401. Elvis Costello – This Year’s Model (1978)
En el comienzo de su carrera, allá en 1977, con el lp "My aim is true," y sobre todo con este "This year's model", fue donde Elvis Costello renació con el rock. El punk estaba llenando de escupitajos las calles de Londres, y un jovenzuelo con gafas de pasta y traje, vino a dar un golpe de timón, a hacer de la new wave un género vigoroso.
Con sólo escuchar "No action" y "This year's girl", con una potente sección rítmica, pop-rock armado de melodías contagiosas, verás que no me equivoco.O ese pedazo de cañón que es "Pump it up", con el órgano omnipotente de Steve Nieve, y con los Attractions formando un verdadero reguero de fogosidad.
Eran otros tiempos. Y las huellas del punk se encontraban en todas las partes. Aquí hay urgencia, velocidad, pero traducida en canciones de pop duro y en letras que hablan del fracaso emocional, del deterioro de las relaciones. Y como era una época donde nadie se cortaba, Costello también podía invadirse de soul en "Little triggers", acercarse al sound mod, en "You belong to me", y construir bases de medio regaee blanco, en "Hand un hand".
El caso es dar que hablar, contagiar al personal de frenéticos sonidos que escuchándolos hoy nos ponen en antecedentes de lo que fueron unos años, los últimos setenta, donde tanta energía a raudales hizo que nacieran discos que jamás pasarán de moda.
Un espléndido disco de pop con alma soul. Intenso, vibrante, acelerado, impetuoso, tierno, desgarrado, y con toda la magia de la que era capaz en aquellos días, el imprescindible Elvis Costello en compañía de sus fantásticos Attractions.
1.No Action
2.This Year's Girl
3.The Beat
4.Pump It Up
5.Little Triggers
6.You Belong to Me
7.Hand in Hand
8.(I Don't Want to Go to) Chelsea
9.Lip Service
10.Living in Paradise
11.Lipstick Vogue
12.Night Rally
13.Radio, Radio
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402. Jam – All Mod Cons (1978)
Probablemente el mejor trabajo del grupo The Jam, principales figuras del revival mod británico de la última mitad de los 70. Paul Weller, el alma mater de la banda y con tan sólo veinte años alcanza una increíble madurez como escritor de canciones, hecho atestiguado por unos textos que tanto hablan de relaciones sentimentales como diatriban con agudeza contra el sistema de clases o la violencia urbana.
Brillante lírica desarrollada en fenomenales temas que proponen candor acústico con "English rose" y "Fly", o cadencia arrolladora en "Billy Hunt" y "The place I love", enaltecida por el vertiginoso ritmo marcado por la batería de Rick Buckler y sobre todo por Bruce Foxton, un bajista tan excepcional que cubría con creces la labor de un segundo guitarrista.
El pop de perfecta y potente construcción lo encontramos en las fantásticas "To be someone", "Mr. Clean", "In the crowd" (tema de cierto sabor psicodélico en su parte final) y la deliciosa "It's too bad".
Pagan tributo a The Kinks revisando su "David Watts" y culminan el disco con "Down at the tube station at midnight", un soberbio punto y final para uno de los mejores discos de una de las grandes formaciones en la historia de la música británica. Un clásico, un gran trabajo, que alegra el día y sube el nivel del pop. Juan Vitoria lo incluye en 1998 en su libro Los 100 mejores discos del Rock.
1.All Mods Cons
2.To Be Someone (Didn't We Have a Nice Time)
3.Mr. Clean
4.David Watts
5.English Rose
6.In the Crowd
7.Billy Hunt
8.It's Too Bad
9.Fly
10.Place I Love, The
11.'A' Bomb in Wardour Street
12.Down in the Tube Station at Midnight
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403. Joe Ely – Honky Tonk Masquerade (1978)
Joe Ely es músico de honky-tonk/country. Nacido en Amarillo, Texas, fue autor de la banda sonora de "El Hombre que susurraba a los caballos".
Honky Tonk Masquerade, segundo álbum de Joe Ely, publicado en 1978, muy aclamado por los críticos de todo el mundo. Aparte de estar incluido en esta lista de los 1001 discos , está colocado en el número 40 en la lista de Rolling Stone de "50 álbumes esenciales de los años 70", calificándolo como " colaborador de la década para sentar las bases del country-rock". Y es considerado, en la misma década de los 70´s como patrimonio de su país, junto a Old No. 1 de Guy Clark , Red Headed Stranger de Willie Nelson, y Lubbock (On Everything) de Terry Allen. Además, el crítico musical neozelandés Fred Muller, coloca este disco en su lista de los diez "mejores álbumes de la era del rock".
Es bueno saber que hay un puñado de hombres cuya idea de la música, el ritmo y la poesía se levantan como monumentos inmortales y que se han convertido en el alma de la música country. Joe Ely es uno de esos hombres.
1. Cornbread Moon
2. Because of the Wind
3. Boxcars
4. Jericho (Your Walls Must Come Tumbling Down)
5. Tonight I Think I'm Gonna Go Downtown
6. Honky Tonk Masquerade
7. I'll Be Your Fool
8. Fingernails
9. West Texas Waltz
10. Honky Tonkin'
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404. Adverts – Crossing the Red Sea with the… (1978)
The Adverts, que se publicitaban como el grupo que tocaba con un único acorde, nacieron con la explosión punk británica de 1977 y comenzaron a hacerse populares en el famoso Roxy Club de Londres, lugar en donde actuaban con regularidad, convirtiendo a su bajista femenina, Gaye Advert, en toda una celebridad. Junto a Gaye estaban el cantante y compositor Tim "Tv" Smith, el guitarrista Howard Pickup y el batería Laurie Driver.
En una de sus actuaciones, el guitarrista del grupo The Damned, Brian James, quedó impresionado por su presencia escénica y les requirió para que telonearan a su grupo a la vez que les facilitó la entrada en el famoso sello Stiff Records.Todo un clásico, merecidamente, del punk.
Publicaron el single "One Chord Wonders" el mismo año del boom del punk, obteniendo un moderado éxito que se vio superado por "Gary Gilmore's Eyes". Estos sencillos de buena acogida comercial fueron continuados con menos fortuna por "Safety in numbers" y "No Time to Be 21".
Animados por su reciente notoriedad, sacaron a la luz el LP "Crossing The Red Sea With The Adverts" (1978), en el que aparecía como batería John Towe.
Crossing the Red Sea With the Adverts ofrece una visión apocalíptica de la Inglaterra de finales de los setenta que es casi futurista –en el sentido de ciencia ficción, aunque en el sentido de Marinetti casi también, aunque de momento no me meto con eso que hay que ir con pies de plomo para defender el futurismo. No se insiste lo suficiente, de todos modos, en el carácter marcadamente modernista de parte del punk, en su búsqueda de la novedad, de una música que refleje una nueva sociedad y es que, a pesar de estar describiendo una realidad social determinada, grupos como The Adverts lo hacían desde un ángulo determinado: opresivo, angustioso, nocturno, sórdido, anfetamínico, y con una galería de personajes en constante confrontación con el cemento urbano, con los medios de comunicación que filtran la realidad y le añaden capas de distorsión alienante del mismo modo en que los grupos punk expresaron su alienación mediante latigazos de guitarras furiosas y rasposas.
Este álbum es un magnífico disco en el cual los Adverts ejemplificaban el sonido primario, crudo y borboteante de la época.
1. One Chord Wonders
2. Bored Teenagers
3. New Church
4. On The Roof
5. New Boys
6. Bombsite Boy
7. No Time To Be 21
8. Safety In Numbers
9. Drowning Men
10. On Wheels
11. Great British Mistake
12. Gary Gilmore’s Eyes
13. We Who Wait
14. New Day Dawning
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405. Big Star – Third ( Sister Lovers) (1978)
El mundo del rock no es justo, existen casos donde bandas de innegable talento no ven reconocido su trabajo. Este es el caso de Big Star, por derecho propio el grupo de Alex Chilton y Chris Bell debería figurar en todos los tratados al lado de los grandes y ser tan populares como cualquiera de ellos, pero hoy en día no superan el estatus de grupo de culto bordeando el anonimato. Una mala distribución de sus discos tuvo gran parte de culpa en su fracaso comercial, aunque también tuvo bastante que ver su forma de entender la música, muy alejada del cliché rockero de moda en la época.
Big Star suenan a Beatles, a Beach Boys, sin dejar de sonar a Big Star, unas melodías prodigiosas, unos arreglos instrumentales imposibles, textos emocionantes que dieron forma primero a las canciones vitales de “#1 record” y “Radio city” y que también darían forma al árido “third / sister lover”
Cuando Alex Chilton entro en el estudio, sus ambiciones comerciales estaban ya bastante diluidas, y su estima como compositor bastante tocada, atravesaba además una época de conflictos sentimentales y existenciales. Todo esto se ve reflejado en “third” que sorprende por despojar al sonido de Big Star de toda la luminosidad de antaño, substituyéndola por angustia, dolor y desanimo.
“Thank You Friends” es un sarcástico homenaje a sus amigos, empezando por Chris Bell, que abandono la banda años atrás. “Night Time” es la búsqueda del consuelo, de la mano amiga.
“Holocaust” estremece al oyente con una historia de muerte, de enfermedad, de sufrimiento. “Third / Sister Lover” es el disco más arduo de Big Star, el más oscuro, el que mejores canciones tiene.
1.Kizza Me
2.Thank You Friends
3.Big Black Car
4.Jesus Christ
5.Femme Fatale
6.O, Dana
7.Holocaust
8.Kangaroo
9.Lovely Day
10.Fireplace
11.You Can't Have Me
12.Nightime
13.Blue Moon
14.Take Care
15.Nature Boy - (bonus track)
16.Till the End of the Day - (bonus track)
17.Dream Lover - (bonus track)
18.Downs - (bonus track)
19.Whole Lotta Shakin' Goin' On - (bonus track)
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406. Residents – Duck Stab/Buster & Glen (1978)
The Residents es un grupo de música avant garde y de artes visuales. Ellos comenzaron sus actuaciones al inicio de la década de 1970 y lanzaron su primer álbum en 1972. Siempre han mantenido sus vidas y su música en oscuridad. Hasta la actualidad los miembros de la banda no han revelado sus verdaderas identidades, sus apariciones en público siempre las realizan con disfraces, usualmente con trajes de etiqueta, sombreros de copa y máscaras con forma de ojo gigante (después uno de los miembros aparecería con una máscara con forma de calavera gigante, ya que su máscara de ojo gigante le había sido robada). La banda siempre se ha negado a otorgar entrevistas a los medios de comunicación y a revelar sus identidades.
Duck Stab / Buster & Glen, álbum lanzado en 1978, a menudo se le conoce únicamente como Duck Stab, un EP de 14 canciones publicado a principios de 1978 con canciones más cortas similar a la primera cara de su anterior álbum “Fingerprince”. “Buster y Glen” tenía la intención de ser el siguiente álbum después Duck Stab!, pero fue finalmente colocado como el lado B del álbum anterior, dándose asi la amalgama de los dos como resultado.
La menor duración de las canciones que hizo el álbum más accesible para los seguidores que habían sido atraídos en sus primeros álbumes. "Satisfaction", y canciones como "Constantinopla" y "Hello Skinny" ayudaron a cimentar el creciente culto de la banda. Este álbum cuenta en la guitarra con Felipe "Snakefinger" Lithman, así como su voz en el tema "Constantinopla".
Esta banda es creadora y seguidora de su Teoría de la Oscuridad, que dice que el artista solo puede crear arte puro cuando las expectativas e influencias del mundo exterior no deben tomarse en consideración.
Disc: 1
1. Constantinople
2. Sinister Exaggerator
3. Booker Tease
4. Blue Rosebuds
5. Laughing Song
6. Bach Is Dead
7. Elvis and His Boss
Disc: 2
1. Lizard Lady
2. Semolina
3. Birthday Boy
4. Weight-Lifting Lulu
5. Krafty Cheese
6. Hello Skinny
7. Electrocutioner
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407. Public Image Ltd – Public Image (1978)
Public Image Limited, también conocidos con la abreviatura PIL, fueron la nueva acometida musical que el ex cantante de Sex Pistols, Johnny Rotten (aunque aquí utilizó su verdadero nombre, John Lydon) perpetró, cuando, tras una desastrosa gira americana, durante el verano del 78, el grupo más mediático, que no mejor, del punk inglés, fue finiquitado.
Junto a él, un acompañante de lujo, el guitarrista Keith Levene, que estuvo en los primerísimos tiempos de The Clash (sin quedarse en su formación final), más el bajista Jah Wobble, antiguo compañero de instituto de Rotten/Lydon, y Jim Walker, un batería canadiense que estaba estudiando en Inglaterra y fue reclutado deprisa y corriendo mediante un anuncio.
En ese mismo 1978 sacan este primer álbum, que crea gran expectación por la fama del grupo precedente.
Pero Lydon, que, como se demuestra aquí, era la verdadera materia gris y compositor de los Pistols, trata de huir de los antecedentes creados por el afán de hacer negocio de su ex promotor Malcolm McLaren, y crea un sonido que evoluciona lo anterior, caracterizado por un tono más oscuro y una guitarras punzantes, con una sección rítmica que suena mecánica e impecable (a destacar la labor de Wobble, un bajista inexperto, que supuso un acierto viendo los precedentes, ya que fue Lydon quien impuso a Sid Vicious en Sex Pistols tocando ese instrumento, en lugar del original Glenn Matlock, un músico competente, con nefastos resultados) inaugurando con ello el concepto de after punk (que en cierto modo estará presente en grupos posteriores, incluyendo el rock siniestro y el gótico, que no se aleja mucho de los planteamientos de algunos de los temas aquí grabados).
Rotten cambia su imagen de camisetas rotas y puntiagudos pelos de colores por un aspecto más formal, para golpear aun más, y desde dentro, a determinados sectores de la sociedad.
Public Image llegó al nº 9 en Gran Bretaña y el LP también se vendió bien en Estados Unidos. La evolución posterior del grupo fue más ecléctica y tocaron desde reggae hasta canciones orientadas a las discotecas de los 80, tipo This is not a love song, y con diferentes cambios en la formación (el segundo de a bordo, Keith Levene, abandonó en 1983), aguantaron hasta los primeros años 90.
En la segunda mitad de la decada, John Lydon/Johnny Rotten, se embargó en diferentes giras lucrativas, que aún continúan, con unos resucitados Sex Pistols.
1. Theme
2. Religion 1
3. Religion 2
4. Annalisa
5. Public Image
6. Low Life
7. Attack
8. Fodderstompf
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408. Magazine – Real Life (1978)
uando los Buzzcocks todavían eran poco más que un embrión de la gran banda que era y que fue (habían publicado el EP “Spiral Scratch”) el cantante y guitarra Howard Devoto (de apellido real Trotter) decidió mudar los bártulos y liderar el grupo Magazine, un conjunto post-punk formado en 1977 junto al guitarrista John McGeoch, el bajista Barry Adamson, el batería Martin Jackson y el teclista Bob Dickinson.
Tras lograr un contrato con Virgin, la banda de Manchester debutaría en febrero de 1978 con el single “Shot by both sides” (número 41 en el Reino Unido), una canción escrita por Devoto y Pete Shelley, el líder de los Buzzcocks, que fue continuado en formato 45 rpm por “Touch & Go”.
En el mes de junio editaron “Real Life” (1978), un álbum producido por el veterano John Leckie en donde sonaban los teclados de Dave Formula, quien había sustituido a Dickinson dejaría el grupo. En el LP se aprecia la importancia del uso del teclado en los sonidos del grupo y ciertas concesiones arty en su concepto más experimental, que diferencian su sonido del de otros combos británicos del momento, por ejemplo los citados Buzzcocks, y los emparentan más con la new wave.
También, debido a su experimentación dentro de las líneas básicas marcadas por el punk, los engloba dentro del post-punk. Al lado del tema “Shot by both sides” se podían escuchar cortes como “Definitive gaze”, “Recoil” o el single “The light pours out of me”.
Caracterizados por la enorme carga filosófica/nihilista de las letras de Devoto, complementadas a la perfección por la música de sus compañeros. De hecho, un comentario de la época decía q si Albert Camus hubiera tenido una banda, ésta habría sido Magazine.
Real Life, su álbum debut, los muestra ya en plena forma, con composiciones q mezclan la intensidad del punk con arreglos impredecibles y extrañas melodías q dieron un nuevo color al fin de la década. La visión de Devoto queda totalmente confirmada.
1. Definitive Gaze
2. My Tulpa
3. Shot By Both Sides
4. Recoil
5. Burst
6. Motorcade
7. The Great Beautician In The Sky
8. The Light Pours Out Of Me
9. Parade
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409. Bruce Springsteen – Darkness on the Edge of Town (1978)
Darkness on the Edge of Town es el cuarto álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por Columbia Records en 1978.
Recuperado de problemas legales y del éxito de Born to Run, Springsteen publicó un álbum con menor atractivo comercial, Darkness on the Edge of Town. Las ventas no fueron tan elevadas como las de Born to Run, si bien el álbum alcanzaría unas cifras más altas de las esperadas.
Entre los diez temas que lo componen, piezas como Badlands, un clásico en casi todos los conciertos o Adam Raised a Cain una canción cargada de fuerza. The Factory es un auténtico récord de velocidad; en sólo noventa minutos se compuso letra y música. La sombra de su padre se siente en cada una de sus estrofas. El tema que da nombre al disco, Darkness On the Edge of Town, es el tema final y nos habla de la búsqueda de la tierra prometida.
El álbum no llegaría a generar ningún single de éxito, con "Prove It All Night" entrando sólo entre los cuarenta primeros puestos de las listas de singles estadounidensas.
En 1978, la cadena de televisión VH1 posicionó a Darkness on the Edge of Town en el puesto 68 de los mejores álbumes de todos los tiempos. Melancólico y agridulce "Darkness at the edge of town" , un gran disco influido en su gradación tonal por las pretéritas cuestiones judiciales
1. Badlands
2. Adam Raised a Cain
3. Something in the Night
4. Candy's Room
5. Racing in the Street
6. Promised Land
7. Factory
8. Streets of Fire
9. Prove It All Night
10. Darkness on the Edge of Town
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410. Funkadelic – One Nation Under a Groove (1978)
Funkadelic fue un grupo de música Africano Americano destacado durante la década de 1970. Junto con su banda hermana Parliament, encabezada por George Clinton, comenzó la cultura de la música funk en esa década.
El grupo que se convertiría en Funkadelic fue formado originalmente por George Clinton, en 1964, como un respaldo musical sin nombre para su grupo The Parliaments, mientras estaban de gira. La banda estaba formada originalmente por los músicos Frankie Boyce, Richard Boyce, y Langston Booth, además de unirse cinco miembros vocalistas de The Parliaments. Boyce y Booth se enrolaron en el Ejército en 1966, entonces Clinton contrato al bajista Billy "Bass" Nelson y al guitarrista Eddie Hazel en 1967, añadió también al guitarrista Tawl Ross y al baterista Tiki Fulwood. El nombre de "Funkadelic" fue acuñado por Nelson después de que la banda se trasladó a Detroit. En 1968, a causa de una disputa con Revilot, la compañía que tenía en propiedad el nombre de "Parliaments", el grupo comenzó a tocar bajo el nombre de Funkadelic.
Funkadelic grabo y publicó su más exitoso e influyente álbum llamado One Nation Under a Groove, de 1978, el decimo en su haber, la adición de ex jugadores de Ohio y el tecladista Walter "Junie" Morrison y que refleja una danza basada en un sonido más melódico. La canción con el mismo título pasó seis semanas en el número 1 en los R & B charts, alrededor del tiempo que Parliament goza de la posición # 1 de R & B con sus singles "Flash Light" y "Aqua Boogie". En este álbum encontrará además el genio de los más grandes pioneros e influyente guitarrista Eddie Hazel, miembro del “Rock and Roll Hall of Fame” Maggot Brain es tal vez la declaración musical definitiva de Funkadelic, y contiene un solo de guitarra de diez minutos el cual es el momento definitivo de Hazel y una pieza musical que lo hizo leyenda.
1. One Nation Under a Groove
2. Groovallegiance
3. Who Says a Funk Band Can't Play Rock
4. Promentalshipbackwashpsychosis Enema Squad
5. Into You
6. Cholly (Funk Getting Ready to Roll)
7. Lunchmeataphobia (Think It Ain't Illegal Yet)
8. P.E. Squad / Doo Doo Chasers (Going All the Way Off)
9. Maggot Brain - (live)
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411. Throbbing Gristle – DOA: Third & Final Report (1978)
Throbbing Gristle es una banda británica de música experimental e industrial que evolucionó del grupo performance COUM Transmissions. Los miembros fundadores de Throbbing Gristle fueron Chris Carter, Genesis P-Orridge, Cosey Fanni Tutti y Peter Christopherson.
Sus presentaciones en vivo, altamente confrontacionales, solían usar imágenes perturbadoras (incluyendo pornografía y fotos de campos de concentración nazi, dándole al grupo una reputación notable. Sin embargo, el grupo siempre sostuvo que su misión era retar y explorar los lados más oscuros y obsesivos de la condición humana (en vez de hacer música atractiva). Throbbing Gristle fue pionero en el uso de samples pre-grabados y uso de efectos especiales para producir un trasfondo distintivo y altamente distorsionado, usualmente acompañado por letras cantadas o habladas por Genesis P-Orridge.
La música de T.G. no es fácil de describir. Combinaban el "cut and paste", con elementos electrónicos a lo Kraftwerk e influencias del rock teutónico de Can. La música varía en distintos grados de intensidad. Algunos de sus discos tienen altos ritmos percusivos con fuertes alaridos y otros son más calmos. La estética que crearon para "Industrial Records" se puede describir como corporativa y militarista, esto último apreciable en sus logos.
Considerados los creadores del término “Industrial” que desencadenaría irremediablemente en todo un género musical.
1. I. B. M.
2. Hit by a Rock
3. United
4. Valley of the Shadow of Death
5. Dead on Arrival
6. Weeping
7. Hamburger Lady
8. Hometime
9. AB/7a
10. E-Coli
11. Death Threats
12. Walls of Sound
13. Blood on the Floor
14. Five Knuckle Shuffle
15. We Hate You (Little Girls)
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412. Thin Lizzy – Live & Dangerous (1978)
Thin Lizzy es una banda de hard rock irlandesa formada en Dublín en 1969. La banda originalmente fue liderada por el cantante, bajista y compositor Phil Lynott, inteligente y profundo a la hora de escribir las canciones, prefiriendo temas basados en las clases sociales, dramas de amor y odio, influído por Bob Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen y por la literatura irlandesa. En una entrevista a Phil Lynott, éste aseguró que su mayor influencia fue Van Morrison. La música de la banda cubrió mucho territorio, incluyendo el country y el folk, pero generalmente se les considera como una banda de heavy metal o hard rock.
Aunque bandas anteriores ya usaban técnicas similiares, Thin Lizzy se caracterizó por ser una de las primeras bandas de hard rock en utilizar dos guitarras melódicas a la vez, una técnica en la que Wishbone Ash fueron pioneros en el Reino Unido, y que por su parte también era utilizada por Lynyrd Skynyrd en los Estados Unidos. Esta técnica fue refinada más tarde y popularizada por bandas emergentes de la nueva ola de heavy metal en el Reino Unido, como Judas Priest y especialmente Iron Maiden. Estos últimos particularmente han elogiado mucho a Thin Lizzy a lo largo de su carrera.
La exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live and Dangerous” (1978), este concierto fue grabado en el Tower Theater de Philadelphia el 20 de octubre de 1977, durante la gira del Bad reputation y es considerado uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la sabia producción de Visconti. Metal en estado puro y primigenio, para todos aquellos adoradores de este género.
1.Jailbreak
2.Emerald
3.Southbound
4.Rosalie/Cowgirl's Song
5.Dancing in the Moonlight (It's Caught Me in the Spotlight)
6.Massacre
7.Still in Love With You
8.Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed
9.Cowboy Song
10.Boys Are Back in Town, The
11.Don't Believe a Word
12.Warrior
13.Are You Ready
14.Suicide
15.Sha-la-La
16.Baby Drives Me Crazy
17.The Rocker
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413. Talking Heads – More Songs About Buildings & Food (1978)
Segundo álbum de los Talking Heads, lanzado en el año 1978 “More Songs About Buildings and Food” es el trabajo con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 "King's Lead Hat" es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer "Psycho Killer" del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green's de More Song's "Take Me to the River" la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general.
Comparado con su anterior trabajo, este disco tiene una producción más elaborada, con influencias del punk, country, reggae, pop; junto a ritmos muy marcados con el bajo.
Pese a que el disco no fuera comercial, fue la etapa de los discos más experimentales e interesante de la banda norteamericana. En todo caso, el álbum es una pequeña obra maestra. Sonido revolucionario, entretenimiento a raudales y una música única, diferente y extravagante, un gran álbum, mejor que el debut y dueño de algunos de los más geniales pasajes de funk-rock .
1. Thank You For Sending Me an Angel
2. With Our Love
3. Good Thing, The
4. Warning Sign
5. Girls Want to Be With the Girls, The
6. Found a Job
7. Artists Only
8. I'm Not in Love
9. Stay Hungry
10. Take Me to the River
11. The Big Country
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414. Buzzcocks – Another Music in a Different Kitchen (1978)
Liderados por el cantante y guitarrista Pete Shelley, de nombre real Peter McNeish (nacido el 17 de abril de 1955), este fantástico grupo de Manchester es uno de los más paradigmáticos del punk británico 70’s. Su combinación entre energía instrumental, agresividad rítmica, cinismo lírico y querencia por la buena melodía pop propagaron a los Buzzcocks como uno de los primeros combos punk-pop de la historia (junto a los Ramones), influenciados tanto por los Sex Pistols como por la Velvet Underground, los Who, los Stooges, Troggs (a quienes versionaron “I can’t control myself”) o el garaje y el beat de los años 60.
Su primer LP fue “Another music in a different kitchen” (1978), un fenomenal debut (número 15 en el Reino Unido) producido por Martin Rushent (ingeniero del “Electric Warrior” de T. Rex) con temas como “Fast Cars” o la gloriosa “I don’t mind”, puro ejemplo de gran punk-pop.
Disco de suma importancia en el nacimiento del punk rock, introdujeron muchos elementos pop en el estilo y son fundamental influencia de los grupos de la ola de punk pop de los años 90´s.
1. Fast Cars
2. No Reply
3. You Tear Me Up
4. Get On Our Own
5. Love Battery
6. Sixteen
7. I Don't Mind
8. Fiction Romance
9. Autonomy
10. I Need
11. Moving Away From The Pulsebeat
12. Orgasm Addict [Bonus Track]
13. Whatever Happened To...? [Bonus Track]
14. What Do I Get [Bonus Track]
15. Oh Shit [Bonus Track]
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415. Van Halen – Van Halen (1978)
Van Halen es el álbum debut del grupo estadounidense de Hard Rock Van Halen, lanzado en 1978. Aunque el disco se encuentra entre los 20 más vendidos en los años 1970, con más de 10 millones de copias vendidas, no pasó del puesto 19 en las listas de éxitos de su país durante su lanzamiento, ni del 34 en el Reino Unido. En la actualidad 10 discos de platino y uno de diamante lo respaldan.
Este álbum es ampliamente considerado como un hito en la historia del rock. La banda se estableció como un líder en el emergente y desafiante mundo hard rock de los EE.UU. En particular, el guitarrista de la banda, Eddie Van Halen, se hizo rápidamente famoso gracias a su técnica y sensibilidad musical, el tapping, que consiste en usar ambas manos en el mástil de la guitarra, que durante la promoción del disco tocaba los solos de espaldas al público para esconder su técnica. Hoy en día es considerado como uno de los guitarristas de rock más innovadores e influyentes; otros de los rasgos distintivos del grupo en su etapa considerada más clásica, era el estilo versátil y autoparódico de su cantante David Lee Roth, conocido como "Diamond" Dave.
Pese a que el disco suena como si fuera en directo es un disco de estudio en el que el productor, Ted Templeman introdujo ecos y efectos añadidos que le dan contundencia. Van Halen figura en el Libro Guinness de los Récords con la mayor cantidad de Nº 1's en la lista de rock de Billboard. Según la Asociación de la industria discográfica de Estados Unidos. Con este álbum Van Halen va, simplemente, a reinventar el rock duro...
1. Runnin' With the Devil
2. Eruption
3. You Really Got Me
4. Ain't Talkin' 'Bout Love
5. I'm the One
6. Jamie's Cryin'
7. Atomic Punk
8. Feel Your Love Tonight
9. Little Dreamer
10. Ice Cream Man
11. On Fire
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416. Willie Colón & Rubén Blades – Siembra (1978)
Tres décadas después de su nacimiento, la grabación “Siembra”, uno de los discos más conocidos de la dupleta de Willie Colón y Rubén Blades, aún mantiene su vigencia y es considerada como una obra maestra.
En algun lugar, todavía Pedro Navaja camina por la esquina del viejo barrio con el tumbao' que tienen los guapos al caminar. La gente no sabe a dónde se dirige, pero tal vez vaya al monte a buscar guayaba por la vereda del ocho y del dos. A la misma vez, pero en medio de una ciudad de plástico con edificios cancerosos, un hombre le implora a María Lionza que le haga un milagrito. Con ojos de inmenso dolor, le pregunta cómo puede arrancarse del alma una pena de amor. A lo lejos, un radio solitario deja escapar el siguiente pregón: "Con fe, siembra y siembra y tú verás"...
¿Les parecen conocidas estas historias? Si ha tenido el gusto de escuchar el álbum “Siembra”, es seguro que las recuerde. Y mientras esas escenas y otras similares no dejen de ser parte de la experiencia latinoamericana, los mensajes que grabaron hace tres décadas Willie Colón y Rubén Blades, seguirán tan frescos como el primer día. Tan vigentes para provocar que al día de hoy se hayan vendido sobre 5 millones de copias, lo que convierte esta grabación en la más vendida de la salsa.
"Esto fue un álbum hecho para el mundo entero, por eso pegó todas las canciones. Ese álbum nadie lo ha podido igualar", sostiene con contundencia el promotor artístico e historiador musical Richi Viera. “El disco recogía las vivencias de toda Latinoamérica. Todo el mundo se identificó”, remata sentado tras el escritorio de su padre, Rafael Viera, en la Catedral de la Música, Viera Discos. Don Rafael, quien fue promotor y es conocido como la “Enciclopedia de la Salsa”, escucha la conversación con atención para no quedarse atrás. Con su particular parsimonia interviene para decir que “la gente entendía que esto era una obra maestra”.
Cuando se les pregunta a ambos por qué ha tenido tanta trascendencia, son enfáticos en señalar los contenidos sociales de sus canciones. Mensajes, que según cuenta Richie Viera, muchos calificaron en ese momento de atrevidos.
“Antes de este disco no se había escrito una cosa tan social”, indica Don Rafael. “La gente abrió los ojos a la pobreza y a la desigualdad”, añade Richie Viera. En las letras se les cantaba a la “gente de carne y hueso que no se vendió”, al guapetón de barrio, a los trabajadores... Se le dijo a los latinos que usaran la conciencia, “no dejes que se duerma, no la dejes que muera”.
Otro cambio que obró este disco fue el perfil de los oyentes de salsa. Antes de “Siembra”, este género musical era visto como de personas de clase media baja y clase baja. Pero después de su publicación, “se destaparon los riquitos”, a decir de Richie Viera.
“Ellos mostraban el disco sin miedo. Es más, querían que la gente supiera que ellos oían 'Siembra'”, acota Richie Viera. “Lo compró todo tipo de gente. Además, lo pedían por su título”, puntualiza Don Rafael.
Por su parte, el programador de la emisora radial Z93, Pedro Arroyo, argumenta que otra cosa a favor de la grabación fueron sus arreglos musicales innovadores. “Yo recuerdo la primera vez que oí 'Plástico', que empieza con música disco. Yo dije, 'Que clase de huevo'. Pero cuando oí el mensaje y el final... Rubén dice 'Nicaragua sin Somoza'. Yo pensé que esa canción no la iban a poner en la radio”, recuerda.
Para Arroyo el arraigo de este disco es indudable. Una de las cosas que lo prueba es que las primeras dos canciones que mas piden en Z93, cuya especialidad es la salsa, son “Pedro Navaja” y “Buscando Guayaba”, dos cortes de este disco.
Asimismo, recuerda que hace cinco años, cuando a Rubén Blades le dedicaron el Día Nacional de la Salsa, todos los presentes cantaron de arriba a abajo todas las canciones que entonó Blades. “La gente se las sabe”.
“Siembra es un best seller, es el disco que más ha vendido. Su calidad de sonidos, de grabación, los arreglos, la letra... Se combinaron todos los talentos”
1. Plastico
2. Buscando Guayaba
3. Pedro Navaja
4. Maria Lionza
5. Ojos
6. Dime
7. Siembra
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417. Cars – Cars (1st Album) (1978)
The Cars probablemente fueron el grupo que mejor aunó las tendencias de la new wave y un sonido facilmente vendible en las emisoras de FM, es por esto que es una de las pocas bandas que se puede decir que convenció por igual a crítica y público, algo tan difícil.
El grupo se formó en Boston, si bien la mayoría de sus componentes no eran originarios de esta ciudad. Tenía como principales baluartes al guitarrista y compositor Ric Ocasek y al bajista Ben Orr (ambos compartían las tareas vocales) que se habían conocido varios años antes en Ohio y no eran, desde luego, novatos en este negocio: habían integrado varias bandas y en algunas de ellas ya tocaron juntos. Inicialmente contaban con el teclista Greg Fawkes, que aunque estuvo un tiempo con otros proyectos, se integró en la formación definitiva de The Cars, junto al guitarrista Elliot Easton y el batería David Robinson, ex integrante del grupo local The Modern Lovers, liderado por Jonathan Richman.
El estilo de The Cars es un pop rock con influencias que van desde The Velvet Underground al Bowie de la 2ª mitad de los 70 o Roxy Music. Se trata de melodías cuidadas, en las que se introducen los toques del sintetizador de Hawkes, que les dan un aire entre kitsch y cool, con algún ramalazo guitarrero de Easton, a veces con un sonido distorsionado característico del grupo.
Pioneros de un tipo de pop que luego invadió las radiofórmulas durante los 80, solo que ellos lo hicieron primero y mejor. Este primer LP integra varios de los primeros éxitos como Good times, Just what I needed o My best friend's girl o algunas de las preferidas por sus aficionados, como Bye Bye love.
1. Good times roll
2. My best friend's girl
3. Just what I needed
4. I'm in touch with your world
5. Don't cha stop
6. You're all I've got tonight
7. Bye bye love
8. Moving in stereo
9. All mixed up
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418. Devo – Q: Are We Not Men? A: We Are Devo (1978)
Tres meses cerró la Universidad de Kent State por cuenta del asesinato de cuatro estudiantes a cargo de la Guardia Civil. Tres meses. Suficientes para que Gerald Casale y Mark Mothersbaugh, desarrollaran una especie de teoría que relacionaba al hombre con un proceso de de-evolución, y que situaba al ser humano a los pies del mundo mecanizado.
Y necesitaban transmitir sus ideas a la gente, y qué mejor manera, pensaron, que creando una banda de rock. Sus teorías de-evolucionistas influyeron determinantemente en sus ritmos, coreografías y vestuarios. A la voz y sintetizadores de Mothersbaugh, el bajo de Gerald Casale y Bob Lewis se unió el batería Alan Myers, gestándose así una de las bandas más peculiares del período post-punk.
Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! es el segundo álbum de la banda de New Wave, Devo. Fue lanzado en julio de 1978. Una composición ajustada, sin elementos de sobra, sumada a unas letras marcadas por la ironía dieron como resultado pequeñas piezas de pop perfecto, indestructibles. Puede resultar un poco extraño. El quinteto, allá por 1978, se amparaba todavía en un acercamiento más basado en guitarras que en los teclados, con una pulsión rockera que desaparecería poco después en la banda.
El álbum fue producido por Brian Eno, en los estudios Conny Planck en Colonia, Alemania. La banda logró ponerse en contacto con Eno cuando consiguieron entregarle un demo a David Bowie durante un show en Cleveland. Grupo de culto, reivindicados y versionados por Nirvana, Rage Aganist The Machine por nombrar algunos. Un perfecto, psicodélico y absurdo viaje a la buena música y el entretenimiento. Este álbum apareció en el número 477 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
1.Uncontrollable Urge
2.Satisfaction, (I Can't Get No)
3.Praying Hands
4.Space Junk
5.Mongoloid
6.Jocko Homo
7.Too Much Paranoias
8.Gut Feeling / Slap Your Mammy
9.Come Back Jonee
10.Sloppy (I Saw My Baby Gettin')
11.Shrivel-Up
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419. Dire Straits – Dire Straits (1978)
Dire Straits fue una banda de rock británica, fundada en 1977 por Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), con Ed Bicknell como director.
En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers"; ya que Mark pedía a gerentes de los pubs que los dejasen actuar, de forma que la música sonase de fondo, permitiendo a la gente hablar.
Dire Straits grabó y realizó su primer álbum homónimo en 1978 con poca aceptación hasta que cinco meses después se lanzó un sencillo, "Sultans of Swing", que se convertiría en uno de los himnos de la banda, gracias a este sencillo el disco se convirtió finalmente en uno de los más vendidos.
Elaborado a partir de una serie de maquetas que el grupo había conseguido grabar de su propio bolsillo, incorporaba prácticamente todo el repertorio de la banda. Excluidos del álbum quedaron "Move It Away", "Real Girl", "Me & My Friends" y una versión del tema de Chuck Berry "Nadine". Durante la promoción del álbum, la banda interpretaría la canción "What's The Matter, Baby?", escrita conjuntamente por Mark y David Knopfler, y posteriormente publicada en el álbum de 1995 Live at the BBC. La imagen de la portada está extraída de una pintura de Chuck Loyola.
La guitarra excelsa de Mark Knopfler se encuentra considerada en la revista Rolling Stone, situada en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Los Dire Straits han sido sin duda alguna, una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos, y este álbum en concreto los lanzó al estrellato.
1.Down to the Waterline
2.Water of Love
3.Setting Me Up
4.Six Blade Knife
5.Southbound Again
6.Sultans of Swing
7.In the Gallery
8.Wild West End
9.Lions
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420. Saints – Eternally Yours (1978)
Pocos grupos han trascendido tanto en el Punk-Rock como The Saints. Para remontarnos a sus inicios tenemos que situarnos en la lejana Australia, en concreto Brisbane, en la primera mitad de los años 70. The Saints graban un sobresaliente single de debut y tal es el eco en el Reino Unido que una gran multinacional como EMI les firma un contrato por tres discos. El segundo de estos discos con EMI se llama “Eternally Yours” y lo produce el propio grupo incorporando nuevos instrumentos como teclados, guitarras acústicas e incluso sección de vientos en algunos temas. El estado de insatisfacción del grupo en Inglaterra se refleja perfectamente en los textos de las canciones del disco, unas canciones cargadas de rabia, ironía y mucho sarcasmo; un acertado dardo venenoso a las estúpidas modas de temporada e imposiciones sociales.
El sonido de “Eternally Yours” es mucho mejor y más limpio, y la guitarra de Ed Kuepper está más domesticada pudiéndose apreciar mejor los demás detalles. Incorporan sección de vientos en las increíbles “Know Your Product” y “Orstralia”. “Know Your Product” con el tiempo se ha convertido en uno de los temas más celebrados y emblemáticos del grupo, y no es de extrañar, es la mezcla perfecta de Punk y música Soul con precisas puyas a los medios de comunicación. Grupos posteriores como Rocket From the Crypt basaron parte de su repertorio en este estilo de canciones.
En la reedición en CD de “Eternally Yours” del 2007 vienen como extras “The International Robot Sessions”, que son versiones alternativas de las canciones del disco, pero grabadas en mono, a la primera toma y con un sonido más áspero. Vaya, una gozada para los oídos.
“Eternally Yours” sale a la venta en abril de 1978 y a pesar de ser un gran disco, es un fracaso a nivel comercial y la discográfica muestra su descontento. La escena londinense no podía acogerlos amigablemente: Dominaban sus instrumentos, no se ajustaban a la estética y actitud predominantes y tampoco estaban dispuestos a reír las gracias de afectados jovenzuelos ni a bailar al son de amanerados dictadores de la moda. Los ingleses los considerarían cuatro desagradables garrulos de las antípodas. Ellos, que amaban la música de verdad, comprendieron el timo en cuanto llegaron. Benditos bárbaros australianos.
1.Know Your Product
2.Lost and Found
3.Memories Are Made of This
4.Private Affair
5.Minor Aversion, A
6.No, Your Product
7.This Perfect Day
8.Run Down
9.Orstralia
10.New Centre of the Universe
11.Untitled
12.Misunderstood, (I'm)
13.International Robots
14.Do the Robot
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421. Marvin Gaye – Here, My Dear (1978)
Pocos músicos tienen una discografía tan rica y llena de matices como Marvin Gaye. Su obra ha resistido el paso del tiempo, los cambiantes standards de calidad establecidos por la industria musical, e inclusive el contrapeso de haber tenido una descendencia poco afortunada (el siempre cínico Ian McCulloch dijo alguna vez que el problema con Marvin Gaye es que nos había dejado como herencia toda una prole de cantantes maricones). Sus discos de los sesentas son pequeños ejercicios de estilo a lo Motown, llenos de hits y buen gusto. "What's Going On" (1971) es una obra mayor, un disco comprometido en sus planteos líricos e innovador en el aspecto musical. Que sea señalado como el mejor de la historia de la música pop seguramente es una exageración, aunque está fuera de toda discusión que marcó un antes y un después en la música Soul. "Let's Get It On" (1973) y "I Want You" (1976) se convirtieron en clásicos a pesar de ser totalmente opuestos a su antecesor: son discos sensuales y refinados, creados para glorificar al amor físico por sobre todas las cosas. Sin embargo, mi preferido es "Here, My Dear" (1978), un disco que fue editado originalmente con el formato de álbum doble, y que en el momento de su publicación sufrió un rechazo unánime.
La historia de "Here, My Dear" es fascinante. Marvin estaba casado con Anna Gordy (hermana de Berry Gordy Jr., el dueño de Motown) quien era diecisiete años mayor que él. En 1975, después de once años juntos, esta relación explotó debido a las reiteradas infidelidades de Gaye, quien ya tenía dos hijos junto a Janis Hunter. El divorcio era inevitable y se cerró fuera de los juzgados en 1977, cuando los abogados de Gaye se comprometieron a pagarle a Anna Gordy la suma de seiscientos mil dólares. Como el fisco perseguía a Marvin y este tenía confiscados sus ingresos, la única manera de conseguir el dinero adeudado era comprometiendo los ingresos a cobrar en concepto de adelanto y derechos de autor de un próximo disco. Lo primero que pasó por la cabeza de Marvin Gaye fue grabar un álbum mediocre para terminar con el trámite lo más rápidamente posible, aunque al poco tiempo cambió de opinión. Por resentimiento, por dolor o por inquietud artística, Marvin se encerró durante un año y compuso un disco que contaba la desintegración de su matrimonio, exorcizando todo el enojo y la frustración que rodeaba a su divorcio.
Lo dicho, "Here, My Dear" fue considerado un fracaso en el momento de su edición, tanto por la prensa como por el público. ¿Cuales fueron los motivos? Bueno, para empezar, este disco no tenía nada que ver con el compromiso social ni con la exhuberancia compositiva de "What's Going On", tampoco con el clima lujurioso de "Let's Get It On" y mucho menos con la atmósfera festiva de la música disco que aún dominaba los rankings de R&B en 1978. Sin embargo, "Here, My Dear" es un álbum asombroso, una obra barroca de contenido desgarrador. Sin hits obvios (el simple fue "A Funky Space Reincarnation", cuya duración es de más de ocho minutos) ni canciones de relleno, Marvin Gaye ofrece su alma en una hora y trece minutos de Doo-wop, Smooth soul y Funk (muy) contenido, y finalmente consigue encandilarnos con el opaco brillo de estos catorce mid-tempos cuyas letras retratan la desintegración de una pareja con una honestidad sin precedentes.
"Here, My Dear" es un álbum singular, de una belleza obscena si se quiere, pero que cumple hasta las últimas consecuencias con la cada vez más olvidada premisa de transformar la miseria en arte.
1. Here, My Dear
2. I Met a Little Girl
3. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You
4. Anger
5. Is That Enough
6. Everybody Needs Love
7. Time to Get It Together
8. Sparrow
9. Anna's Song
10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Instrumental)
11. Funky Space Reincarnation
12. You Can Leave, But It's Going to Cost You
13. Falling in Love Again
14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Reprise)
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422. Willie Nelson – Stardust (1978)
Stardust, un inusual disco de standards o clásicos interpretados al puro estilo Nelson, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones. Considerado como una obra maestra que abrió el camino a la recreación de clásicos de la música americana.
Después de estar en la vanguardia del movimiento rebelde en la década de 1970 nadie podría haber previsto lo que Willie daría a luz en 1978. "Stardust" es una simple colección de canciones que Willie había venerado en su infancia. Este álbum iba a vender más de cuatro millones de copias y está a la par con lo mejor que Willie Nelson tiene para ofrecer.
"Stardust" es el estándar que abandera a todos las colecciones contemporáneas de"Great American Songbook". A más de 30 años, esta grabación todavía es hoy tan esencial como lo era entonces. "Stardust" es realmente un hito en la música.
1.Stardust
2.Georgia on My Mind
3.Blue Skies
4.All of Me
5.Unchained Melody
6.September Song
7.On the Sunny Side of the Street
8.Moonlight in Vermont
9.Don't Get Around Much Anymore
10.Someone to Watch Over Me
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423. Chic – C’est Chic (1978)
C'est Chic es el segundo álbum de la banda de R & B banda Chic, publicado por Atlantic Records en 1978. C'est Chic incluye el éxito clásico de la banda, "Le Freak", que encabezó las listas “US Hot 100” en EE.UU., US R&B, y US Club Play en octubre de 1978, la venta de seis millones de copias sólo en los EE.UU, es hasta la fecha tanto de Atlantic Records y Warner Music el único éxito de ventas que es celebrado por casi treinta años. C'est Chic también contiene el single "I Want Your Love" (# 5 R & B, # 7 pop el 17 de febrero 1979) que se ha convertido en el himno de la banda, "Chic Cheer".
El primer gran combo de música Disco Funk propiamente dicho, con grandes instrumentistas como Nile Rodgers y Bernard Edwards. Todavía hoy "Le Freak" es un relámpago perfecto para las pistas de baile.
C'est Chic fue transferido al disco compacto y re-lanzado por Atlantic Records / Warner Music en 1991, y sigue siendo uno de los dos álbumes de estudio que nunca se han reeditado en formato digital remasterizado.
1.Chic Cheer
2.Le Freak
3.Savoir Faire
4.Happy Man
5.I Want Your Love
6.At Last I Am Free
7.Sometimes You Win
8.Bone (Funny)
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424. X-ray Spex – Germ Free Adolescents (1978)
Liderados por la carismática Poly Styrene, bautizada en su tiempo como Marion Elliott, los X-Ray Spex, aunque no demasiado conocidos al nivel de los Sex Pistols o los Clash, es una banda de punk británico de culto a causa de un único LP, “Germ Free Adolescents” (1978).
Actitud juvenil rebelde, energía y rapidez en la ejecución y teatralidad que enfatizaba las bases del rock’n’roll son los cimientos básicos del punk y algunas de las características de X- Ray Spex, creadas en 1976 y compuestas, además de la cantante y compositora Poly Styrene, por la saxofonista Lora Logic (de nombre real Susan Whitby), el guitarrista Jak Airport, el bajista Paul Dean y el batería B.P. Hurdin.
Punk con saxo y con una peculiar voz femenina, X-Ray Spex sólo aguantaron este disco juntos. Luego su vocalista, Poly-Styrene, se pasó al Hare-Krisna y la banda se descompuso, sin embargo nos queda como legado este vinilo, de lo mejor de la cosecha del 78 británica. No se pierdan Oh Bondage up Yours!, Obsessed With You o la que da título al ábum.
1. The Day The World Turned Dayglo
2. Obsessed WithYou
3. Genetic Engineering
4. Identity
5. I Live Off You
6. Germfree Adolescents
7. Art-I-Ficial
8. Let's Submerge
9. Warrior In Woolworths
10. I Am A Poseur
11. I Can't Do Anything
12. Highly Inflammable
13. Age
14. Plastic Bag
15. I Am A Cliche
16. Oh Bondage Up Yours!
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425. Brian Eno – Ambient 1: Music for Airports (1978)
Brian Eno responsable del sonido más escuchado durante los últimos años después del ring de los teléfonos "The Microsoft Sound", es además, pionero del ambient. Ideó este término con los primeros discos de tal tendencia. Se trataba de una lectura hedonista que diseñaba sonidos para aeropuertos y almacenes. Música funcional, bastante interesante como para no ser aburrida, pero que tampoco reclamara toda la atención, anticipó conceptos que vendrían después, del house, a la new age.
Este es la primera de las 4 entregas del la serie ambient, es así como en la música se genera el término ambient music. El nombre del disco viene a dar respuesta al movimiento caótico de los nuevos espacios de consumo, o los "no lugares", en donde, a ciencia cierta, nadie habita, pero se tiene la necesidad de estar o transitar en ellos o por ellos, esta vez, los aeropuertos, en donde un complejo sistema y sobre todo una logística impresionablemente interconectada hace funcionar un establecimiento de esas magnitudes.
El concepto del disco es muy simple, contrarrestar el movimiento que se vive a diario en un aeropuerto, (hace falta ver el horario de salidas y llegadas del AICM para darse cuenta de esto) con una propuesta de música que genere una respuesta de tranquilidad y serenidad en el individuo y te ayude a la reflexión introspectiva, como pionero en el género, este disco es admirablemente adelantado a su tiempo, ya que sienta las bases para lo que hasta el momento conocemos como minimalismo (en música) y obviamente el ambient en su totalidad.
1. 1/1
2. 2/1
3. 1/2
4. 2/2
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En el comienzo de su carrera, allá en 1977, con el lp "My aim is true," y sobre todo con este "This year's model", fue donde Elvis Costello renació con el rock. El punk estaba llenando de escupitajos las calles de Londres, y un jovenzuelo con gafas de pasta y traje, vino a dar un golpe de timón, a hacer de la new wave un género vigoroso.
Con sólo escuchar "No action" y "This year's girl", con una potente sección rítmica, pop-rock armado de melodías contagiosas, verás que no me equivoco.O ese pedazo de cañón que es "Pump it up", con el órgano omnipotente de Steve Nieve, y con los Attractions formando un verdadero reguero de fogosidad.
Eran otros tiempos. Y las huellas del punk se encontraban en todas las partes. Aquí hay urgencia, velocidad, pero traducida en canciones de pop duro y en letras que hablan del fracaso emocional, del deterioro de las relaciones. Y como era una época donde nadie se cortaba, Costello también podía invadirse de soul en "Little triggers", acercarse al sound mod, en "You belong to me", y construir bases de medio regaee blanco, en "Hand un hand".
El caso es dar que hablar, contagiar al personal de frenéticos sonidos que escuchándolos hoy nos ponen en antecedentes de lo que fueron unos años, los últimos setenta, donde tanta energía a raudales hizo que nacieran discos que jamás pasarán de moda.
Un espléndido disco de pop con alma soul. Intenso, vibrante, acelerado, impetuoso, tierno, desgarrado, y con toda la magia de la que era capaz en aquellos días, el imprescindible Elvis Costello en compañía de sus fantásticos Attractions.
1.No Action
2.This Year's Girl
3.The Beat
4.Pump It Up
5.Little Triggers
6.You Belong to Me
7.Hand in Hand
8.(I Don't Want to Go to) Chelsea
9.Lip Service
10.Living in Paradise
11.Lipstick Vogue
12.Night Rally
13.Radio, Radio
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402. Jam – All Mod Cons (1978)
Probablemente el mejor trabajo del grupo The Jam, principales figuras del revival mod británico de la última mitad de los 70. Paul Weller, el alma mater de la banda y con tan sólo veinte años alcanza una increíble madurez como escritor de canciones, hecho atestiguado por unos textos que tanto hablan de relaciones sentimentales como diatriban con agudeza contra el sistema de clases o la violencia urbana.
Brillante lírica desarrollada en fenomenales temas que proponen candor acústico con "English rose" y "Fly", o cadencia arrolladora en "Billy Hunt" y "The place I love", enaltecida por el vertiginoso ritmo marcado por la batería de Rick Buckler y sobre todo por Bruce Foxton, un bajista tan excepcional que cubría con creces la labor de un segundo guitarrista.
El pop de perfecta y potente construcción lo encontramos en las fantásticas "To be someone", "Mr. Clean", "In the crowd" (tema de cierto sabor psicodélico en su parte final) y la deliciosa "It's too bad".
Pagan tributo a The Kinks revisando su "David Watts" y culminan el disco con "Down at the tube station at midnight", un soberbio punto y final para uno de los mejores discos de una de las grandes formaciones en la historia de la música británica. Un clásico, un gran trabajo, que alegra el día y sube el nivel del pop. Juan Vitoria lo incluye en 1998 en su libro Los 100 mejores discos del Rock.
1.All Mods Cons
2.To Be Someone (Didn't We Have a Nice Time)
3.Mr. Clean
4.David Watts
5.English Rose
6.In the Crowd
7.Billy Hunt
8.It's Too Bad
9.Fly
10.Place I Love, The
11.'A' Bomb in Wardour Street
12.Down in the Tube Station at Midnight
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403. Joe Ely – Honky Tonk Masquerade (1978)
Joe Ely es músico de honky-tonk/country. Nacido en Amarillo, Texas, fue autor de la banda sonora de "El Hombre que susurraba a los caballos".
Honky Tonk Masquerade, segundo álbum de Joe Ely, publicado en 1978, muy aclamado por los críticos de todo el mundo. Aparte de estar incluido en esta lista de los 1001 discos , está colocado en el número 40 en la lista de Rolling Stone de "50 álbumes esenciales de los años 70", calificándolo como " colaborador de la década para sentar las bases del country-rock". Y es considerado, en la misma década de los 70´s como patrimonio de su país, junto a Old No. 1 de Guy Clark , Red Headed Stranger de Willie Nelson, y Lubbock (On Everything) de Terry Allen. Además, el crítico musical neozelandés Fred Muller, coloca este disco en su lista de los diez "mejores álbumes de la era del rock".
Es bueno saber que hay un puñado de hombres cuya idea de la música, el ritmo y la poesía se levantan como monumentos inmortales y que se han convertido en el alma de la música country. Joe Ely es uno de esos hombres.
1. Cornbread Moon
2. Because of the Wind
3. Boxcars
4. Jericho (Your Walls Must Come Tumbling Down)
5. Tonight I Think I'm Gonna Go Downtown
6. Honky Tonk Masquerade
7. I'll Be Your Fool
8. Fingernails
9. West Texas Waltz
10. Honky Tonkin'
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404. Adverts – Crossing the Red Sea with the… (1978)
The Adverts, que se publicitaban como el grupo que tocaba con un único acorde, nacieron con la explosión punk británica de 1977 y comenzaron a hacerse populares en el famoso Roxy Club de Londres, lugar en donde actuaban con regularidad, convirtiendo a su bajista femenina, Gaye Advert, en toda una celebridad. Junto a Gaye estaban el cantante y compositor Tim "Tv" Smith, el guitarrista Howard Pickup y el batería Laurie Driver.
En una de sus actuaciones, el guitarrista del grupo The Damned, Brian James, quedó impresionado por su presencia escénica y les requirió para que telonearan a su grupo a la vez que les facilitó la entrada en el famoso sello Stiff Records.Todo un clásico, merecidamente, del punk.
Publicaron el single "One Chord Wonders" el mismo año del boom del punk, obteniendo un moderado éxito que se vio superado por "Gary Gilmore's Eyes". Estos sencillos de buena acogida comercial fueron continuados con menos fortuna por "Safety in numbers" y "No Time to Be 21".
Animados por su reciente notoriedad, sacaron a la luz el LP "Crossing The Red Sea With The Adverts" (1978), en el que aparecía como batería John Towe.
Crossing the Red Sea With the Adverts ofrece una visión apocalíptica de la Inglaterra de finales de los setenta que es casi futurista –en el sentido de ciencia ficción, aunque en el sentido de Marinetti casi también, aunque de momento no me meto con eso que hay que ir con pies de plomo para defender el futurismo. No se insiste lo suficiente, de todos modos, en el carácter marcadamente modernista de parte del punk, en su búsqueda de la novedad, de una música que refleje una nueva sociedad y es que, a pesar de estar describiendo una realidad social determinada, grupos como The Adverts lo hacían desde un ángulo determinado: opresivo, angustioso, nocturno, sórdido, anfetamínico, y con una galería de personajes en constante confrontación con el cemento urbano, con los medios de comunicación que filtran la realidad y le añaden capas de distorsión alienante del mismo modo en que los grupos punk expresaron su alienación mediante latigazos de guitarras furiosas y rasposas.
Este álbum es un magnífico disco en el cual los Adverts ejemplificaban el sonido primario, crudo y borboteante de la época.
1. One Chord Wonders
2. Bored Teenagers
3. New Church
4. On The Roof
5. New Boys
6. Bombsite Boy
7. No Time To Be 21
8. Safety In Numbers
9. Drowning Men
10. On Wheels
11. Great British Mistake
12. Gary Gilmore’s Eyes
13. We Who Wait
14. New Day Dawning
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405. Big Star – Third ( Sister Lovers) (1978)
El mundo del rock no es justo, existen casos donde bandas de innegable talento no ven reconocido su trabajo. Este es el caso de Big Star, por derecho propio el grupo de Alex Chilton y Chris Bell debería figurar en todos los tratados al lado de los grandes y ser tan populares como cualquiera de ellos, pero hoy en día no superan el estatus de grupo de culto bordeando el anonimato. Una mala distribución de sus discos tuvo gran parte de culpa en su fracaso comercial, aunque también tuvo bastante que ver su forma de entender la música, muy alejada del cliché rockero de moda en la época.
Big Star suenan a Beatles, a Beach Boys, sin dejar de sonar a Big Star, unas melodías prodigiosas, unos arreglos instrumentales imposibles, textos emocionantes que dieron forma primero a las canciones vitales de “#1 record” y “Radio city” y que también darían forma al árido “third / sister lover”
Cuando Alex Chilton entro en el estudio, sus ambiciones comerciales estaban ya bastante diluidas, y su estima como compositor bastante tocada, atravesaba además una época de conflictos sentimentales y existenciales. Todo esto se ve reflejado en “third” que sorprende por despojar al sonido de Big Star de toda la luminosidad de antaño, substituyéndola por angustia, dolor y desanimo.
“Thank You Friends” es un sarcástico homenaje a sus amigos, empezando por Chris Bell, que abandono la banda años atrás. “Night Time” es la búsqueda del consuelo, de la mano amiga.
“Holocaust” estremece al oyente con una historia de muerte, de enfermedad, de sufrimiento. “Third / Sister Lover” es el disco más arduo de Big Star, el más oscuro, el que mejores canciones tiene.
1.Kizza Me
2.Thank You Friends
3.Big Black Car
4.Jesus Christ
5.Femme Fatale
6.O, Dana
7.Holocaust
8.Kangaroo
9.Lovely Day
10.Fireplace
11.You Can't Have Me
12.Nightime
13.Blue Moon
14.Take Care
15.Nature Boy - (bonus track)
16.Till the End of the Day - (bonus track)
17.Dream Lover - (bonus track)
18.Downs - (bonus track)
19.Whole Lotta Shakin' Goin' On - (bonus track)
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406. Residents – Duck Stab/Buster & Glen (1978)
The Residents es un grupo de música avant garde y de artes visuales. Ellos comenzaron sus actuaciones al inicio de la década de 1970 y lanzaron su primer álbum en 1972. Siempre han mantenido sus vidas y su música en oscuridad. Hasta la actualidad los miembros de la banda no han revelado sus verdaderas identidades, sus apariciones en público siempre las realizan con disfraces, usualmente con trajes de etiqueta, sombreros de copa y máscaras con forma de ojo gigante (después uno de los miembros aparecería con una máscara con forma de calavera gigante, ya que su máscara de ojo gigante le había sido robada). La banda siempre se ha negado a otorgar entrevistas a los medios de comunicación y a revelar sus identidades.
Duck Stab / Buster & Glen, álbum lanzado en 1978, a menudo se le conoce únicamente como Duck Stab, un EP de 14 canciones publicado a principios de 1978 con canciones más cortas similar a la primera cara de su anterior álbum “Fingerprince”. “Buster y Glen” tenía la intención de ser el siguiente álbum después Duck Stab!, pero fue finalmente colocado como el lado B del álbum anterior, dándose asi la amalgama de los dos como resultado.
La menor duración de las canciones que hizo el álbum más accesible para los seguidores que habían sido atraídos en sus primeros álbumes. "Satisfaction", y canciones como "Constantinopla" y "Hello Skinny" ayudaron a cimentar el creciente culto de la banda. Este álbum cuenta en la guitarra con Felipe "Snakefinger" Lithman, así como su voz en el tema "Constantinopla".
Esta banda es creadora y seguidora de su Teoría de la Oscuridad, que dice que el artista solo puede crear arte puro cuando las expectativas e influencias del mundo exterior no deben tomarse en consideración.
Disc: 1
1. Constantinople
2. Sinister Exaggerator
3. Booker Tease
4. Blue Rosebuds
5. Laughing Song
6. Bach Is Dead
7. Elvis and His Boss
Disc: 2
1. Lizard Lady
2. Semolina
3. Birthday Boy
4. Weight-Lifting Lulu
5. Krafty Cheese
6. Hello Skinny
7. Electrocutioner
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407. Public Image Ltd – Public Image (1978)
Public Image Limited, también conocidos con la abreviatura PIL, fueron la nueva acometida musical que el ex cantante de Sex Pistols, Johnny Rotten (aunque aquí utilizó su verdadero nombre, John Lydon) perpetró, cuando, tras una desastrosa gira americana, durante el verano del 78, el grupo más mediático, que no mejor, del punk inglés, fue finiquitado.
Junto a él, un acompañante de lujo, el guitarrista Keith Levene, que estuvo en los primerísimos tiempos de The Clash (sin quedarse en su formación final), más el bajista Jah Wobble, antiguo compañero de instituto de Rotten/Lydon, y Jim Walker, un batería canadiense que estaba estudiando en Inglaterra y fue reclutado deprisa y corriendo mediante un anuncio.
En ese mismo 1978 sacan este primer álbum, que crea gran expectación por la fama del grupo precedente.
Pero Lydon, que, como se demuestra aquí, era la verdadera materia gris y compositor de los Pistols, trata de huir de los antecedentes creados por el afán de hacer negocio de su ex promotor Malcolm McLaren, y crea un sonido que evoluciona lo anterior, caracterizado por un tono más oscuro y una guitarras punzantes, con una sección rítmica que suena mecánica e impecable (a destacar la labor de Wobble, un bajista inexperto, que supuso un acierto viendo los precedentes, ya que fue Lydon quien impuso a Sid Vicious en Sex Pistols tocando ese instrumento, en lugar del original Glenn Matlock, un músico competente, con nefastos resultados) inaugurando con ello el concepto de after punk (que en cierto modo estará presente en grupos posteriores, incluyendo el rock siniestro y el gótico, que no se aleja mucho de los planteamientos de algunos de los temas aquí grabados).
Rotten cambia su imagen de camisetas rotas y puntiagudos pelos de colores por un aspecto más formal, para golpear aun más, y desde dentro, a determinados sectores de la sociedad.
Public Image llegó al nº 9 en Gran Bretaña y el LP también se vendió bien en Estados Unidos. La evolución posterior del grupo fue más ecléctica y tocaron desde reggae hasta canciones orientadas a las discotecas de los 80, tipo This is not a love song, y con diferentes cambios en la formación (el segundo de a bordo, Keith Levene, abandonó en 1983), aguantaron hasta los primeros años 90.
En la segunda mitad de la decada, John Lydon/Johnny Rotten, se embargó en diferentes giras lucrativas, que aún continúan, con unos resucitados Sex Pistols.
1. Theme
2. Religion 1
3. Religion 2
4. Annalisa
5. Public Image
6. Low Life
7. Attack
8. Fodderstompf
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408. Magazine – Real Life (1978)
uando los Buzzcocks todavían eran poco más que un embrión de la gran banda que era y que fue (habían publicado el EP “Spiral Scratch”) el cantante y guitarra Howard Devoto (de apellido real Trotter) decidió mudar los bártulos y liderar el grupo Magazine, un conjunto post-punk formado en 1977 junto al guitarrista John McGeoch, el bajista Barry Adamson, el batería Martin Jackson y el teclista Bob Dickinson.
Tras lograr un contrato con Virgin, la banda de Manchester debutaría en febrero de 1978 con el single “Shot by both sides” (número 41 en el Reino Unido), una canción escrita por Devoto y Pete Shelley, el líder de los Buzzcocks, que fue continuado en formato 45 rpm por “Touch & Go”.
En el mes de junio editaron “Real Life” (1978), un álbum producido por el veterano John Leckie en donde sonaban los teclados de Dave Formula, quien había sustituido a Dickinson dejaría el grupo. En el LP se aprecia la importancia del uso del teclado en los sonidos del grupo y ciertas concesiones arty en su concepto más experimental, que diferencian su sonido del de otros combos británicos del momento, por ejemplo los citados Buzzcocks, y los emparentan más con la new wave.
También, debido a su experimentación dentro de las líneas básicas marcadas por el punk, los engloba dentro del post-punk. Al lado del tema “Shot by both sides” se podían escuchar cortes como “Definitive gaze”, “Recoil” o el single “The light pours out of me”.
Caracterizados por la enorme carga filosófica/nihilista de las letras de Devoto, complementadas a la perfección por la música de sus compañeros. De hecho, un comentario de la época decía q si Albert Camus hubiera tenido una banda, ésta habría sido Magazine.
Real Life, su álbum debut, los muestra ya en plena forma, con composiciones q mezclan la intensidad del punk con arreglos impredecibles y extrañas melodías q dieron un nuevo color al fin de la década. La visión de Devoto queda totalmente confirmada.
1. Definitive Gaze
2. My Tulpa
3. Shot By Both Sides
4. Recoil
5. Burst
6. Motorcade
7. The Great Beautician In The Sky
8. The Light Pours Out Of Me
9. Parade
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409. Bruce Springsteen – Darkness on the Edge of Town (1978)
Darkness on the Edge of Town es el cuarto álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por Columbia Records en 1978.
Recuperado de problemas legales y del éxito de Born to Run, Springsteen publicó un álbum con menor atractivo comercial, Darkness on the Edge of Town. Las ventas no fueron tan elevadas como las de Born to Run, si bien el álbum alcanzaría unas cifras más altas de las esperadas.
Entre los diez temas que lo componen, piezas como Badlands, un clásico en casi todos los conciertos o Adam Raised a Cain una canción cargada de fuerza. The Factory es un auténtico récord de velocidad; en sólo noventa minutos se compuso letra y música. La sombra de su padre se siente en cada una de sus estrofas. El tema que da nombre al disco, Darkness On the Edge of Town, es el tema final y nos habla de la búsqueda de la tierra prometida.
El álbum no llegaría a generar ningún single de éxito, con "Prove It All Night" entrando sólo entre los cuarenta primeros puestos de las listas de singles estadounidensas.
En 1978, la cadena de televisión VH1 posicionó a Darkness on the Edge of Town en el puesto 68 de los mejores álbumes de todos los tiempos. Melancólico y agridulce "Darkness at the edge of town" , un gran disco influido en su gradación tonal por las pretéritas cuestiones judiciales
1. Badlands
2. Adam Raised a Cain
3. Something in the Night
4. Candy's Room
5. Racing in the Street
6. Promised Land
7. Factory
8. Streets of Fire
9. Prove It All Night
10. Darkness on the Edge of Town
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410. Funkadelic – One Nation Under a Groove (1978)
Funkadelic fue un grupo de música Africano Americano destacado durante la década de 1970. Junto con su banda hermana Parliament, encabezada por George Clinton, comenzó la cultura de la música funk en esa década.
El grupo que se convertiría en Funkadelic fue formado originalmente por George Clinton, en 1964, como un respaldo musical sin nombre para su grupo The Parliaments, mientras estaban de gira. La banda estaba formada originalmente por los músicos Frankie Boyce, Richard Boyce, y Langston Booth, además de unirse cinco miembros vocalistas de The Parliaments. Boyce y Booth se enrolaron en el Ejército en 1966, entonces Clinton contrato al bajista Billy "Bass" Nelson y al guitarrista Eddie Hazel en 1967, añadió también al guitarrista Tawl Ross y al baterista Tiki Fulwood. El nombre de "Funkadelic" fue acuñado por Nelson después de que la banda se trasladó a Detroit. En 1968, a causa de una disputa con Revilot, la compañía que tenía en propiedad el nombre de "Parliaments", el grupo comenzó a tocar bajo el nombre de Funkadelic.
Funkadelic grabo y publicó su más exitoso e influyente álbum llamado One Nation Under a Groove, de 1978, el decimo en su haber, la adición de ex jugadores de Ohio y el tecladista Walter "Junie" Morrison y que refleja una danza basada en un sonido más melódico. La canción con el mismo título pasó seis semanas en el número 1 en los R & B charts, alrededor del tiempo que Parliament goza de la posición # 1 de R & B con sus singles "Flash Light" y "Aqua Boogie". En este álbum encontrará además el genio de los más grandes pioneros e influyente guitarrista Eddie Hazel, miembro del “Rock and Roll Hall of Fame” Maggot Brain es tal vez la declaración musical definitiva de Funkadelic, y contiene un solo de guitarra de diez minutos el cual es el momento definitivo de Hazel y una pieza musical que lo hizo leyenda.
1. One Nation Under a Groove
2. Groovallegiance
3. Who Says a Funk Band Can't Play Rock
4. Promentalshipbackwashpsychosis Enema Squad
5. Into You
6. Cholly (Funk Getting Ready to Roll)
7. Lunchmeataphobia (Think It Ain't Illegal Yet)
8. P.E. Squad / Doo Doo Chasers (Going All the Way Off)
9. Maggot Brain - (live)
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411. Throbbing Gristle – DOA: Third & Final Report (1978)
Throbbing Gristle es una banda británica de música experimental e industrial que evolucionó del grupo performance COUM Transmissions. Los miembros fundadores de Throbbing Gristle fueron Chris Carter, Genesis P-Orridge, Cosey Fanni Tutti y Peter Christopherson.
Sus presentaciones en vivo, altamente confrontacionales, solían usar imágenes perturbadoras (incluyendo pornografía y fotos de campos de concentración nazi, dándole al grupo una reputación notable. Sin embargo, el grupo siempre sostuvo que su misión era retar y explorar los lados más oscuros y obsesivos de la condición humana (en vez de hacer música atractiva). Throbbing Gristle fue pionero en el uso de samples pre-grabados y uso de efectos especiales para producir un trasfondo distintivo y altamente distorsionado, usualmente acompañado por letras cantadas o habladas por Genesis P-Orridge.
La música de T.G. no es fácil de describir. Combinaban el "cut and paste", con elementos electrónicos a lo Kraftwerk e influencias del rock teutónico de Can. La música varía en distintos grados de intensidad. Algunos de sus discos tienen altos ritmos percusivos con fuertes alaridos y otros son más calmos. La estética que crearon para "Industrial Records" se puede describir como corporativa y militarista, esto último apreciable en sus logos.
Considerados los creadores del término “Industrial” que desencadenaría irremediablemente en todo un género musical.
1. I. B. M.
2. Hit by a Rock
3. United
4. Valley of the Shadow of Death
5. Dead on Arrival
6. Weeping
7. Hamburger Lady
8. Hometime
9. AB/7a
10. E-Coli
11. Death Threats
12. Walls of Sound
13. Blood on the Floor
14. Five Knuckle Shuffle
15. We Hate You (Little Girls)
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412. Thin Lizzy – Live & Dangerous (1978)
Thin Lizzy es una banda de hard rock irlandesa formada en Dublín en 1969. La banda originalmente fue liderada por el cantante, bajista y compositor Phil Lynott, inteligente y profundo a la hora de escribir las canciones, prefiriendo temas basados en las clases sociales, dramas de amor y odio, influído por Bob Dylan, Van Morrison, Bruce Springsteen y por la literatura irlandesa. En una entrevista a Phil Lynott, éste aseguró que su mayor influencia fue Van Morrison. La música de la banda cubrió mucho territorio, incluyendo el country y el folk, pero generalmente se les considera como una banda de heavy metal o hard rock.
Aunque bandas anteriores ya usaban técnicas similiares, Thin Lizzy se caracterizó por ser una de las primeras bandas de hard rock en utilizar dos guitarras melódicas a la vez, una técnica en la que Wishbone Ash fueron pioneros en el Reino Unido, y que por su parte también era utilizada por Lynyrd Skynyrd en los Estados Unidos. Esta técnica fue refinada más tarde y popularizada por bandas emergentes de la nueva ola de heavy metal en el Reino Unido, como Judas Priest y especialmente Iron Maiden. Estos últimos particularmente han elogiado mucho a Thin Lizzy a lo largo de su carrera.
La exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live and Dangerous” (1978), este concierto fue grabado en el Tower Theater de Philadelphia el 20 de octubre de 1977, durante la gira del Bad reputation y es considerado uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la sabia producción de Visconti. Metal en estado puro y primigenio, para todos aquellos adoradores de este género.
1.Jailbreak
2.Emerald
3.Southbound
4.Rosalie/Cowgirl's Song
5.Dancing in the Moonlight (It's Caught Me in the Spotlight)
6.Massacre
7.Still in Love With You
8.Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed
9.Cowboy Song
10.Boys Are Back in Town, The
11.Don't Believe a Word
12.Warrior
13.Are You Ready
14.Suicide
15.Sha-la-La
16.Baby Drives Me Crazy
17.The Rocker
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413. Talking Heads – More Songs About Buildings & Food (1978)
Segundo álbum de los Talking Heads, lanzado en el año 1978 “More Songs About Buildings and Food” es el trabajo con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. De hecho la canción de Eno de 1977 "King's Lead Hat" es un anagrama del nombre de la banda. El estilo típico de Eno congeniaba bien con las sensibilidades artísticas del grupo. Y se ganaron la confianza para explorar en una gran variedad de direcciones musicales. Sin embargo el primer "Psycho Killer" del álbum fue un éxito minoritario, fue la versión de Al Green's de More Song's "Take Me to the River" la que hizo a Talking Heads conocida por el público en general.
Comparado con su anterior trabajo, este disco tiene una producción más elaborada, con influencias del punk, country, reggae, pop; junto a ritmos muy marcados con el bajo.
Pese a que el disco no fuera comercial, fue la etapa de los discos más experimentales e interesante de la banda norteamericana. En todo caso, el álbum es una pequeña obra maestra. Sonido revolucionario, entretenimiento a raudales y una música única, diferente y extravagante, un gran álbum, mejor que el debut y dueño de algunos de los más geniales pasajes de funk-rock .
1. Thank You For Sending Me an Angel
2. With Our Love
3. Good Thing, The
4. Warning Sign
5. Girls Want to Be With the Girls, The
6. Found a Job
7. Artists Only
8. I'm Not in Love
9. Stay Hungry
10. Take Me to the River
11. The Big Country
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414. Buzzcocks – Another Music in a Different Kitchen (1978)
Liderados por el cantante y guitarrista Pete Shelley, de nombre real Peter McNeish (nacido el 17 de abril de 1955), este fantástico grupo de Manchester es uno de los más paradigmáticos del punk británico 70’s. Su combinación entre energía instrumental, agresividad rítmica, cinismo lírico y querencia por la buena melodía pop propagaron a los Buzzcocks como uno de los primeros combos punk-pop de la historia (junto a los Ramones), influenciados tanto por los Sex Pistols como por la Velvet Underground, los Who, los Stooges, Troggs (a quienes versionaron “I can’t control myself”) o el garaje y el beat de los años 60.
Su primer LP fue “Another music in a different kitchen” (1978), un fenomenal debut (número 15 en el Reino Unido) producido por Martin Rushent (ingeniero del “Electric Warrior” de T. Rex) con temas como “Fast Cars” o la gloriosa “I don’t mind”, puro ejemplo de gran punk-pop.
Disco de suma importancia en el nacimiento del punk rock, introdujeron muchos elementos pop en el estilo y son fundamental influencia de los grupos de la ola de punk pop de los años 90´s.
1. Fast Cars
2. No Reply
3. You Tear Me Up
4. Get On Our Own
5. Love Battery
6. Sixteen
7. I Don't Mind
8. Fiction Romance
9. Autonomy
10. I Need
11. Moving Away From The Pulsebeat
12. Orgasm Addict [Bonus Track]
13. Whatever Happened To...? [Bonus Track]
14. What Do I Get [Bonus Track]
15. Oh Shit [Bonus Track]
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415. Van Halen – Van Halen (1978)
Van Halen es el álbum debut del grupo estadounidense de Hard Rock Van Halen, lanzado en 1978. Aunque el disco se encuentra entre los 20 más vendidos en los años 1970, con más de 10 millones de copias vendidas, no pasó del puesto 19 en las listas de éxitos de su país durante su lanzamiento, ni del 34 en el Reino Unido. En la actualidad 10 discos de platino y uno de diamante lo respaldan.
Este álbum es ampliamente considerado como un hito en la historia del rock. La banda se estableció como un líder en el emergente y desafiante mundo hard rock de los EE.UU. En particular, el guitarrista de la banda, Eddie Van Halen, se hizo rápidamente famoso gracias a su técnica y sensibilidad musical, el tapping, que consiste en usar ambas manos en el mástil de la guitarra, que durante la promoción del disco tocaba los solos de espaldas al público para esconder su técnica. Hoy en día es considerado como uno de los guitarristas de rock más innovadores e influyentes; otros de los rasgos distintivos del grupo en su etapa considerada más clásica, era el estilo versátil y autoparódico de su cantante David Lee Roth, conocido como "Diamond" Dave.
Pese a que el disco suena como si fuera en directo es un disco de estudio en el que el productor, Ted Templeman introdujo ecos y efectos añadidos que le dan contundencia. Van Halen figura en el Libro Guinness de los Récords con la mayor cantidad de Nº 1's en la lista de rock de Billboard. Según la Asociación de la industria discográfica de Estados Unidos. Con este álbum Van Halen va, simplemente, a reinventar el rock duro...
1. Runnin' With the Devil
2. Eruption
3. You Really Got Me
4. Ain't Talkin' 'Bout Love
5. I'm the One
6. Jamie's Cryin'
7. Atomic Punk
8. Feel Your Love Tonight
9. Little Dreamer
10. Ice Cream Man
11. On Fire
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416. Willie Colón & Rubén Blades – Siembra (1978)
Tres décadas después de su nacimiento, la grabación “Siembra”, uno de los discos más conocidos de la dupleta de Willie Colón y Rubén Blades, aún mantiene su vigencia y es considerada como una obra maestra.
En algun lugar, todavía Pedro Navaja camina por la esquina del viejo barrio con el tumbao' que tienen los guapos al caminar. La gente no sabe a dónde se dirige, pero tal vez vaya al monte a buscar guayaba por la vereda del ocho y del dos. A la misma vez, pero en medio de una ciudad de plástico con edificios cancerosos, un hombre le implora a María Lionza que le haga un milagrito. Con ojos de inmenso dolor, le pregunta cómo puede arrancarse del alma una pena de amor. A lo lejos, un radio solitario deja escapar el siguiente pregón: "Con fe, siembra y siembra y tú verás"...
¿Les parecen conocidas estas historias? Si ha tenido el gusto de escuchar el álbum “Siembra”, es seguro que las recuerde. Y mientras esas escenas y otras similares no dejen de ser parte de la experiencia latinoamericana, los mensajes que grabaron hace tres décadas Willie Colón y Rubén Blades, seguirán tan frescos como el primer día. Tan vigentes para provocar que al día de hoy se hayan vendido sobre 5 millones de copias, lo que convierte esta grabación en la más vendida de la salsa.
"Esto fue un álbum hecho para el mundo entero, por eso pegó todas las canciones. Ese álbum nadie lo ha podido igualar", sostiene con contundencia el promotor artístico e historiador musical Richi Viera. “El disco recogía las vivencias de toda Latinoamérica. Todo el mundo se identificó”, remata sentado tras el escritorio de su padre, Rafael Viera, en la Catedral de la Música, Viera Discos. Don Rafael, quien fue promotor y es conocido como la “Enciclopedia de la Salsa”, escucha la conversación con atención para no quedarse atrás. Con su particular parsimonia interviene para decir que “la gente entendía que esto era una obra maestra”.
Cuando se les pregunta a ambos por qué ha tenido tanta trascendencia, son enfáticos en señalar los contenidos sociales de sus canciones. Mensajes, que según cuenta Richie Viera, muchos calificaron en ese momento de atrevidos.
“Antes de este disco no se había escrito una cosa tan social”, indica Don Rafael. “La gente abrió los ojos a la pobreza y a la desigualdad”, añade Richie Viera. En las letras se les cantaba a la “gente de carne y hueso que no se vendió”, al guapetón de barrio, a los trabajadores... Se le dijo a los latinos que usaran la conciencia, “no dejes que se duerma, no la dejes que muera”.
Otro cambio que obró este disco fue el perfil de los oyentes de salsa. Antes de “Siembra”, este género musical era visto como de personas de clase media baja y clase baja. Pero después de su publicación, “se destaparon los riquitos”, a decir de Richie Viera.
“Ellos mostraban el disco sin miedo. Es más, querían que la gente supiera que ellos oían 'Siembra'”, acota Richie Viera. “Lo compró todo tipo de gente. Además, lo pedían por su título”, puntualiza Don Rafael.
Por su parte, el programador de la emisora radial Z93, Pedro Arroyo, argumenta que otra cosa a favor de la grabación fueron sus arreglos musicales innovadores. “Yo recuerdo la primera vez que oí 'Plástico', que empieza con música disco. Yo dije, 'Que clase de huevo'. Pero cuando oí el mensaje y el final... Rubén dice 'Nicaragua sin Somoza'. Yo pensé que esa canción no la iban a poner en la radio”, recuerda.
Para Arroyo el arraigo de este disco es indudable. Una de las cosas que lo prueba es que las primeras dos canciones que mas piden en Z93, cuya especialidad es la salsa, son “Pedro Navaja” y “Buscando Guayaba”, dos cortes de este disco.
Asimismo, recuerda que hace cinco años, cuando a Rubén Blades le dedicaron el Día Nacional de la Salsa, todos los presentes cantaron de arriba a abajo todas las canciones que entonó Blades. “La gente se las sabe”.
“Siembra es un best seller, es el disco que más ha vendido. Su calidad de sonidos, de grabación, los arreglos, la letra... Se combinaron todos los talentos”
1. Plastico
2. Buscando Guayaba
3. Pedro Navaja
4. Maria Lionza
5. Ojos
6. Dime
7. Siembra
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417. Cars – Cars (1st Album) (1978)
The Cars probablemente fueron el grupo que mejor aunó las tendencias de la new wave y un sonido facilmente vendible en las emisoras de FM, es por esto que es una de las pocas bandas que se puede decir que convenció por igual a crítica y público, algo tan difícil.
El grupo se formó en Boston, si bien la mayoría de sus componentes no eran originarios de esta ciudad. Tenía como principales baluartes al guitarrista y compositor Ric Ocasek y al bajista Ben Orr (ambos compartían las tareas vocales) que se habían conocido varios años antes en Ohio y no eran, desde luego, novatos en este negocio: habían integrado varias bandas y en algunas de ellas ya tocaron juntos. Inicialmente contaban con el teclista Greg Fawkes, que aunque estuvo un tiempo con otros proyectos, se integró en la formación definitiva de The Cars, junto al guitarrista Elliot Easton y el batería David Robinson, ex integrante del grupo local The Modern Lovers, liderado por Jonathan Richman.
El estilo de The Cars es un pop rock con influencias que van desde The Velvet Underground al Bowie de la 2ª mitad de los 70 o Roxy Music. Se trata de melodías cuidadas, en las que se introducen los toques del sintetizador de Hawkes, que les dan un aire entre kitsch y cool, con algún ramalazo guitarrero de Easton, a veces con un sonido distorsionado característico del grupo.
Pioneros de un tipo de pop que luego invadió las radiofórmulas durante los 80, solo que ellos lo hicieron primero y mejor. Este primer LP integra varios de los primeros éxitos como Good times, Just what I needed o My best friend's girl o algunas de las preferidas por sus aficionados, como Bye Bye love.
1. Good times roll
2. My best friend's girl
3. Just what I needed
4. I'm in touch with your world
5. Don't cha stop
6. You're all I've got tonight
7. Bye bye love
8. Moving in stereo
9. All mixed up
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418. Devo – Q: Are We Not Men? A: We Are Devo (1978)
Tres meses cerró la Universidad de Kent State por cuenta del asesinato de cuatro estudiantes a cargo de la Guardia Civil. Tres meses. Suficientes para que Gerald Casale y Mark Mothersbaugh, desarrollaran una especie de teoría que relacionaba al hombre con un proceso de de-evolución, y que situaba al ser humano a los pies del mundo mecanizado.
Y necesitaban transmitir sus ideas a la gente, y qué mejor manera, pensaron, que creando una banda de rock. Sus teorías de-evolucionistas influyeron determinantemente en sus ritmos, coreografías y vestuarios. A la voz y sintetizadores de Mothersbaugh, el bajo de Gerald Casale y Bob Lewis se unió el batería Alan Myers, gestándose así una de las bandas más peculiares del período post-punk.
Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! es el segundo álbum de la banda de New Wave, Devo. Fue lanzado en julio de 1978. Una composición ajustada, sin elementos de sobra, sumada a unas letras marcadas por la ironía dieron como resultado pequeñas piezas de pop perfecto, indestructibles. Puede resultar un poco extraño. El quinteto, allá por 1978, se amparaba todavía en un acercamiento más basado en guitarras que en los teclados, con una pulsión rockera que desaparecería poco después en la banda.
El álbum fue producido por Brian Eno, en los estudios Conny Planck en Colonia, Alemania. La banda logró ponerse en contacto con Eno cuando consiguieron entregarle un demo a David Bowie durante un show en Cleveland. Grupo de culto, reivindicados y versionados por Nirvana, Rage Aganist The Machine por nombrar algunos. Un perfecto, psicodélico y absurdo viaje a la buena música y el entretenimiento. Este álbum apareció en el número 477 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
1.Uncontrollable Urge
2.Satisfaction, (I Can't Get No)
3.Praying Hands
4.Space Junk
5.Mongoloid
6.Jocko Homo
7.Too Much Paranoias
8.Gut Feeling / Slap Your Mammy
9.Come Back Jonee
10.Sloppy (I Saw My Baby Gettin')
11.Shrivel-Up
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419. Dire Straits – Dire Straits (1978)
Dire Straits fue una banda de rock británica, fundada en 1977 por Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), con Ed Bicknell como director.
En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers"; ya que Mark pedía a gerentes de los pubs que los dejasen actuar, de forma que la música sonase de fondo, permitiendo a la gente hablar.
Dire Straits grabó y realizó su primer álbum homónimo en 1978 con poca aceptación hasta que cinco meses después se lanzó un sencillo, "Sultans of Swing", que se convertiría en uno de los himnos de la banda, gracias a este sencillo el disco se convirtió finalmente en uno de los más vendidos.
Elaborado a partir de una serie de maquetas que el grupo había conseguido grabar de su propio bolsillo, incorporaba prácticamente todo el repertorio de la banda. Excluidos del álbum quedaron "Move It Away", "Real Girl", "Me & My Friends" y una versión del tema de Chuck Berry "Nadine". Durante la promoción del álbum, la banda interpretaría la canción "What's The Matter, Baby?", escrita conjuntamente por Mark y David Knopfler, y posteriormente publicada en el álbum de 1995 Live at the BBC. La imagen de la portada está extraída de una pintura de Chuck Loyola.
La guitarra excelsa de Mark Knopfler se encuentra considerada en la revista Rolling Stone, situada en el 27º puesto de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Los Dire Straits han sido sin duda alguna, una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos, y este álbum en concreto los lanzó al estrellato.
1.Down to the Waterline
2.Water of Love
3.Setting Me Up
4.Six Blade Knife
5.Southbound Again
6.Sultans of Swing
7.In the Gallery
8.Wild West End
9.Lions
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420. Saints – Eternally Yours (1978)
Pocos grupos han trascendido tanto en el Punk-Rock como The Saints. Para remontarnos a sus inicios tenemos que situarnos en la lejana Australia, en concreto Brisbane, en la primera mitad de los años 70. The Saints graban un sobresaliente single de debut y tal es el eco en el Reino Unido que una gran multinacional como EMI les firma un contrato por tres discos. El segundo de estos discos con EMI se llama “Eternally Yours” y lo produce el propio grupo incorporando nuevos instrumentos como teclados, guitarras acústicas e incluso sección de vientos en algunos temas. El estado de insatisfacción del grupo en Inglaterra se refleja perfectamente en los textos de las canciones del disco, unas canciones cargadas de rabia, ironía y mucho sarcasmo; un acertado dardo venenoso a las estúpidas modas de temporada e imposiciones sociales.
El sonido de “Eternally Yours” es mucho mejor y más limpio, y la guitarra de Ed Kuepper está más domesticada pudiéndose apreciar mejor los demás detalles. Incorporan sección de vientos en las increíbles “Know Your Product” y “Orstralia”. “Know Your Product” con el tiempo se ha convertido en uno de los temas más celebrados y emblemáticos del grupo, y no es de extrañar, es la mezcla perfecta de Punk y música Soul con precisas puyas a los medios de comunicación. Grupos posteriores como Rocket From the Crypt basaron parte de su repertorio en este estilo de canciones.
En la reedición en CD de “Eternally Yours” del 2007 vienen como extras “The International Robot Sessions”, que son versiones alternativas de las canciones del disco, pero grabadas en mono, a la primera toma y con un sonido más áspero. Vaya, una gozada para los oídos.
“Eternally Yours” sale a la venta en abril de 1978 y a pesar de ser un gran disco, es un fracaso a nivel comercial y la discográfica muestra su descontento. La escena londinense no podía acogerlos amigablemente: Dominaban sus instrumentos, no se ajustaban a la estética y actitud predominantes y tampoco estaban dispuestos a reír las gracias de afectados jovenzuelos ni a bailar al son de amanerados dictadores de la moda. Los ingleses los considerarían cuatro desagradables garrulos de las antípodas. Ellos, que amaban la música de verdad, comprendieron el timo en cuanto llegaron. Benditos bárbaros australianos.
1.Know Your Product
2.Lost and Found
3.Memories Are Made of This
4.Private Affair
5.Minor Aversion, A
6.No, Your Product
7.This Perfect Day
8.Run Down
9.Orstralia
10.New Centre of the Universe
11.Untitled
12.Misunderstood, (I'm)
13.International Robots
14.Do the Robot
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421. Marvin Gaye – Here, My Dear (1978)
Pocos músicos tienen una discografía tan rica y llena de matices como Marvin Gaye. Su obra ha resistido el paso del tiempo, los cambiantes standards de calidad establecidos por la industria musical, e inclusive el contrapeso de haber tenido una descendencia poco afortunada (el siempre cínico Ian McCulloch dijo alguna vez que el problema con Marvin Gaye es que nos había dejado como herencia toda una prole de cantantes maricones). Sus discos de los sesentas son pequeños ejercicios de estilo a lo Motown, llenos de hits y buen gusto. "What's Going On" (1971) es una obra mayor, un disco comprometido en sus planteos líricos e innovador en el aspecto musical. Que sea señalado como el mejor de la historia de la música pop seguramente es una exageración, aunque está fuera de toda discusión que marcó un antes y un después en la música Soul. "Let's Get It On" (1973) y "I Want You" (1976) se convirtieron en clásicos a pesar de ser totalmente opuestos a su antecesor: son discos sensuales y refinados, creados para glorificar al amor físico por sobre todas las cosas. Sin embargo, mi preferido es "Here, My Dear" (1978), un disco que fue editado originalmente con el formato de álbum doble, y que en el momento de su publicación sufrió un rechazo unánime.
La historia de "Here, My Dear" es fascinante. Marvin estaba casado con Anna Gordy (hermana de Berry Gordy Jr., el dueño de Motown) quien era diecisiete años mayor que él. En 1975, después de once años juntos, esta relación explotó debido a las reiteradas infidelidades de Gaye, quien ya tenía dos hijos junto a Janis Hunter. El divorcio era inevitable y se cerró fuera de los juzgados en 1977, cuando los abogados de Gaye se comprometieron a pagarle a Anna Gordy la suma de seiscientos mil dólares. Como el fisco perseguía a Marvin y este tenía confiscados sus ingresos, la única manera de conseguir el dinero adeudado era comprometiendo los ingresos a cobrar en concepto de adelanto y derechos de autor de un próximo disco. Lo primero que pasó por la cabeza de Marvin Gaye fue grabar un álbum mediocre para terminar con el trámite lo más rápidamente posible, aunque al poco tiempo cambió de opinión. Por resentimiento, por dolor o por inquietud artística, Marvin se encerró durante un año y compuso un disco que contaba la desintegración de su matrimonio, exorcizando todo el enojo y la frustración que rodeaba a su divorcio.
Lo dicho, "Here, My Dear" fue considerado un fracaso en el momento de su edición, tanto por la prensa como por el público. ¿Cuales fueron los motivos? Bueno, para empezar, este disco no tenía nada que ver con el compromiso social ni con la exhuberancia compositiva de "What's Going On", tampoco con el clima lujurioso de "Let's Get It On" y mucho menos con la atmósfera festiva de la música disco que aún dominaba los rankings de R&B en 1978. Sin embargo, "Here, My Dear" es un álbum asombroso, una obra barroca de contenido desgarrador. Sin hits obvios (el simple fue "A Funky Space Reincarnation", cuya duración es de más de ocho minutos) ni canciones de relleno, Marvin Gaye ofrece su alma en una hora y trece minutos de Doo-wop, Smooth soul y Funk (muy) contenido, y finalmente consigue encandilarnos con el opaco brillo de estos catorce mid-tempos cuyas letras retratan la desintegración de una pareja con una honestidad sin precedentes.
"Here, My Dear" es un álbum singular, de una belleza obscena si se quiere, pero que cumple hasta las últimas consecuencias con la cada vez más olvidada premisa de transformar la miseria en arte.
1. Here, My Dear
2. I Met a Little Girl
3. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You
4. Anger
5. Is That Enough
6. Everybody Needs Love
7. Time to Get It Together
8. Sparrow
9. Anna's Song
10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Instrumental)
11. Funky Space Reincarnation
12. You Can Leave, But It's Going to Cost You
13. Falling in Love Again
14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Reprise)
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422. Willie Nelson – Stardust (1978)
Stardust, un inusual disco de standards o clásicos interpretados al puro estilo Nelson, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones. Considerado como una obra maestra que abrió el camino a la recreación de clásicos de la música americana.
Después de estar en la vanguardia del movimiento rebelde en la década de 1970 nadie podría haber previsto lo que Willie daría a luz en 1978. "Stardust" es una simple colección de canciones que Willie había venerado en su infancia. Este álbum iba a vender más de cuatro millones de copias y está a la par con lo mejor que Willie Nelson tiene para ofrecer.
"Stardust" es el estándar que abandera a todos las colecciones contemporáneas de"Great American Songbook". A más de 30 años, esta grabación todavía es hoy tan esencial como lo era entonces. "Stardust" es realmente un hito en la música.
1.Stardust
2.Georgia on My Mind
3.Blue Skies
4.All of Me
5.Unchained Melody
6.September Song
7.On the Sunny Side of the Street
8.Moonlight in Vermont
9.Don't Get Around Much Anymore
10.Someone to Watch Over Me
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423. Chic – C’est Chic (1978)
C'est Chic es el segundo álbum de la banda de R & B banda Chic, publicado por Atlantic Records en 1978. C'est Chic incluye el éxito clásico de la banda, "Le Freak", que encabezó las listas “US Hot 100” en EE.UU., US R&B, y US Club Play en octubre de 1978, la venta de seis millones de copias sólo en los EE.UU, es hasta la fecha tanto de Atlantic Records y Warner Music el único éxito de ventas que es celebrado por casi treinta años. C'est Chic también contiene el single "I Want Your Love" (# 5 R & B, # 7 pop el 17 de febrero 1979) que se ha convertido en el himno de la banda, "Chic Cheer".
El primer gran combo de música Disco Funk propiamente dicho, con grandes instrumentistas como Nile Rodgers y Bernard Edwards. Todavía hoy "Le Freak" es un relámpago perfecto para las pistas de baile.
C'est Chic fue transferido al disco compacto y re-lanzado por Atlantic Records / Warner Music en 1991, y sigue siendo uno de los dos álbumes de estudio que nunca se han reeditado en formato digital remasterizado.
1.Chic Cheer
2.Le Freak
3.Savoir Faire
4.Happy Man
5.I Want Your Love
6.At Last I Am Free
7.Sometimes You Win
8.Bone (Funny)
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424. X-ray Spex – Germ Free Adolescents (1978)
Liderados por la carismática Poly Styrene, bautizada en su tiempo como Marion Elliott, los X-Ray Spex, aunque no demasiado conocidos al nivel de los Sex Pistols o los Clash, es una banda de punk británico de culto a causa de un único LP, “Germ Free Adolescents” (1978).
Actitud juvenil rebelde, energía y rapidez en la ejecución y teatralidad que enfatizaba las bases del rock’n’roll son los cimientos básicos del punk y algunas de las características de X- Ray Spex, creadas en 1976 y compuestas, además de la cantante y compositora Poly Styrene, por la saxofonista Lora Logic (de nombre real Susan Whitby), el guitarrista Jak Airport, el bajista Paul Dean y el batería B.P. Hurdin.
Punk con saxo y con una peculiar voz femenina, X-Ray Spex sólo aguantaron este disco juntos. Luego su vocalista, Poly-Styrene, se pasó al Hare-Krisna y la banda se descompuso, sin embargo nos queda como legado este vinilo, de lo mejor de la cosecha del 78 británica. No se pierdan Oh Bondage up Yours!, Obsessed With You o la que da título al ábum.
1. The Day The World Turned Dayglo
2. Obsessed WithYou
3. Genetic Engineering
4. Identity
5. I Live Off You
6. Germfree Adolescents
7. Art-I-Ficial
8. Let's Submerge
9. Warrior In Woolworths
10. I Am A Poseur
11. I Can't Do Anything
12. Highly Inflammable
13. Age
14. Plastic Bag
15. I Am A Cliche
16. Oh Bondage Up Yours!
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425. Brian Eno – Ambient 1: Music for Airports (1978)
Brian Eno responsable del sonido más escuchado durante los últimos años después del ring de los teléfonos "The Microsoft Sound", es además, pionero del ambient. Ideó este término con los primeros discos de tal tendencia. Se trataba de una lectura hedonista que diseñaba sonidos para aeropuertos y almacenes. Música funcional, bastante interesante como para no ser aburrida, pero que tampoco reclamara toda la atención, anticipó conceptos que vendrían después, del house, a la new age.
Este es la primera de las 4 entregas del la serie ambient, es así como en la música se genera el término ambient music. El nombre del disco viene a dar respuesta al movimiento caótico de los nuevos espacios de consumo, o los "no lugares", en donde, a ciencia cierta, nadie habita, pero se tiene la necesidad de estar o transitar en ellos o por ellos, esta vez, los aeropuertos, en donde un complejo sistema y sobre todo una logística impresionablemente interconectada hace funcionar un establecimiento de esas magnitudes.
El concepto del disco es muy simple, contrarrestar el movimiento que se vive a diario en un aeropuerto, (hace falta ver el horario de salidas y llegadas del AICM para darse cuenta de esto) con una propuesta de música que genere una respuesta de tranquilidad y serenidad en el individuo y te ayude a la reflexión introspectiva, como pionero en el género, este disco es admirablemente adelantado a su tiempo, ya que sienta las bases para lo que hasta el momento conocemos como minimalismo (en música) y obviamente el ambient en su totalidad.
1. 1/1
2. 2/1
3. 1/2
4. 2/2
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