Yardbirds, Relf, Keith
7. Hot House of Omagarashid
8. Jeff's Boogie
9. He's Always There - The Yardbirds, McCarty, Jim [UK]
10. Turn Into Earth
11. What Do You Want
12. Ever Since the World Began
13. Psycho Daisies
14. Happenings Ten Years Time Ago
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075. Nina Simone – Wild is the Wind (1966)
Nina era un género en sí misma. Se tiró a menudo, con el paracaídas dudoso de canciones muy poco distinguidas, sobre terreno pantanoso... y se la pegaba. Pero una y otra vez conseguía, la muy leona, ponerse de pie. Pero todo eso es posterior a estos años en los que abordaba, concienzuda pero delicada, unos clásicos casi siempre aquilatados a nuestra memoria por versiones que nos gustan mucho por la Simone, pero que gustan aún mucho más si los asumen Sinatra, Billie Holiday y hasta David Bowie ("Wild Is the Wind". ¿Una artista menor que su leyenda? Digamos sólo que una artista mal comprendida primero por los que la rechazaban, por ingobernable y rarefacta, y después por quienes, francamente exagerados, la colocaron a última hora entre los mitos sonoros imprescindibles del siglo pasado. Pero habrá que reconocer que, literalmente, su talento sí era fuera de serie, fuera de norma. Única, sí, divina, menos.
1.: I Love Your Lovin' Ways
2.: Four Women
3.: What More Can I Say
4.: Lilac Wine
5.: That's All I Ask
6.: Break Down And Let It All Out
7.: Why Keep On Breaking My Heart
8.: Wild Is The Wind
9.: Black Is The Colour Of My True Love's Hair
10.: If I Should Lose You
11.: Either Way I Lose
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Como su nombre tiene a bien indicar, este libro es excelente además de interesante como referencia musical. Editado por: Robert Dimery, con Prefacio de Michael Lydon, seleccionado y escrito por 90 críticos de corte internacional.
La lista se encuentra organizada de forma cronológica, abarcando producciones realizadas desde el año 1950 hasta el 2005, siendo este libro publicado en el 2006.
Nuestra intención al igual que la obra impresa, más que una lista de los mejores 1001 discos, es dar a conocer los álbumes y sus cantantes que, a juicio de los críticos expertos, representan de mejor forma la música de los 55 años que comprende.
Les dejo aquí la lista completa de los álbumes que conforman los 1001 con su respectiva portada, por si desean saber cuales son y en que momento aparecerán en este post.
La lista de los 1001 álbumes
Por mi parte continuo con este proyecto con el compromiso de colocar dichos álbumes, con su respectiva crítica, y así seguir hasta que la lista este completa, todos estos álbumes, como viene siendo costumbre, cuando el afán es compartir, serán alojados en Mediafire, sin limitaciones para descargar.
Seguimos con la lista... .
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051. Otis Redding – Otis Blue… Sings Soul (1965)
Cuando uno piensa en Otis Redding, este es el álbum de referencia, aparte de uno de los fundamentales del género soul en los sesenta. Aunque ocho de los temas sean versiones, Otis se las arregla para llevarlos a su terreno. Aquí se apoya en otro talento impar: nada menos que Booker T, el líder de los MG's. El disco es completísimo, sin desperdicio, y pudiera dividirse en tres categorías.
En primer lugar, las versiones que Redding hace del repertorio de su ídolo, Sam Cooke, primer artífice de la fusión entre gospel y pop. Su influencia en Otis y en todo el soul de los sesenta es innegable. Como el propio Redding, Cooke desapareció prematura e inesperadamente. En "Otis Blue", las recreaciones de "Shake", "Wonderful World" y "A Change Is Gonna Come" se caracterizan por la vocalización más gutural y el sonido más urgente que los originales. Un tributo maravilloso.
Otis Redding, the King Of Soul, uno de los mejores cantantes de Soul,una de las voces más completas. Su corta carrera musical ( a causa de un accidente aéreo con tan sólo 26 años )hizo que no conociera el verdadero éxito, hasta después de su muerte. En fin, un disco completo en todos los sentidos.
1. Ole Man Trouble
2. Respect
3. Change Is Gonna Come
4. Down In The Valley
5. I've Been Loving You Too Long
6. Shake
7. My Girl
8. Wonderful World
9. Rock Me Baby
10. Satisfaction ( I Can't Get No )
11. You Don't Miss Your Water
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052. The Beach Boys - Today! (1965)
'Today!' es el noveno álbum de estudio de los Beach Boys, y el primero de tres realizados en el año 1965. Aunque nadie comprendiera la importancia del álbum, "Today!" en aquellos días, dicho álbum ha marcado un punto decisivo y principal dentro del mundo de la musica, y en particular, del líder Brian Wilson. La Revista Rolling Stone lo colocó en el número 270 de su lista de «Los Mejores Discos» en 2003. Muchos consideran que "Today!" marca el principio de la maduración artística de Brian Wilson. El álbum es famoso por tener un lado de canciones optimistas y elsegundo lado de baladas melancólicas.
Muchos consideran "Today!" el más resuelto "y maduro" delos álbumes que se hicieron por el año 1965. "Today!" es el primer reflejo, resultado del cambio que sufrían los Beach Boys, no fue de gran repercusión comercial, pero dentro del contexto significa un puente evolutivo entre la primera etapa del grupo (la más pop) y su cumbre artística.
1.Do you wanna dance?
2.Good to my baby
3.Don't hurt my little sister
4.When I grow up (to be a man)
5.Help me, Ronda
6.Dance, dance, dance
7.Please let me wonder
8.I'm so young
9.Kiss me, baby
10.She knows me too well
11.In the back of my mind
12.Bull sessions with Big Daddy
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053. John Coltrane - A Love Supreme (1965)
Obra maestra de Coltrane, expresa algo así como un homenaje o regalo del artista a su inspirador. Al menos así queda plasmado en sus mismas palabras: "Como una humilde ofrenda a Él".
"A Love Supreme" no es un disco fácil de entender. Contiene demasiada moderanidad con sonidos improvisados y un manejo de estructuras que pueden hasta sonar irritantes o desagradables en una primera oída. Sin embargo, tras intentarlo y lograr avanzar es posible caer en la magia de su composición y ver la fluidez tanto de sus instrumentos, como de la música que genera.
A Love Supreme es la suite de jazz en cuatro partes que John Coltrane grabó en el curso de una noche con el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Sorprendió a Coltrane en un punto culminante de su trayectoria creativa: la cristalización de los últimos tres años como parte de aquel famoso cuarteto, antes de virar hacia la fase final y más discutida de su carrera.
Después de llegar a los comercios y a las ondas radiofónicas, en febrero de 1965, menos de dos meses después de su grabación, A Love Supreme se convirtió en un éxito de ventas en los círculos jazzísticos, y se escuchaba tanto en los dormitorios de los colleges como en los pisos de los guetos, en las esquinas de Harlem y de Haight-Ashbury: un disco unificador encumbrado gracias a la oportunidad del momento en que salió. «A Love Supreme llegó e influenció a toda la gente que estaba por la paz», recordaba Miles Davis. «Los hippies y la gente así.»
A mediados de los sesenta, A Love Supreme destilaba los temas de la década: el amor universal y la conciencia espiritual. «En los sesenta, estamos en la época de las religiones orientales, la nueva espiritualidad y el Hare Krishna, y ésa era la matriz de donde provenía Trane... y encajó perfectamente», señala el saxofonista Archie Shepp.
A Love Supreme nunca ha pasado de moda, y a través de los cambios, con el paso de las décadas, desde el optimismo de cielos azules hasta la dureza del hastío, la relevancia de la música y su mensaje han permanecido constantes. «Sé que hay mucha gente que ni tan sólo quiere escuchar música de cinco, cuatro años atrás», comenta Alice Coltrane. «Pero A Love Supreme tiene un espíritu de renovación propio... es intemporal, es eterna.»
Un disco recomendado, especialmente para aquellos que buscan saber la inspiración de la música maestra y sin letras
Part 1: "Acknowledgement"
Part 2: "Resolution"
Part 3: "Pursuance
Part 4: "Psalm"
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054. BB King - Live At The Regal (1965)
En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum "Live At The Regal" en el Teatro Regal en Chicago, Illinois, uno de los clásicos en vivo de todos los tiempos. En esta grabación, Lucille (su guitarra) toma el lado salvaje y suena de una manera soberbia ante una entusiasta audiencia negra. Es una delicia oír a B.B. King tocar en distintas afinaciones, recreando un sonido que nunca captura en el estudio. Sin duda un disco obligado para sus fans
Y aquí le tenemos, compartiendo su legendario repertorio con una audiéncia y causando estragos entre sus fans femeninas. Live at Regal es el cuarto album del rey del blues, y primer directo tras 5 años desde su anterior disco My Kind of Blues. En realidad sus tres discos anteriores no eran obras trabajadas en su totalidad de forma completa, sinó que eran recopilaciones de singles, algo que estaba a la orden del día en aquella época.
B. B. King es considerado como el mejor guitarrista de blues que ha tenido la historia de la música . Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.
01 - Every Day I Have the Blues
02 - Sweet Little Angel
03 - It's My Own Fault
04 - How Blue Can You Get?
05 - Please Love Me
06 - You Upset Me Baby
07 - Worry, Worry
08 - Woke Up This Morning (My Baby's Gone)
09 - You Done Lost Your Good Thing Now
10 - Help the Poor
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055. Beatles - Rubber Soul (1965)
El Rubber Soul apareció el 3 de diciembre de 1965. Fue grabado en sólo cuatro semanas para aprovechar el mercado navideño, pero a pesar de eso resultó un gran disco y alcanzó el éxito tanto de ventas como de críticas. El álbum fue producido para la EMI por George Martin (que también toca el teclado, por ejemplo el solo de piano de "In My Life"
.En este álbum se ve un gran paso adelante en el desarrollo artístico de los Beatles, ya que dejaron atrás su sonido original. Todas las canciones del álbum fueron escritas por miembros del grupo y se usaron nuevos instrumentos, como el sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" También se puede apreciar en él la influencia de otros artistas contemporáneos como Bob Dylan.
El equipo compositor que formaban John Lennon y Paul McCartney comenzó a explorar otros temas aparte del amor romántico. En particular, las relaciones entre los sexos pasaron de simples canciones de amor chico-chica a descripciones más datalladas e incluso negativas. "Norwegian Wood" representa un encuentro ambiguo entre el cantante y una chica. La chica de "You Won't See Me" es descrita como inmadura y obstinadamente se niega a escuchar al cantante. En "I'm Looking Through You", la chica no trata bien al cantante. "Girl" describe a alguien que "habla mal de ti delante de los amigos", y "Run For Your Life" presenta una vaga amenaza de muerte.
El álbum pasó 42 semanas en las listas británicas empezando el 11 de diciembre de 1965, y en Navidad superó a Help!, el anterior álbum de los Beatles, colocándose en el primer puesto, posición que mantendría ocho semanas. El álbum se convirtió en un clásico, el 9 de mayo de 1987 regresó a las listas durante 3 semanas, y diez años después hizo otra reentrada en las mismas.
En 1998 los lectores de la revista Q votaron a Rubber Soul como el 40º mejor álbum de todos los tiempos; in 2003 la cadena de TV VH1 lo colocó en el número 6. La revista Rolling Stone lo situó en el número 5.
01. "Drive My Car
02. Norwegian Wood (This Bird Has Flown)
03. You Won't See Me
04. Nowhere Man
05. Think For Yourself
06. The Word
07. Michelle
08. What Goes On
09. Girl
10. I'm Looking Through You
11. In My Life
12. Wait
13. If I Needed Someone
14. Run For Your Life
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056. Bert Jansch – Bert Jansch (1965)
Primer disco de uno de los guitarristas más influyentes de toda la historia. Grabado entre finales de 1964 y principios de 1965, aqui ya nos encontramos con algunas de las canciones que mejor representan el estilo de Bert como guitarrista, canciones como strolling down the highway o la preciosa the neddle of death hacen de este disco que sea indispensable para los amantes del folk o el blues.
Este escocés es un nombre mítico del folk británico que se lo toma con calma pero que de vez en cuando nos sorprende con especiales y agradables discos como este. Es también usual y lógico colocarle a la altura de Donovan o Nick Drake, pero las merecidas alabanzas también le llegan del rock. Jimmy Page le admira y el bueno de Neil Young afirmó debido a su destreza con la guitarra que era el equivalente con la acústica a Jimi Hendrix. Pero no sólo tiene admiradores coetáneos. También más jóvenes como Hope Sandoval, Bernard Butler (Suede) o Johnny Marr (The Smiths) le rinden pleitesía y han colaborado con él.
1. Strolling Down The Highway
2. Smokey River
3. Oh How Your Love Is Strong
4. I Have No Time
5. Finches
6. Rambling's Gonna Be The Death Of Me
7. Veronica
8. Needle Of Death
9. Do You Hear Me Now
10. Alice's Wonderland
11. Running From Home
12. Courting Blues
13. Casbah
14. Dreams Of Love
15. Angie
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057. The Byrds - Mr Tambourine Man (1965)
Mr. Tambourine Man. 1965 (Columbia / Sony 1996). El primer LP oficial de Los Byrds, publicado por Columbia durante el verano de 1965 y grabado en abril de aquel mismo año, con Terry Melcher como productor. Un clásico. El sonido que el grupo desarrolló a lo largo de 1964 alcanza aquí su culminación y se convierte en punto de partida para el trabajo posterior de Los Byrds. Las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, el folk y la influencia de Los Beatles crearon, en manos de Los Byrds, un sonido radicalmente nuevo que fue muy imitado en 1965 y 1966.
Este primer LP retoma buena parte de las canciones ensayadas en los World Pacific Studios ('Mr. Tambourine Man', 'It's No Use', 'Here Without You', 'You Won't Have To Cry') y añade nuevo material de Gene Clark ('Feel A Whole Lot Better') y nuevas versiones ('Chimes Of Freedom, 'We'll Meet Again'...) La concepción y el mismo diseño de la portada eran muy avanzados para su época: se utilizó una fotografía de Los Byrds hecha con un objetivo de 'ojo de pez' que alargaba y distorsionaba las figuras de los miembros del grupo. Como muchos otros aspectos de este LP, éste también fue copiado posteriormente por otras bandas tan prominentes como Beatles y Stones.
1. Mr. Tambourine Man
2. I'll Feel A Whole Lot Better
3. Spanish Harlem Incident
4. You Won't Have To Cry
5. Here Without You
6. The Bells Of Rhymney
7. All I Really Want To Do
8. I Knew I'd Want You
9. It's No Use
10. Don't Doubt Yourself, Babe
11. Chimes Of Freedom
12. We'll Meet Again
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058. Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)
Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965.
Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comúnmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos.
Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".
Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. 4 Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
1. Like A Rolling Stone
2. Tombstone Blues
3. It Takes A Lot To laugh, It Takes A Train To Cry
4. From A Buick 6
5. Ballad Of A Thin Man
6. Queen Jane Approximately
7. Highway 61 Revisited
8. Just Like Tom Thumb's Blues
9. Desolation Row
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059. The Who - Sings My Generation (1965)
My Generation es el álbum de debut de la banda británica de rock The Who, grabado y publicado 1965. En Estados Unidos, el álbum fue titulado The Who Sings My Generation, con una portada y una lista de canciones distintas. Fue considerado por muchos críticos como uno de los mejores álbumes de la historia del rock en diversas listas.
El álbum fue realizado de forma inmediata tras el éxito de los primeros singles del grupo. Según las notas incluidas en la edición deluxe del álbum, The Who Sings My Generation fue denominado posteriormente por los componentes del grupo como un trabajo rudo que no representaba sus interpretaciones de la época. En 2006, My Generation era incluido en el puesto 49 de la lista de los 100 mejores álbumes británicos, elaborada por NME. La canción que da título al álbum fue inducida en el Grammy Hall of Fame en 1999 y supone una de las canciones más conocidas del grupo, así como un himno de la historia del rock'n'roll. En The Who Sings My Generation los Who fueron pioneros del uso de tanta distorsión en el sonido. Tanto fue así que el sello americano encargado de la distribución exigió otra copia de la cinta porque no sabían que la distorsión se había puesto a propósito. El rythm & blues predomina en la música del disco, que tiene también canciones muy pop. El soul aparece en las versiones I Don't Mind y Please Please Please, que palidecen al compararse a las diez canciones de Pete Townshend. La más clásica, por supuesto, la ya comentada My Generation, auténticamente bestial, con sus solos de bajo tan atípicos en 1965. Pero hay bastante más: La beateliana The Kids Are Alright; canciones pop con fabulosos estribillos como La La La Lies o Out In The Street; las más animadas It's Not True, Instant Party (Circles) y sobre todo A Legal Matter; canciones con el sello propio de los Who como Much Too Much o la misteriosa The Good's Gone; y el extraño instrumental The Ox, con un Keith Moon brutal... y bruto (The Ox era el apodo de John Entwistle). Todas las canciones demuestran la grandeza como compositor de Pete Townshend, canción por canción este disco es extraordinario; el genio de Pete continuaría con sus posteriores obras.
1. "Out in the Street"
2. "I Don't Mind" (Brown)
3. "The Good's Gone"
4. "La-La-La Lies"
5. "Much Too Much"
6. "My Generation"
7. "The Kids Are Alright"
8. "Please, Please, Please" (Brown/Terry)
9. "It's Not True"
10. "The Ox" (Townshend/Moon/Entwistle/Hopkins)
11. "A Legal Matter"
12. "Instant Party"
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060. Beatles - Revolver (1966)
Revolver es el séptimo álbum de The Beatles, fue lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores. Éste logró ser número uno en la lista de éxitos de Gran Bretaña y de Estados Unidos.
Revolver fue el disco que marcó la carrera de los fab four como psicodélica. Con grandes contrastes como "Taxman" (rock), "Tomorrow never knows" (psicodélica), "Eleanor Rigby" (con un cuarteto de cuerdas) y "Yellow submarine" (con efectos de sonido de submarino y canción de taberna, propia de las tradiciones germanas, inglesas o irlandesas).
Revolver frecuentemente es citado como uno de los mejores álbumes. En 1997 fue selecionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una encuesta de 'Music of the Millennium' dirigida por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar, mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el puesto número uno. Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums. Una crítica de PopMatters describió al álbum como "Los miembros individuales de la banda más grande de la historia de la música pop alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto", mientras que la revista Ink Blot dijo que el álbum "Se mantiene en la cumbre de la música pop occidental". El famoso Ozzy Osbourne, en sus entrevistas, siempre dice que Revolver es su álbum británico preferido.
1. Taxman,
2. Eleanor Rigby
3. I'm Only Sleeping
4. Love You To,
5. Here, There, and Everywhere
6. Yellow Submarine
7. She Said She Said
8. Good Day Sunshine
9. And Your Bird Can Sing
10. For No One
11. Doctor Robert
12. I Want to Tell You
13. Got to Get You Into My Life
14. Tomorrow Never Knows
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061. The Beach Boys - Pet Sounds (1966)
Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio del grupo estadounidense de música pop The Beach Boys, que fue compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson, junto al músico y publicista Tony Asher y lanzado el 16 de mayo de 1966. Este destacaba por su carácter introspectivo, volcado por las experiencias personales del mismo Wilson, que difería mucho de sus producciones anteriores que eran muy melódicas y que contaba con armonías vocales, que se convirtió en el sello del grupo. Esto probablemente, por la influencia que el disco Rubber Soul y Revolver de The Beatles causó en Wilson, quien obsesivamente buscaba el sonido perfecto en sus nuevas producciones. El disco de los fab four de Liverpool, era el paso lógico que la música de mediados de los setenta tenía que dar en busca del sonido progresivo. Brian wilson entendió que su próximo disco, debía superar lo hecho por los jovenes Ingleses.
Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de The Beatles.
Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse para algunos en uno de los álbumes más influyentes.
El álbum fue grabado en sonido monoaural, como todos los discos de los Beach Boys, debido a la sordera de un oído de Brian Wilson, resultado de un accidente de infancia. Varias veces se ha intentado reeditar Pet Sounds en estéreo, pero los fans han opuesto resistencia. En ediciones posteriores en disco compacto se incluye una versión de I Know There's An Answer con diferente letra (y bajo el título de Hang On To Your Ego), ensayos y tomas alternas.
1. Wouldn't It Be Nice
2. You Still Believe In Me
3. That's Not Me
4. Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)
5. I'm Waiting For The Day
6. Let's Go Away For A While
7. Sloop John B
8. God Only Knows
9. I Know There's An Answer
10. Here Today
11. I Just Wasn't Made For These Times
12. Pet Sounds
13. Caroline No
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062 - Fred Neil - Fred Neil (1966)
Pionero de los folkies en Greenwich village en New York, de hecho cuando Dylan llegó, Fred ya se había pateado todos los garitos. Nunca consiguió el reconocimiento que se merecia, de hecho su canción mas conocida llegó a lo mas alto a través de una versión de un tema suyo a cargo de Harry Nilsson (muy buena todo hay que decirlo) el everybody´s talkin´. Había comenzado a finales de los 50, y este sería su segundo y mejor disco. paradigma del sonido songwriter, con una produccion made in Nick Venett, preñado de buenisimas canciones: the dolphins (si es de el, no de Tim Buckley), that´s the bag i´m in, o I´ve got a secret. Este disco se volvió a reeditar en 1969 con el nombre de Everybody´s Talkin´debido al exito de la cancion en la voz de Nilsson, pero tampoco sirvió para relanzar su carrera, lo cual tampoco le importaba mucho a Fred Neil, siempre un poco al margen de la industria. Grabaría un disco más, el arriesgado Sessions, antes de darse el piro para su Florida natal a contemplar a los delfines. Super influyente artista por ejemplo en gente como el propio Tim Buckley
1. The Dolphins
2. I've Got A Secret (Didn't We Shake Sugaree)
3. That's The Bag I'm In
4. Dadi-Da
5. Faretheewell (Fred's Tune)
6. Everybody's Talkin'
7. Everything Happens
8. Sweet Cocaine
9. Green Rocky Road
10. Cynicrustpetefredjohn Raga
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063. The Byrds-Fifth Dimension (1966)
Tras dos discos donde dejaron escritas las tablas de la ley de como mezclar folk con rock logrando como resultado un nuevo género que es mucho más que la suma de estos dos elementos, llega el disco del cambio. El álbum de mayor carga lisérgica de los Byrds. Gene Clark acababa de abandonar la formación alegando miedo a coger aviones, pero antes de su marcha dejó registrada "Eigh miles high", una de las mejores canciones del grupo y uno de los singles más relevantes de los años 60 y de la historia de la música por ser un claro precursor del movimiento psicodélico.
Buena parte de culpa de esa anticipada sonoridad psicodélica la tenía Roger McGuinn y la innovadora e influyente utilización de su Rickenbacker de 12 cuerdas, palpable en joyas como la citada "Eight miles high", "I see you" (escrita a medias por McGuinn y Crosby) y "What's happening?!?!", la primera composicion en solitario de David Crosby para los Byrds.
El propio McGuinn, responsable en este disco tras la marcha de Gene Clark del peso compositivo, firma otras destacables piezas como la homónima del álbum donde Van Dyke Parks (asimismo colaborador de los Beach Boys) aporta sus teclados, la más comercial y asequible space-country "Mr. Spaceman" y "2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)", un curioso tema final en el que introducen juguetones efectos sonoros.
Para completar el trabajo adaptan con maestría dos canciones de folk tradicional enaltecidas por arreglos de cuerda en las que sacan a relucir su dominio en las armonías vocales, "Wild Mountain Thyme" y la excepcional historia de fidelidad amorosa narrada en "John Riley".
"Fifth Dimension" también contiene la escalofriante "I come and stand at every door", un poema de Nazim Hikmet musicado tiempo atrás por Pete Seeger y que cuenta la triste historia de un niño víctima de la bomba de Hiroshima.
El instrumental "Captain Soul" y la versión de "Hey Joe", popular tema escrito por Billy Roberts, son los puntos débiles de una de las grabaciones más arriesgadas e importantes de los Byrds, que desarrollan psicodelia de alto nivel y atisbos de space-rock en un disco realmente valioso, como casi todo lo realizado por este esencial conjunto californiano.
1. 5D (Fifth Dimension)
2. Wild Mountain Thyme
3. Mr. Spaceman
4. I See You
5. What's Happening?!?!
6. I Come and Stand at Every Door
7. Eight Miles High
8. Hey Joe
9. Captain Soul
10. John Riley
11. 2-4-2 Fox Trot (The Lear Jet Song)
12. Why? [Single Version]
13. I Know My Rider (I Know You Rider)
14. Psychodrama City
15. Eight Miles High [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
16. Why [Alternate RCA Studios Version][Alternate Take]
17. John Riley [Version 1][Instrumental]
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064. Bob Dylan - Blonde On Blonde (1966)
Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1966.
Es considerado el primer álbum doble de la historia del Rock, ya que su duración forzó a editarlo en dos LPs, aunque las reediciones digitales permiten incluir todo el álbum en un único disco compacto. Es notable por introducir la marca dylaniana de blues rock, completamente establecida en su álbum anterior, Highway 61 Revisited, con un sonido más ecléctico e incluso letras más surrealistas. A pesar de su naturaleza inflexible, es considerado uno de los mejores discos de Dylan y uno de los mejores álbumes de la historia del Rock.
Blonde on Blonde supondría el final de una era para Dylan, quien sufriría al poco tiempo un accidente de moto que cambiaría sustancialmente su vida personal y artística.
Grabado en Nashville, Tennessee, el álbum fue producido por Bob Johnston. Alcanzó el puesto #9 en las listas de Billboard y el #3 en el Reino Unido, siendo certificado como doble disco de platino. En las listas de los mejores álbumes de la historia, elaboradas por VH1 y Rolling Stone, figura en el puesto nueve.
1. Rainy Day Women #12 & 35
2. Pledging My Time
3. Visions of Johanna
4. One of Us Must Know (Sooner or Later)
5. I Want You
6. Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again
7. Leopard-Skin Pill-Box Hat
8. Just Like a Woman
9. Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine
10. Temporary Like Achilles
11. Absolutely Sweet Marie
12. 4th Time Around
13. Obviously 5 Believers
14. Sad Eyed Lady of the Lowlands
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065. Monks - Black Monk time (1966)
Año 1965, cinco soldados estadounidenses se cansan de repente de servir a su ejército y deciden permanecer en la entonces República Federal de Alemania, en plena guerra fría y hartados de la vida que estaban llevando. Deciden formar una banda. Tendría un banjo como instrumento. Se raparían sus cabezas al medio, como si de monjes se tratara, porque también estarían así ataviados, con vestimenta clerical y cuerdas franciscanas. Eso sí, la música que destilaría su furia generacional poco tendría que ver con la religión. Más bien todo lo contrario: grabarían uno de los primeros discos de punk, incluso antes de que se tenga alguna noción de dicha palabra.
The Monks son una de esas casualidades del destino, verdaderas anomalías de la cultura rock. ¿Cómo se puede explicar entonces que cinco ex soldados yankees terminen formando uno de los grupos más de avanzada que hayan pisado nuestro planeta y a miles de kilómetros de su propio hogar? Tal vez en esa amalgama de factores esté la respuesta. Lo cierto es que estos hombres que declaraban ser los «Anti Beatles» llevaron velocidad, vértigo, energía y mucho más a la todavía algo alertagada música europea circa 1966.
«Black monk time» no solamente es uno de los grandes discos del garage rock, sino incluso de todos los años 60s. Por su capacidad visionaria, sus ritmos monótonos, hipnóticos, repetitivos, pero también salvajes y dotados de una crudeza totalmente proto punk; por su histrionismo, condición freak y su irreverencia; por no temer a hacer música de avanzada en condiciones desfavorables; por estar «five years ahead of my time», como decían los Third Bardo, en palabras que les corresponderían en realidad a estos monjes.
Obviamente, pasaron sin pena ni gloria por aquellos años del rock alemán y anglosajón en general. Pero, de seguro, a aquellos jóvenes que los vieron por televisión en algunas de sus apariciones en el Beat Club algún ruido les hizo en la cabeza el hecho de ver a cinco pseudomonjes generando el mismísimo caos en uno de los típicos programas televisivos para bandas de rock que había por aquel entonces. Luego llegó algo llamado krautrock y, aunque las diferencias sean notorias, algo de aquel viejo espíritu de The Monks apareció de una forma u otra. También se encargaron de dejar su legado: un puñado de demos, rarezas y materia de collectors, un disco indestructible («Black monk time», 1966), una película en su honor y una vasta influencia que fue recogida por varias generaciones. Casi nada.
1. Monk Time
2. Shut Up
3. Boys Are Boys and Girls Are Choice
4. Higgle-Dy-Piggle-Dy
5. I Hate You
6. Oh, How to Do Now
7. Complication
8. We Do Wie Du
9. Drunken Maria
10. Love Came Tumblin' Down
11. Blast Off!
12. That's My Girl
13. I Can't Get Over You
14. Cuckoo
15. Love Can Tame the Wild
16. He Went Down to the Sea
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066. The Kinks-Face To Face (1966)
Cuasi impoluta grabación del mordaz cronista británico Ray Davies, que sirve para consolidar a su incomparable autor como uno de los más grandes letristas y genios musicales de la historia pop.
Entre sus muchas virtudes se encuentra la capacidad de adornar sus perspicaces y corrosivos textos con una hiperpegadiza y exquisita línea melódica, interpretada por la cruda factura vocal de su hermano Dave en "Party line", desarrollar una acompasada pieza de aire R&B de nuevo con Dave en la voz solista en "You're looking fine", ofertar lustrosos regalos sónicos engalanados por la siempre agradable presencia de un hapsicordio en "Rosy, won't you please come home", tema dedicado a su hermana, u ofrecer un sincero tributo con "Session Man" al recurrido pianista Nicky Hopkins, presente también los créditos del álbum.
Atmosféricos temas como "Rainy day in June" y "Fancy", canción de notorios efluvios orientales y otra serie de títulos totalmente imprescindibles, empapados del típico sonido y causticidad social de los Kinks, como "Dandy" (versionada con posterioridad por los Herman's Hermits), "House in the country", "Most exclusive residence for sale", "Little miss queen of darkness", el número 1 en listas británicas "Sunny Afternoon" o la nostálgica "I'll remember", hacen de "Face to face" un trabajo clave en la trayectoria y evolución del grupo de los hermanos Davies.
1. Party Line
2. Rosie Won't You Please Come Home
3. Dandy
4. Too Much on My Mind
5. Session Man
6. Rainy Day in June
7. House in the Country
8. Holiday in Waikiki
9. Most Exclusive Residence for Sale
10. Fancy
11. Little Miss Queen of Darkness
12. You're Lookin' Fine
13. Sunny Afternoon
14. I'll Remember
15. I'm Not Like Everybody Else
16. Dead End Street
17. Big Black Smoke
18. Mister Pleasant
19. This Is Where I Belong
20. Mr. Reporter
21. Little Women
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067. The Mamas & the Papas - If You Can Believe Your Eyes And Ears (1966)
Debut de una de las grandes bandas del sonido de la Costa Oeste estadounidense (aunque ellos se formaron en la otra costa), magníficos en su habilidad vocal, elegantes en la ejecución instrumental y brillantes en la creación gracias al talento compositivo de John Phillips.
Pop vocal en tiempos de amor libre y flores en el pelo con ensoñadoras combinaciones de voces (a las que a veces se suman Hal Blaine, Joe Osborne y Larry Knetchell) y sublimes melodías ejemplificadas en sus impresionante clásicos "California Dreamin'", "Monday monday" y "Go where you wanna go", todas ellas escritas por John y producidas de forma magistral por Lou Adler.
Junto a ellas, delicias indispensables del grupo menos conocidas pero de igual valía como "Got a feeling", "Straight Shooter", "Hey girl" o "Somebody Groovie", ornamentadas por sus sugestivas armonías.
Entre las versiones destacan "I call your name", cantada en plan vodevilesco, muy distinta a la de los Beatles y dulces revisitaciones de temas como "Do you wanna dance" de Bobby Freeman o "Spanish Harlem" de Ben E. King, a los que llevan hacia su terreno de pop refulgente.
1. Monday, Monday
2. Straight Shooter
3. Got A Feelin'
4. I Call Your Name
5. Do You Wanna Dance
6. Go Where You Wanna Go
7. California Dreamin'
8. Spanish Harlem
9. Somebody Groovy
10. Hey Girl
11. You Baby
12. The In Crowd
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068. Paul Revere And The Raiders - Midnight Ride (1966)
The Raiders lo formó Paul Revere en 1958. Uno de los grupos de pop-rock y garaje americano más importantes de los 60. Fueron los primeros en firmar con Columbia Records, el disco recogío sus primeros éxitos en listas estadounidenses, interpretados de forma vibrante por el grupo liderado por el vocalista Mark Lindsay, el teclista Paul Revere y el productor Terry Melcher (hijo de la famosa Doris Day), co-autor de muchos de sus temas originales y arquitecto principal de su sonido.
1. Kicks
2. There's Always Tomorrow
3. Little Girl In The 4th Row
4. Ballad Of A Useless Man
5. I'm Not Your Stepping Stone
6. There She Goes
7. All I Really Need Is You
8. Get It On
9. Louie Go Home
10. Take A Look At Yourself
11. Melody For An Unknown Girl
12. Shake It Up
13. Little Girl In The 4th Row (Italian Version)
14. SS 396
15. Corvair Baby
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069. Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out (1966)
O lo que es lo mismo, Frank Zappa, el trovador lunático más trastornado del rock, el heredero inevitable del exceso californiano, inspirador, años después, de iluminados psicodélicos (Syd Barrett, Paul Kantner…)
Disco perfecto para acompañarnos éstas navidades, llenando los ambientes familiares, villancicos para la ocasión (los chillidos de Kim Fowley en “Help, I’m a Rock” son muy propicios), el regalo perfecto para aquellos que aseguran “a mí megusta mucho la música…”
Teniendo un amplio abanico entre todo el repertorio de FZ, he elegido éste porque, sencillamente fue el primero, para él y para mi, el inicio de nuestra estrecha relación, y duradera, y fiel. Posiblemente escuche más “Absolutely Free”, “Hot Rats” o “Apostrophe’” o Incluso “Over-Nite Sensation”, “Roxy & Elsewhere” Y “Sheik Yerbouti” (y hasta puede que sean mejores, en valoraciones a su descomunal obra, no me meto, para éso están los pretenciosos llamados músicos), qué decir de “THE GRAND WAZOO”, en fin, y los que quedan por nombrar.
Inabarcable, increíble, excesivo y cínico, Mr. Zappa y sus madres de la invención (en éste disco Ray Collins, Jim Black, Roy Estrada y Elliott Ingber; cambiarán frecuentemente…) nos llevan por un viaje inolvidable.
1. Hungry Freaks, Daddy
2. I Ain't Got No Heart
3. Who Are the Brain Police?
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder
5. Motherly Love
6. How Could I Be Such a Fool
7. Wowie Zowie
8. You Didn't Try to Call Me
9. Any Way the Wind Blows
10. I'm Not Satisfied
11. You're Probably Wondering Why I'm Here
12. Trouble Every Day
13. Help, I'm a Rock
14. It Can't Happen Here
15. Return of the Son of the Monster Magnet
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070. The Rolling Stones-Aftermath (1966)
Uno de los mejores y más compactos trabajos de los Rolling Stones. "Aftermath" es además el primer álbum escrito enteramente por el tándem Jagger/Richards (aunque ciertamente lo que hacían era ofrecer la base de los temas y el grupo en conjunto modelaba definitivamente la pieza), lo que denota el gran progreso del dúo en este campo, respaldados por la tremenda efectividad en la sección rítmica del bajista Bill Wyman y del gran batería Charlie Watts y sobre todo por un pletórico Brian Jones que con su innato talento instrumental enriquece y engrandece aún más las composiciones de Mick y Keith.
Jones se luce a lo largo de todo el álbum, ya sea interpretando un dulcimer en la preciosa balada "Lady Jane", unas marimbas en "Under my thumb" y en la formidable "Out of time", un sitar en "Mother's little helper" (espléndido tema que trata de cómo una apenada madre encuentra consuelo en las anfetaminas), una slide guitar en "Doncha bother me" y un fuzz bass en "Flight 505" (con una elegante introducción de piano) y en "Think".
Otros importantes instantes de enorme inspiración son "It's not easy", "I am waiting", "High and dry" (con ascendencias country) o "Take it or leave it" (pieza que pone de manifiesto su vena más pop), cortes maestros para un disco sin fisuras y absolutamente redondo en el que participó el ubicuo Jack Nitzsche.
01. Paint It Black
02. Stupid Girl
03. Lady Jane
04. Under My Thumb
05. Doncha Bother Me
06. Think
07. Flight 505
08. High and Dry
09. It's Not Easy
10. I Am Waiting
11. Going Home
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071. Simon & Garfunkel – Parsley, Sage, Rosemary & Thyme (1966)
Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, como fue la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y político, fruto, entre otros muchos factores, de la madurez aportada al rock y el pop por los músicos procedentes del folk, avezados poetas de cariz social.
Este es un álbum con sonoridades acústicas folk-pop, acariciadas por clavicordios en alegóricas historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial en cálidas tonalidades, refugio interno en el hogar conocido, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, deliciosos y delicados cánticos de apariencia optimista, simpáticos ejercicios dylanianos, entonaciones líricas con comentario social, rememoraciones para la gran poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles.
El disco, producido por el gran Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, siempre a la sombra compositiva del maestro Paul Simon, quien nos regala joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound"
, como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico.1. Scarborough fair - canticle
2. Patterns
3. Cloudy
4. Homeward bound
5. The big bright green pleasure machine
6. The 59th street bridge song (feeling groovy)
7. The dangling conversation
8. Flowers never bend with the rainfall
9. A simple desultory philippic
10. For Emily, whenever I may find her
11. A poem on the underground wall
12. 7 o'clock news - Silent night
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072. 13th Floor Elevators – Psychedelic Sounds of the13th Floor Elevators (1966)
13th Floor Elevators fue una banda psicodélica de mediados de los años 60, formada en diciembre de 1965 en Austin, Texas, Estados Unidos. Son reconocidos como la primera banda en emplear el término psicodelia en un álbum. Cuando se acrisolan las vibraciones y ritmos garajeros con el consumo intensivo de ácido, el mundo sonoro de inclinación stoniana, propagado por experiencias lisérgicas, se convierte en un excitante paisaje policromo de instrumentación narcotizada y efusividad vocal: la psicodelia de los 13th Floor Elevators. Uno de los primeros grupos en transferir los efectos de las drogas en sus composiciones musicales fue esta banda de Texas, creada en 1965 en Austin, la capital del estado.
A comienzos del año 66 y en un sello local grabaron el sencillo "You're gonna miss me" (cara b "Tried to hide"
, una canción que había sido compuesta por Erickson en su época con los Spades. La compulsiva vocalidad del cantante y la dinámica percusión obtenida del original sonido del jug de Hall se convertirían en las dos principales características de los temas de la banda, un recorrido por la devoción sensorial del LSD. Después de actuar con bastante seguimiento por el estado de Texas fueron descubiertos por Lelan Rogers (hermano del famoso cantante de country Kenny), quien les consiguió un contrato con el sello International Artists, en donde reeditaron el single, consiguiendo entrar en listas de ventas en el puesto número 55.El Lp se tituló "The Psychedelic Sounds of The 13th Floor Elevators”, todo un disco clave en la historia de la psicodelia que contenía sensacionales temas como el citado sencillo, "Reverberation" (su segundo single), la balada "Splash 1", "Roller Coaster" o la soberbia "Fire Engine".
El consumo abusivo de drogas les llevo a ser arrestados y perseguidos en bastantes ocasiones y hartos de tanto acoso se largaron a San Francisco, en donde actuaron en varios clubes con bastante éxito.
1. You're Gonna Miss Me
2. Roller Coaster
3. Splash 1
4. Reverberation (Doubt)
5. Don't Fall Down
6. Fire Engine
7. Thru the Rhythm
8. You Don't Know (How Young You Are
9. Kingdom of Heaven
10. Monkey Island
11. Tried to Hide
12. Everybody Needs Somebody to Love
13. Before You Accuse Me
14. I'm Gonna Love You Too
15. You Really Got Me
16. Roll Over Beethoven"
17. The Word
18. Gloria
19. She Lives (In a Time of Her Own
20. We Sell Soul
21. You're Gonna Miss Me
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073. John Mayall’s Blues Breakers – With Eric Clapton (1966)
Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser.
John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”.
Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería.
Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido.
Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson.
Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar.
1. All Your Love
2. Hideaway
3. Little Girl
4. Another Man
5. Double Crossing Time
6. What'd I Say
7. Key To Love
8. Parchman Farm
9. Have You Heard
10. Ramblin' On My Mind
11. Steppin Out
12. It Ain't Right
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074. The Yardbirds – Roger The Engineer (1966)
Disco clave de los británicos Yardbirds que establecía un equilibrio entre su tradicional gusto por el blues y una búsqueda experimental sónica con querencia hacia la psicodelia, en especial por la presencia del espléndido guitarrista Jeff Beck, sustituto del fugado Eric Clapton.
Producido por el bajista Paul Samwell-Smith, "Roger The Engineer" (título concedido al disco con el paso de los años por el dibujo realizado por Chris Deja del ingeniero de sonido Roger Cameron) comienza su recorrido con "Lost Woman", un tema blues con una impresionante línea de bajo.
Más temas R&B incluidos en el LP son "The Nazz Are Blue" o "Rack My Mind", muy buenas piezas pero que pecan de casi plagiar sus modelos (escúchese la obra de Slim Harpo o Elmore James).
Lo mismo se puede decir de "Jeff's Boogie", tema muy influenciado por Chuck Berry, y de "What Do You Want", canción cuyo estribillo es idéntico al "Who Do You Love" de Bo Diddley.
La parte más experimental, pop y psicodélica, incluye temas tan interesantes como "Over, Under, Sideways, Down", rebotante corte en el cual Beck introduce un riff de corte oriental; "I Can't Make Your Way", tema pop con trazos folk y comentario social; la garajera "He's Always There", dominada por el sonido de la fuzz guitar; la sencillez pop que vuelve a aparecer en la exigua "Farewell", una bonita canción con destacable aportación vocal de la banda, hecho usual en los surcos de este trabajo y apreciable en la iterativa y notable "Ever Since The World Began", un tema en el cual critican la avaricia monetaria.
La gran joya del disco es "Turn Into Earth", una hipnótica pieza que mezcla el pop con los cantos gregorianos, logrando conformar un aborbente sonido.
El gran petardo del disco es "Hot House Of Omagarashid", un aburrido cántico mantra.
En los CDs con bonus tracks aparecen varias composiciones en las que coincidieron Jeff Beck y Jimmy Page, de las dos ("Psycho Daisies" es un tema correcto de base blues con Page al bajo) destaca "Happening Ten Years Ago", una pieza en la que se aprecian elementos rock, blues y psicodélicos que presagiaban los logros venideros de la Jimi Hendrix Experience.
1. Lost Woman
2. Over, Under, Sideways, Down
3. The Nazz Are Blue
4. I Can't Make Your Way - The Yardbirds, Dreja, Chris
5. Rack My Mind
6. Farewell - The Yardbirds, Relf, Keith
7. Hot House of Omagarashid
8. Jeff's Boogie
9. He's Always There - The Yardbirds, McCarty, Jim [UK]
10. Turn Into Earth
11. What Do You Want
12. Ever Since the World Began
13. Psycho Daisies
14. Happenings Ten Years Time Ago
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075. Nina Simone – Wild is the Wind (1966)
Nina era un género en sí misma. Se tiró a menudo, con el paracaídas dudoso de canciones muy poco distinguidas, sobre terreno pantanoso... y se la pegaba. Pero una y otra vez conseguía, la muy leona, ponerse de pie. Pero todo eso es posterior a estos años en los que abordaba, concienzuda pero delicada, unos clásicos casi siempre aquilatados a nuestra memoria por versiones que nos gustan mucho por la Simone, pero que gustan aún mucho más si los asumen Sinatra, Billie Holiday y hasta David Bowie ("Wild Is the Wind"
. ¿Una artista menor que su leyenda? Digamos sólo que una artista mal comprendida primero por los que la rechazaban, por ingobernable y rarefacta, y después por quienes, francamente exagerados, la colocaron a última hora entre los mitos sonoros imprescindibles del siglo pasado. Pero habrá que reconocer que, literalmente, su talento sí era fuera de serie, fuera de norma. Única, sí, divina, menos.1.: I Love Your Lovin' Ways
2.: Four Women
3.: What More Can I Say
4.: Lilac Wine
5.: That's All I Ask
6.: Break Down And Let It All Out
7.: Why Keep On Breaking My Heart
8.: Wild Is The Wind
9.: Black Is The Colour Of My True Love's Hair
10.: If I Should Lose You
11.: Either Way I Lose
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